FESTIVAL
CAMILLE SAINT-SAËNS TRA ROMANTICISMO E MODERNITÀ
DAL 24 SETTEMBRE AL 3 NOVEMBRE 2016
Palazzetto Bru Zane – giovedì 29 settembre, ore 20
Saint-Saëns in salotto
Quartetto di Cremona
Cristiano Gualco e Paolo Andreoli, violini
Simone Gramaglia, viola
Giovanni Scaglione, violoncello
Andrea Lucchesini, pianoforte
PALAZZETTO
BRU ZANE
CENTRE
DE MUSIQUE
ROMANTIQUE
FRANÇAISE
Oggi, Camille Saint-Saëns non potrebbe certo lamentarsi di essere
sparito dalla storia della musica. La fama internazionale del
Carnaval des animaux, del Primo Concerto per violoncello, della Danse
macabre, del Secondo Concerto per pianoforte, della Sinfonia «con
organo» e del Samson et Dalila colloca il compositore addirittura
prima di Gounod e Massenet per quanto riguarda la fortuna
presso i posteri. Tuttavia, rispetto al vasto catalogo delle sue opere,
molti tesori oggi sembrano essere dimenticati dai programmi dei
concerti. Chi conosce i suoi quartetti e il Quintetto con pianoforte o
le numerose mélodies con pianoforte? Ognuna di queste riscoperte
è stata giudicata importante, ed è parso naturale che il Centro di
musica romantica francese dedicasse un festival a questo artista
così eclettico e imprevedibile.
Camille Saint-Saëns ne pourrait pas se plaindre d’avoir disparu de
l’Histoire de la musique. La notoriété internationale du Carnaval
des animaux, du Premier Concerto pour violoncelle, de la Danse
macabre, du Deuxième Concerto pour piano, de la Symphonie
« avec orgue » et de Samson et Dalila place même le compositeur avant
Gounod et Massenet sur l’échelle de la postérité. Pourtant, au regard
de son vaste catalogue d’œuvres, bien des trésors musicaux semblent
aujourd’hui oubliés des salles de concert : qui connaît ses quatuors
à cordes et son Quintette avec piano, ou ses nombreuses mélodies
avec piano ? Chacune de ces redécouvertes fut jugée d’envergure et
il semblait naturel que le Centre de musique romantique française
consacre un cycle à cet artiste éclectique et imprévisible.
La musica nei salotti della Terza Repubblica
Il ruolo dei salotti nella vita musicale, già notevole fin dalla loro
apparizione alla fine del Settecento, diventa decisivo durante la
Terza Repubblica in conseguenza al disimpegno dello stato nella
politica musicale. Nobili e aristocratici (sovente donne a loro volta
musiciste di talento) fanno dei propri salotti luoghi cardine del
mondo musicale. Lì, tra snobismo e divertimento, si fanno (o si
disfano) le reputazioni dei compositori o degli interpreti, lì vengono
commissionate, remunerate ed eseguite opere in prima assoluta.
Proust ne offre un fedele riflesso nella descrizione del salotto di
Madame Verdurin. Citiamo anche quelli di Madame de SaintMarceau, che influiva sulle decisioni dell’Académie des beaux-arts,
della contessa Greffulhe, che finanziava la Société des grandes
auditions, di Misia Sert, che sosteneva i Ballets russes, o della
principessa de Polignac, che commissionò lavori a Fauré, Stravinskij,
Satie, Falla o Poulenc – tra gli altri – e fu dedicataria di numerose
partiture. Un fenomeno sociologico che aveva ripercussioni dirette
sulla vita musicale parigina. «Dal salotto alla sala da concerto
– spiega Myriam Chimènes – si delineano reti che assicurano una
circolazione tra spazio privato e spazio pubblico». Le musiche di
Saint-Saëns, che all'epoca può vantare di essere uno dei compositori
più stimati in Francia, vengono regolarmente programmate nelle
atmosfere ovattate dei salotti parigini.
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La musique dans les salons de la Troisième République
Le rôle des salons dans la vie musicale, déjà notable depuis leur
apparition à la fin du XVIIIe siècle, devient déterminant sous la
Troisième République (1870-1940) du fait du désengagement de
l’État dans la politique musicale. Nobles et aristocrates (souvent des
femmes, elles-mêmes musiciennes de talent) firent de leurs salons
des lieux-clefs du monde musical. Entre snobisme et divertissement,
les réputations des compositeurs ou des interprètes s’y faisaient
(ou défaisaient), les œuvres y étaient commandées, rémunérées et
créées. Proust en a donné un fidèle reflet dans sa description du
salon de Mme Verdurin. Citons aussi ceux de Mme de Saint-Marceau,
qui influait sur les décisions de l’Académie des beaux-arts, de la
comtesse Greffulhe, qui finançait la Société des grandes auditions,
de Misia Sert, qui soutenait les Ballets russes, ou de la princesse
de Polignac, qui passa commande à Fauré, Stravinsky, Satie,
Falla ou Poulenc – parmi d’autres –, et se vit dédier nombre de
partitions. Un phénomène sociologique dont les répercussions sur
la vie musicale parisienne étaient directes. « Du salon au concert,
explique Myriam Chimènes, des réseaux se dessinent, assurant une
circulation entre l’espace privé et l’espace public. » Saint-Saëns, qui
peut à l’époque s’enorgueillir d’être un des compositeurs les plus
considérés en France, voit ses pièces régulièrement programmées
dans les atmosphères feutrées des salons parisiens.
Camille Saint-Saëns/Jules Massenet
La Mort de Thaïs, paraphrase de concert sur l’opéra de Massenet pour piano seul
Camille Saint-Saëns
Quatuor à cordes no 1 en mi mineur op. 112 :
Allegro. Più allegro – Molto allegro quasi presto – Molto adagio – Allegro non troppo. Molto allegro
Quintette pour cordes et piano en la mineur op. 14 :
Allegro moderato maestoso – Andante sostenuto – Presto – Allegro assai, ma tranquillo
Durata del concerto / Durée du concert
1h15
Il Palazzetto Bru Zane vi dà appuntamento dopo il concerto per un brindisi insieme ai musicisti
Le Palazzetto Bru Zane vous donne rendez-vous après le concert pour un verre en compagnie des musiciens
Le opere
Les œuvres
Camille Saint-Saëns: La mort de Thaïs, parafrasi da
concerto sull’opera di Massenet per pianoforte solo
Rappresentata per la prima volta il 16 marzo 1894 a Parigi, riproposta
in una nuova versione nel 1898, Thaïs si impose effettivamente solo
a partire dal 1907, ma sin dal primo momento una scena riscosse un
trionfo che in seguito non venne mai meno: la «Meditazione di Thaïs»,
nel secondo atto, dopo l’incontro tra Thaïs e Athanaël da cui l’eroina esce
sconvolta. I sentimenti della bella cortigiana sono espressi dalla melodia
estatica e sensuale di un violino solista, senza l’accompagnamento
della voce. La «Meditazione» si riascolta più volte nel corso del terzo
atto, in particolare quando Athanaël lascia Thaïs pentita, dopo averla
affidata al convento di madre Albine, e soprattutto al momento della
morte della giovane. Nel 1895 Saint-Saëns ne scrive una parafrasi,
condensando l’ultima scena, e la dedica a Louise Massenet, moglie
del compositore. La spoglia frase musicale delle suore e l’intervento
febbrile e angosciato di Athanaël sono seguiti da un tempestoso
interludio sinfonico, cui segue un passo virtuosistico al pianoforte.
Dopo un ritorno della salmodia delle monache, la seconda metà della
parafrasi si basa sulla «Meditazione». Come Liszt nella sua trascrizione
della «Morte di Isotta» di Wagner, Saint-Saëns tralascia le parti vocali
(che cantano frammenti della melodia strumentale o intervengono in
forma di recitativo) ed elimina anche il grido di dolore di Athanaël, il
quale prende consapevolezza troppo tardi del proprio amore per Thaïs.
Mentre l’opera termina brutalmente in un clima tragico, lo spartito
per pianoforte si conclude invece sulle eteree sonorità di una delle più
celebri melodie del teatro lirico.
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Camille Saint-Saëns : La Mort de Thaïs, paraphrase de
concert sur l’opéra de Massenet pour piano seul
Créée le 16 mars 1894 à Paris, donnée dans une version révisée en 1898,
Thaïs ne s’impose véritablement qu’à partir de 1907. Mais d’emblée, une
scène connaît un triomphe qui ne s’est jamais démenti : la « Méditation de
Thaïs », à l’acte II, après l’affrontement entre Thaïs et Athanaël qui laisse
l’héroïne bouleversée. Les sentiments de la belle courtisane sont traduits
par la mélodie extatique et sensuelle d’un violon solo, sans le concours de
la voix. La Méditation est réentendue plusieurs fois à l’acte III, notamment
lorsqu’Athanaël quitte Thaïs repentie, confiée au couvent de la mère
Albine, et surtout au moment de la mort de la jeune femme. En 1895,
Saint-Saëns écrit une paraphrase condensant la dernière scène et la dédie
à Louise Massenet, épouse du compositeur. La phrase dépouillée des sœurs,
l’intervention fébrile et angoissée d’Athanaël sont suivies par un interlude
symphonique tempétueux qui donne lieu à un épisode pianistique
virtuose. Après un rappel de la psalmodie des moniales, la seconde moitié
de la paraphrase est fondée sur la Méditation. Comme Liszt dans sa
transcription de La Mort d’Isolde de Wagner, Saint-Saëns écarte les
parties vocales (qui chantent des bribes de la mélodie instrumentale ou des
interventions en style de récitatif). Il supprime de surcroît le cri de douleur
d’Athanaël, lequel prend conscience trop tard de son amour pour Thaïs.
Si l’opéra s’achève brutalement dans un climat tragique, la partition de
piano se referme en revanche sur les sonorités éthérées de l’une des plus
célèbres mélodies du théâtre lyrique.
Camille Saint-Saëns: Quartetto per archi n. 1 in mi minore
op. 112
Allegro. Più allegro – Molto allegro quasi presto – Molto adagio –
Allegro non troppo. Molto allegro
Camille Saint-Saëns : Quatuor à cordes no 1 en mi mineur
op. 112
Allegro. Più allegro – Molto allegro quasi presto – Molto adagio – Allegro
non troppo. Molto allegro
«Se non avessi composto questo quartetto», scriveva Saint-Saëns al
suo editore, «gli esteti avrebbero tratto da tale lacuna tutta una serie di
deduzioni, avrebbero scoperto nella mia indole il motivo per cui non ne
avessi scritti e dedotto che non fossi capace di scriverne! Non dubitate,
li conosco. Finché questa necessità non fosse stata soddisfatta, temevo
di cominciare troppo presto, non ero tranquillo. Ora tutto ciò mi è
indifferente». Il dedicatario e forse promotore di questa composizione,
Eugène Ysaÿe, la eseguì per la prima volta il 21 dicembre 1899 ai
Concerts Colonne. Saint-Saëns aveva allora 64 anni; maturato dopo
una giovinezza assai audace, si atteggiava a custode delle tradizioni.
Ci si aspetterebbe dunque un’opera magistrale, dogmatica e regolare.
Ciò che viceversa colpisce è il carattere imprevisto delle forme, la
mobilità delle idee (controcorrente rispetto alla moda del tema ciclico),
il trattamento non di rado orchestrale della compagine strumentale
(sordine, tremoli, batterie di accordi), talvolta impressionistico, a danno
dell’ideale polifonico e del modello beethoveniano dell’uguaglianza
tra i quattro strumenti, laddove spesso la parte del primo violino è
dominante. Lontano dalle complicazioni cromatiche post-wagneriane,
il linguaggio armonico sempre limpido è ricco di fuggevoli ambiguità.
L’aspetto più notevole è l’attiva fluidità di una scrittura contrappuntistica
frammentata, in cui cellule o linee si attraversano e si compenetrano a
formare un intarsio sonoro.
« Si je n’avais pas fait ce quatuor, écrivait Saint-Saëns à son éditeur, les
esthéticiens auraient tiré de cette lacune un tas de déductions, ils auraient
découvert dans ma nature pourquoi je n’en avais pas écrit et comment
j’étais incapable d’en écrire ! N’en doutez pas, je les connais. Et tant que
cette besogne nécessaire n’était pas effectuée, j’avais peur de partir trop tôt,
je n’étais pas tranquille. Maintenant tout m’est indifférent ». Le dédicataire
et peut-être l’initiateur du quatuor : Eugène Ysaÿe le créa aux Concerts
Colonne le 21 décembre 1899. Saint-Saëns avait alors 64 ans ; revenu de sa
jeunesse audacieuse, il se posait en gardien des traditions. On attendrait
donc une œuvre magistrale, dogmatique et lisse. Ce qui frappe au
contraire, c’est l’imprévu des formes, la mobilité des idées (au rebours de
la vogue du thème cyclique), le traitement volontiers orchestral du quatuor
(sourdines, trémolos, batteries), parfois impressionniste, au détriment
de l’idéal polyphonique et du modèle beethovénien de l’égalité entre les
pupitres tant la partie du premier violon est si fréquemment dominante.
Loin des complications chromatiques post-wagnériennes, le langage
harmonique toujours limpide est riche d’ambiguïtés fugitives. L’aspect le
plus remarquable est l’active fluidité d’une écriture contrapuntique éclatée
où des cellules ou des lignes se croisent et s’emboitent pour former une
marqueterie sonore.
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Camille Saint-Saëns: Quintetto per archi e pianoforte in la
minore op. 14
Allegro moderato maestoso – Andante sostenuto – Presto – Allegro
assai, ma tranquillo
Camille Saint-Saëns : Quintette pour cordes et piano en la
mineur op. 14
Allegro moderato maestoso – Andante sostenuto – Presto – Allegro assai,
ma tranquillo
Negli anni Quaranta Louise Farrenc e George Onslow avevano composto
quintetti per archi e pianoforte, ma è a Saint-Saëns che si deve la prima
opera francese importante destinata a tale formazione, composta nel
1855. Il musicista appena ventenne la dedicò alla prozia Charlotte
Masson, che si era presa molta cura di lui durante la sua infanzia e alla
quale egli rimase assai legato. Sin dalle prime pagine, maestose e severe,
Saint-Saëns dichiara la propria ambizione, confermata dall’insieme di
una partitura ricca del modo minore (anche nell’Andante sostenuto in
fa maggiore), di modulazioni in tonalità lontane e di contrappunto: il
finale inizia con un lungo fugato eseguito dai soli archi, cosa insolita
in un movimento che si presume brillante. Riassumendo nell’Allegro
finale alcuni elementi tematici dei movimenti precedenti, Saint-Saëns
osa la forma ciclica, sebbene con una certa timidezza; in compenso,
dà prova di notevole coraggio nel Presto, una fantastica e forsennata
corsa verso l’abisso che termina con una dissoluzione della materia
sonora. Pubblicata solo nel 1865, l’opera era però stata eseguita
(presumibilmente per la prima volta) alla Sala Érard il 10 aprile 1860 dal
Quartetto Armingaud e dal compositore. Adolphe Botte, nella «Revue
et Gazette musicale» del 15 aprile 1860, sottolineava il carattere «serio»
del lavoro di Saint-Saëns: «A Parigi abbiamo una decina di giovani
musicisti che si esprimono tutti con una certa gravità, e che il pubblico
non conosce e forse non conoscerà mai». Fortunatamente, la storia gli
ha dato torto.
Dans les années 1840, Louise Farrenc et George Onslow avaient composé
des quintettes pour cordes et piano. Mais c’est à Saint-Saëns que l’on doit,
en 1855, la première œuvre marquante destinée à cette formation en
France. Le jeune musicien d’à peine vingt ans la dédia à sa grand-tante
Charlotte Masson, qui s’était beaucoup occupée de lui pendant son
enfance et à laquelle il était resté très attaché. Dès les premières pages,
majestueuses et sévères, il affirme son ambition, confirmée par l’ensemble
de la partition riche en mode mineur (même dans l’Andante sostenuto en
fa majeur), en modulations dans des tonalités éloignées et en contrepoint :
le finale commence avec un long passage fugué joué par les seules
cordes, écriture insolite dans un mouvement que l’on attend brillant. En
récapitulant quelques éléments thématiques du quintette dans ce dernier
Allegro, Saint-Saëns ose une forme cyclique encore un peu timide. Il fait
en revanche preuve d’une belle témérité dans le Presto, course à l’abîme
éperdue et fantastique qui se termine avec une dissolution de la matière
sonore. Si l’œuvre n’a été éditée qu’en 1865, elle a été jouée (apparemment
en première audition) dans les salons Érard le 10 avril 1860, par le Quatuor
Armingaud et le compositeur. Adolphe Botte, dans la Revue et Gazette
musicale du 15 avril 1860, souligne le « sérieux » de Saint-Saëns et
s’inquiète : « Il y a comme cela, à Paris, une dizaine de jeunes musiciens
dont chacun ne parle qu’avec une certaine gravité, et que le public ne
connaît pas et ne connaîtra peut-être jamais. » L’avenir lui a heureusement
donné tort.
I compositori
Les compositeurs
Jules Massenet (1842-1912)
Dopo gli studi di pianoforte coronati da un primo premio al
Conservatorio nel 1859, Massenet vince il prix de Rome nel 1863.
Questo successo gli frutta la commissione de La Grand’ Tante,
opéra-comique che riceve una buona accoglienza alla prima
rappresentazione (1867). Le musiche di scena de Les Érinyes
(Leconte de Lisle, 1873), gli oratori Marie-Magdeleine (1873) e Ève
(1875) richiamano l’attenzione sul musicista che d’ora in poi si
dedicherà prevalentemente al teatro lirico. Attento a rinnovarsi
costantemente, Massenet tratta soggetti di grande varietà. Si
susseguono così l’esotismo de Le Roi de Lahore (1877) e de Le Mage
(1891), il fantastico di Esclarmonde (1889), il naturalismo de La
Navarraise (1894) e di Sapho (1897), la favola Cendrillon (1899),
il clima leggendario di Thaïs (1894) e Grisélidis (1901), la cornice
medioevale e religiosa de Le Jongleur de Notre-Dame (1902), la
mitologia antica di Ariane (1906) e di Bacchus (1909), l’eroismo
tragicomico di Don Quichotte (1910). Il compositore s’ispira a celebri
opere letterarie anche per Le Cid (1885), Manon (1884) e Werther
(1892). Massenet possiede le doti indispensabili alla scena lirica:
quelle della caratterizzazione psicologica e del ritmo teatrale.
Sontuoso melodista, egli affascina anche per la sottigliezza della
sua armonia e la raffinatezza della sua orchestrazione, elaborata
in funzione della situazione drammatica. Autore di pezzi per
pianoforte, opere sacre e mélodies, Massenet ha altresì contribuito
al rinnovamento della musica sinfonica in Francia, come attestano
in particolare le sei suites orchestrali intitolate Scènes.
Jules Massenet (1842-1912)
Après des études de piano couronnées par un premier prix au
Conservatoire en 1859, Massenet obtient le prix de Rome en
1863. Ce succès entraîne la commande de La Grand’ Tante,
opéra-comique bien accueilli lors de sa création (1867). La
musique de scène des Érinyes (Leconte de Lisle, 1873), les oratorios
Marie-Magdeleine (1873) et Ève (1875) attirent l’attention sur le
musicien qui, dorénavant, se consacrera essentiellement au théâtre
lyrique. Soucieux de toujours se renouveler, Massenet traite des
sujets d’une grande diversité. Se succèdent ainsi l’exotisme du Roi
de Lahore (1877) et du Mage (1891), le fantastique d’Esclarmonde
(1889), le naturalisme de La Navarraise (1894) et de Sapho (1897), le
conte de fées Cendrillon (1899), le climat légendaire de Thaïs (1894)
et Grisélidis (1901), le cadre médiéval et religieux du Jongleur
de Notre-Dame (1902), la mythologie antique d’Ariane (1906) et
de Bacchus (1909), l’héroïsme tragi-comique de Don Quichotte
(1910). Le compositeur s’inspire aussi d’œuvres littéraires célèbres
pour Le Cid (1885), Manon (1884) et Werther (1892). Il possède les
dons indispensables à la scène lyrique : ceux de la caractérisation
psychologique et du rythme théâtral. Somptueux mélodiste, il
séduit aussi par la subtilité de son harmonie et le raffinement de
son orchestration, élaborée en fonction de la situation dramatique.
Auteur de pièces pour piano, d’œuvres sacrées et de mélodies,
Massenet a de surcroît participé au renouveau de la musique
symphonique en France, ce dont témoignent notamment les six
suites orchestrales intitulées Scènes.
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Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Orfano di padre proprio come Charles Gounod, Saint-Saëns fu
cresciuto dalla madre e dalla prozia. Fu quest’ultima a iniziarlo
al pianoforte, prima di affidarlo a Stamaty e poi a Maleden.
Straordinariamente precoce, fece la sua prima apparizione in
concerto già nel 1846. Due anni dopo lo ritroviamo al Conservatorio
nelle classi di Benoist (organo) e poi di Halévy (composizione).
Anche se fallì due volte al concorso per il prix de Rome, il complesso
della sua carriera fu costellato da un’infinità di riconoscimenti e di
nomine a vari incarichi ufficiali, tra cui un’elezione all’Académie
des beaux-arts nel 1881. Virtuoso, titolare degli organi della
Madeleine (1857-1877), impressionò i suoi contemporanei.
Compositore colto e fecondo, si adoperò per la riabilitazione dei
maestri del passato partecipando a edizioni di Gluck e di Rameau.
Eclettico, difese tanto Wagner quanto Schumann. Come didatta
ebbe tra i suoi allievi Gigout, Fauré o Messager. Come critico firmò
numerosi articoli che attestano uno spirito lucido e acuto, anche se
molto legato ai principi dell’accademismo. Fu questo stesso spirito,
indipendente e volitivo, a indurlo a fondare nel 1871 la Société
nationale de musique, e quindi a rassegnare le dimissioni nel
1886. Ammirato per le sue opere orchestrali, pervase di un rigore
assolutamente classico in uno stile ardimentoso (cinque concerti
per pianoforte, tre sinfonie, l’ultima delle quali con organo, quattro
poemi sinfonici, tra cui la celebre Danse macabre), conobbe un
successo internazionale grazie in particolare alle opere Samson et
Dalila (1877) e Henry VIII (1883).
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Camille Saint-Saëns (1835-1921)
Orphelin de père tout comme Charles Gounod, Saint-Saëns fut élevé
par sa mère et sa grand-tante. C’est cette dernière qui l’initia au piano,
avant de le confier à Stamaty puis à Maleden. Extraordinairement
précoce, il fit sa première apparition en concert dès 1846. Deux ans
plus tard, on le retrouve au Conservatoire dans les classes de Benoist
(orgue) puis d’Halévy (composition). S’il échoua à deux reprises
au concours de Rome, l’ensemble de sa carrière fut néanmoins
ponctué d’une foule de récompenses, ainsi que de nominations
à divers postes institutionnels, dont une élection à l’Académie en
1881. Virtuose, titulaire des orgues de la Madeleine (1857-1877), il
impressionna ses contemporains. Compositeur fécond et cultivé, il
œuvra à la réhabilitation des maîtres du passé, participant à des
éditions de Gluck et de Rameau. Éclectique, il défendit aussi bien
Wagner que Schumann. Pédagogue, il compta parmi ses élèves
Gigout, Fauré ou Messager. Critique, il signa de nombreux articles
témoignant d’un esprit fort et lucide, quoique très attaché aux
principes de l’académisme. C’est ce même esprit, indépendant et
volontaire, qui le poussa à fonder, en 1871, la Société nationale de
musique, puis à en démissionner en 1886. Admiré pour ses œuvres
orchestrales empreintes d’une rigueur toute classique dans un style
non dénué d’audaces (cinq concertos pour piano, cinq symphonies
dont la dernière avec orgue, quatre poèmes symphoniques, dont la
célèbre Danse macabre), il connut une renommée internationale,
notamment grâce à ses opéras Samson et Dalila (1877) et Henry
VIII (1883).
Gli interpreti
Les interprètes
Quartetto di Cremona
Cristiano Gualco, violino
Paolo Andreoli, violino
Simone Gramaglia, viola
Giovanni Scaglione, violoncello
Il Quartetto di Cremona nasce nel 2000 presso l'Accademia
Stauffer di Cremona. Si perfeziona con Piero Farulli e con Hatto
Beyerle, affermandosi in breve come una delle realtà cameristiche
più interessanti sulla scena nazionale e ben presto anche
internazionale. Il Quartetto è ospite regolare nei principali festival
e rassegne in Europa, Sudamerica, Australia e Stati Uniti. Dal 2011
al 2014 come Artist in Residence presso la Società del Quartetto
di Milano ha eseguito l’integrale dei quartetti di Beethoven. In
campo discografico, nel 2011 è uscito per la Decca l'integrale dei
Quartetti di Fabio Vacchi e nel 2012 hanno inciso un disco dedicato
ai compositori italiani dal titolo Italian Journey. Termina nel 2016
la pubblicazione dell’integrale dei Quartetti di Beethoven per la
casa discografica tedesca Audite. Tra gli ultimi riconoscimenti,
ricordiamo il Supersonic Award della rivista tedesca Pizzicato e la
nomination all'International Musical Award 2015 per la musica da
camera. La stampa specializzata internazionale ne sottolinea le
alte qualità artistiche ed interpretative. Il Quartetto di Cremona è
stato scelto come testimonial per il progetto Friends of Stradivari
e nel novembre 2015 ha ricevuto la cittadinanza onoraria della
Città di Cremona. Inoltre, il quartetto riceve il sostegno della
Fondazione Kulturfond Peter Eckes che ha affidato loro i proprio
quattro strumenti.
Quartetto di Cremona
Cristiano Gualco, violon
Paolo Andreoli, violon
Simone Gramaglia, alto
Giovanni Scaglione, violoncelle
Fondé en 2000 à l’Accademia Stauffer de Crémone, le Quartetto
di Cremona se perfectionne avec Piero Farulli et Hatto Beyerle
avant de s’affirmer sur la scène internationale comme formation
de chambre de haut intérêt. Le quatuor est l’invité régulier des
principaux festivals et saisons de concert en Europe, en Amérique
latine, en Australie et aux États-Unis. Artiste en résidence de
2011 à 2014 à la Società del Quartetto di Milano, il y exécute
l’intégrale des quatuors de Beethoven. Sur le plan discographique,
le Quartetto di Cremona publie en 2011 chez Decca l’intégrale
des quatuors de Fabio Vacchi ; en 2012 le disque Italian Journey
dédié aux compositeurs italiens ; et en 2016 l’intégrale des
quatuors de Beethoven chez Audite. On trouve parmi leurs
dernières distinctions le Supersonic Award de la revue allemande
Pizzicato et la nomination à l’International Musical Award 2015
pour la musique de chambre. La presse spécialisée internationale
souligne régulièrement les qualités artistiques et interprétatives
du Quartetto di Cremona, qui a été choisi comme image du projet
Friends of Stradivari ; ses membres sont également citoyens
d’honneur de la ville de Crémone. Le quatuor reçoit le soutien
de la Fondation Kulturfond Peter Eckes, qui lui a confié quatre
instruments.
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Andrea Lucchesini, pianoforte
Formatosi sotto la guida di Maria Tipo, Andrea Lucchesini si
impone all'attenzione internazionale giovanissimo, con la
vittoria del Concorso Internazionale Dino Ciani presso il Teatro
alla Scala di Milano. Suona da allora in tutto il mondo con le
orchestre più prestigiose, collaborando con direttori notevoli.
La sua ampia attività, contrassegnata dal desiderio di esplorare
la musica senza limitazioni, lo vede proporre programmi che
spaziano dal repertorio classico all'oggi e gli vale già nel 1994
il riconoscimento dei musicologi europei da cui riceve il Premio
Internazionale Accademia Chigiana, mentre l'anno successivo
il Premio Abbiati testimonia l'apprezzamento della critica
italiana. Andrea Lucchesini ha al suo attivo numerose incisioni
discografiche, tra qui il concerto Echoing curves di Luciano Berio,
con il quale riceve successivamente unanime plauso dalla critica
internazionale. Nel 2016 è prevista la pubblicazione dei concerti
di Beethoven eseguiti con l’Orchestra della Radio della Svizzera
Italiana e la direzione di Antonello Manacorda. Convinto che
la trasmissione del sapere musicale alle giovani generazioni
sia un dovere morale, si dedica con passione all'insegnamento,
attualmente presso la Scuola di Musica di Fiesole, della quale è
stato anche direttore artistico dal 2008 al 2016. È inoltre invitato
a tenere masterclass presso importanti istituzioni musicali
europee, quali la Musik Hochschule di Hannover, il Sommer
Wasserbuger Festspiele e il Mozarteum di Salisburgo; dal 2008 è
Accademico di Santa Cecilia.
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Andrea Lucchesini, piano
Formé par Maria Tipo et lauréat du Concours international
Dino Ciani au Théâtre de la Scala, Andrea Lucchesini est
reconnu dès son plus jeune âge au niveau international. Il se
produit dans le monde entier avec de nombreux orchestres et
des chefs renommés. Sa large activité, caractérisée par le désir
d’explorer la musique sans limite aucune, l’amène à proposer
des programmes allant du classique au contemporain et lui
vaut dès 1994 la reconnaissance de la musicologie européenne
avec le Premio internazionale Accademia Chigiana ; suivra
le Premio Franco Abbiati pour l’Italie. Andrea Lucchesini a
à son actif de nombreux enregistrements discographiques,
parmi lesquels le Concerto Echoing curves de Luciano Berio,
acclamé par la critique internationale. Au programme
en 2016 la publication des concertos de Beethoven avec
l’Orchestra della Radio Svizzera Italiana, sous la baguette
d’Antonello Manacorda. Convaincu que la transmission du
savoir musical aux jeunes générations est un devoir moral,
Andrea Lucchesini se dédie avec passion à l’enseignement :
actuellement enseignant à l’École de musique de Fiesole
(Florence) dont il a été directeur artistique de 2008 à 2016,
il est également invité à tenir des master-classes auprès
d’importantes institutions musicales européennes comme
la Musik Hochschule d’Hannover, le Sommer Wasserbuger
Festspiele et le Mozarteum de Salsbourg. Il est depuis 2008
académicien de l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia.
CAMILLE SAINT-SAËNS: NOVITÀ EDIZIONI E DISCHI
Tutte le pubblicazioni su bru-zane.com
Quintetto con pianoforte
Quartetto per archi n. 1
QUARTETTO DI CREMONA
Andrea Lucchesini pianoforte
Mélodies
Tassis Christoyannis baritono
Jeff Cohen pianoforte
APARTÉ (2016)
AUDITE (2016)
Gli artisti vi aspettano
alla fine del
concerto per un
autografo del CD!
Camille Saint-Saëns Jacques Rouché :
Correspondance (1913-1921)
Camille Saint-Saëns
Il Re degli spiriti musicali
di Giuseppe Clericetti
presentata e commentata da
Marie-Gabrielle Soret
Libro in francese
ZECCHINI EDITORE (2016)
ACTES SUD / PALAZZETTO BRU
ZANE (2016)
Con il sostegno del
Palazzetto Bru Zane
Les Barbares (1901)
CHŒUR LYRIQUE ET ORCHESTRE
SYMPHONIQUE SAINT-ÉTIENNE LOIRE
Laurent Campellone direzione
Catherine Hunold, Julia Gertseva,
Edgaras Montvidas, Jean Teitgen
CD con libro – 2 CD
PALAZZETTO BRU ZANE (2014)
Camille Saint-Saëns et le prix de Rome
BRUSSELS PHILHARMONIC
FLEMISH RADIO CHOIR
Hervé Niquet direzione
Julie Fuchs, Marina De Liso, Solenn’ Lavanant
Linke, Bernard Richter, Pierre-Yves Pruvot,
Nicolas Courjal, François Saint-Yves
CD con libro – 2 CD
GLOSSA (2010)
Prossimi eventi al Palazzetto Bru Zane
Prochains événements au Palazzetto Bru Zane
Martedì 4 ottobre, ore 18
Incontro con Giuseppe Clericetti:
«Sa tutto ma manca d'inesperienza»: la vita e gli scritti
di Camille Saint-Saëns
Ingresso libero – Consigliata la prenotazione
Domenica 9 ottobre, ore 15.30
Eventi per le famiglie
Paesaggio sublime
Laboratorio per bambini a partire dai 7 anni
A cura di Virginia Di Lazzaro
In occasione della giornata nazionale Famiglie al Museo
Ingresso gratuito, prenotazione obbligatoria (posti limitati)
Venerdi 7 ottobre, ore 17
D(i)ritti alla musica
Un emozionante viaggio musicale nell'ambito della
manifestazione «Diritti sui diritti».
A cura del Servizio Politiche per la famiglia e Welfare
ambientale e Palazzetto Bru Zane
Ingresso libero, prenotazione obbligatoria (posti limitati)
Venerdi 7 ottobre, ore 20
A quattro mani
Musiche di SAINT-SAËNS, LA TOMBELLE, BIZET, RAVEL
Ismaël Margain e Guillaume Bellom, pianoforte
Sabato 15 ottobre, ore 17
Intorno al pianoforte
Musiche di SAINT-SAËNS
Solisti della Chapelle Musicale Reine Elisabeth: Elina Buksha
violino, Astrig Stranossian violoncello, Thibaud Epp pianoforte
Domenica 16 ottobre, ore 15.30
Eventi per le famiglie
Violino, violoncello e piano… Tutti per uno, uno per tutti!
Laboratorio-concerto per genitori e bambini a partire dai 6 anni
A cura di Diana D’Alessio
Musiche di SAINT-SAËNS
Solisti della Chapelle Musicale Reine Elisabeth
Info e prenotazioni: [email protected] | +39 041 52 11 005
Contributi musicologici
Louise Bernard de Raymond, Hélène Cao, Bénédicte Gandois Crausaz,
Fanny Gribenski, Étienne Jardin, Nicolas Southon
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Traduzioni
Arianna Ghilardotti, Paolo Vettore
Palazzetto Bru Zane
Centre de musique romantique française
San Polo 2368, 30125 Venezia - Italia
+39 041 52 11 005
bru-zane.com
