Paul Taylor - BALLET2000

4,90 Euro • mensile • nº 248 • VIII. 2014 • Poste Italiane Spa - Spedizione in Abbonamento Postale - 70% - DCB Milano
la rivista internazionale della danza • mensile • n° 248
EDIZIONE ITALIA
Paul Taylor
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www.ballet2000.com
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Directeur de la publication
Direttore responsabile / Editor-in-chief
Alfio Agostini
Collaborateurs/Collaboratori/Contributors
Erik Aschengreen
Leonetta Bentivoglio
Donatella Bertozzi
Valeria Crippa
Clement Crisp
Gerald Dowler
Elisa Guzzo Vaccarino
Marc Haegeman
Anna Kisselgoff
Kevin Ng
Jean Pierre Pastori
Olga Rozanova
Emmanuèle Rüegger
Roger Salas
Sonia Schoonejans
René Sirvin
Isis Wirth
la revue internationale de la danse
édition France
la rivista internazionale della danza
edizione Italia
the international dance magazine
English edition
Lisa Viola, Michael Trusnovec
– Paul Taylor Dance Company:
“Dante Variations”,
c. Paul Taylor
(ph. L. Greenfield)
Editorial advisor
Elisa Guzzo Vaccarino
Editorial assistant
Cristiano Merlo
Traductions/Traduzioni/Translations
Simonetta Allder
Cristiano Merlo
Collaborateurs à la rédaction/Collaboratori
alla redazione/Collaborators
Luca Ruzza
Alain Garanger
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Chargée de communication et pub. (France)
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Tél. 06.99.55.96.52
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service
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n° 248
Août / Agosto / August 2014
BALLET 2000
B.P. 1283 – 06005 Nice cedex 01 – F
tél. (+33) 09.82.29.82.84
Éditions Ballet 2000 Sarl – France
ISSN 2112-2288
Commission Paritaire P.A.P. 0718K91919
Distribution Presstalis, 30 rue R. Wallenberg,
75019, Paris – 01.49.28.70.00
per l’Italia:
Ballet2000 - Piazza Statuto 1 - 10122 Torino
tel. 011.19.58.20.38
Reg. Tribunale di Milano 546 - 26.XI.1983 e
177 - 1.III.1990. Distribuzione Italia: Me. Pe.,
via E. Bugatti 15, 20142 Milano
Imprimé en Italie/Printed in Italy by
Pinelli Printing - Seggiano di Pioltello - Milano
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e-mail: [email protected]
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Calendar
19
News
28
Lyon-Torino
30
Cover : Paul Taylor
38
On Stage :
Ballet de l’Opéra de Paris
Laurent Chétouane, Biennale di
Venezia
Bayerisches Staatsballett
Ballett Zürich
Trisha Brown Dance Company
Nederlands Dans Theater 1
Compañía Nacional de Danza, Madrid
Alessandra Ferri, Herman Cornejo
Stuttgart Ballet
Frederick Ashton Festival
Hong Kong Ballet
48
Ballet de l’Opéra de Paris: “Dances at a Gathering”
Alessandra Ferri, Herman Cornejo: “Chéri”
BalletTube: Carnaval de Venise
49
Multimédia : TV, Web, Dvd,
Cinema...
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On TV
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Photo Gallery
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Sylvie Guillem: “Bye”
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Olga Esina, Vladimir Shishov – Wiener Staatsballett: “Le Lac des cygnes” (ph. M. Poehn)
AUSTRIA
CZECH REPUBLIC
DEUTSCHLAND
Wien
Š Staatsoper
22, 27, 30. IX: Le Lac des
cygnes – c. R. Nureyev –
Ballett
der
Wiener
Staatsoper
ImPulsTanz
Š Schauspielhaus
12, 13. VIII: Jérôme Bel:
Jérôme Bel
15. VIII: Georgia Vardarou:
Phenomena
Š
Kasino
am
Schwarzenbergplatz
11. VIII: Florentina Holzinger:
Agon
14. VIII: Cie Soit: The Lee
Ellroy Show – c. H. Van Den
Broeck
Š Odeon
10, 12. VIII: Liquid Loft:
Talking Head – c. C. Haring
15, 17. VIII: Ko Murobushi:
Faux Pas
Š Volkstheater
13, 15. VIII: Biblioteca do
Corpo: Erendira – c. I. Ivo
Prague
Š State Opera
20. IX: Romeo and Juliet – c. P.
Zuska – National Theatre Ballet
28. IX: Le Lac des cygnes – c.
M. Petipa, L. Ivanov – Prague
National Theatre Ballet
Š National Theatre
6, 11. IX: Cinderella – c. P. Smok,
P. Dumbala – Prague National
Theatre Ballet
13, 25. IX: Krabat – c. J. Kodet –
Prague National Theatre Ballet
Š Estate Theatre
3, 23. IX: Valmont – c. L. Vaculík
– Prague National Theatre Ballet
Berlin
Š Schiller Theater
19, 28. IX: Namouna – c. Alexei
Ratmansky; Clear – c. S. Welch
– Staatsballett Berlin
12, 13. IX: Onegin – c. J. Cranko
– Staatsballett Berlin
Š Komische Oper
14. IX: The Open Square – c. I.
Galili – Staatsballett Berlin
Dresden
Š Semperoper
5, 9, 10, 12, 19. IX: Bella Figura – c. J. Kylián; Minus 16 – c.
O. Naharin; The Grey Area – c.
D. Dawson – Dresden Ballet
22, 26. IX: Romeo and Juliet –
c. S. Celis – Dresden Ballet
Š Europäisches Zentrum der
Künste
11, 12, 13, 14, 17, 18, 19, 20.
IX: Study 3 – c. W. Forsythe –
The Forsythe Company
DANEMARK
Copenhagen
Š Det Kongelige Teater
9-12. IX: Hamburg Ballet: Death
in Venise – c. J. Neumeier
14, 16, 18, 19, 24, 26, 27. IX: La
Dame aux camélias – c. J.
Neumeier – Royal Danish Ballet
Hamburg
Š Staatsoper
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Ballet de l’Opéra de Paris:
“Pas/.parts”, c. William
Forsythe (ph. A. Deniau)
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21, 26, 27. IX: Giselle – c. J.
Coralli, J. Perrot, M. Petipa
(J. Neumeier) – Hamburg
Ballet
Leipzig
Š Oper
28. IX: Jim Morrison – c. M.
Schröder – Leipzig Ballet
München
Š Nationaltheater
22. IX: Der Gelbe Klang – c. M.
Simon; creations – c. A. Barton,
R. Maliphant – Bayerisches
Staatsballett
Stuttgart
Š Opernhaus
30. IX: Leonce und Lena – c.
C. Spuck – Stuttgart Ballet
Wuppertal
Š Opernhaus
26-30. IX: ...come el musguito
en la piedra, ay, sí, sí, sí... – c.
P. Bausch – Tanztheater
Wuppertal
18-21. IX: Sweet Mambo – c.
P. Bausch – Tanztheater
Wuppertal
FINLAND
Helsinki
Š Opera
22. VIII: Tero Saarinen Company:
Morphed
22, 23, 28, 30. VIII, 5, 25. IX:
Onegin – c. J. Cranko – Finnish
Jirí Bubenícek, Svetlana Gileva – Dresden Ballet: “Bella Figura”, c. Jirí Kylián (ph. C. Radu)
FRANCE
National Ballet
19, 20, 23. IX: Utopia for Anther
Continent – c. N. Horecna; Spazio-Tempo – c. J. Godani; Glass
Pieces – c. J. Robbins – Finnish
National Ballet
Paris
Š Opéra Garnier
1, 2, 3, 5, 6, 7. IX: Tanztheater
5
Wuppertal: Two Cigarettes in
the Dark – c. P. Bausch
20, 23, 24, 25, 26, 27, 30. IX, 1,
3, 4. X: Études – c. H. Lander;
Woundwork 1; Pas./Parts – c.
W. Forsythe – Ballet de l’Opéra
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Biennale de la Danse de Lyon: L.A. Dance Project: “Peripheral Stream”, c. Hiroaki Umeda (ph. L. Philippe)
de Paris
Š Centre Pompidou
24-26. IX: Tânia Carvaho:
Weaving Chaos
Norvège: Future Memoiries;
Bella Figura; Gods and Dogs;
Symphonie de Psaumes – c.
J. Kylián
Š Théâtre des Champs-Élysées
12, 14. IX: Gala des Étoiles du
XXIème Siècle
22-24. IX: Ballet de l’Opéra de
Le Temps d’Aimer, Biarritz: Cie Dernière Minute: “Standards”, c. Pierre Rigal (ph. P. Grosbois)
Š Théâtre du Châtelet
4-6. IX: Ballet de l’Opéra de Lyon:
Limb’s Theorem – c. W. Forsythe
Š Le 104 – Centquatre
25-26. IX: Alessandro Sciarroni:
Joseph kids
Š Théâtre de la Ville – Les
Abbesses
7-5. IX: The Forsythe Company:
Legìtimo/Rezo – c. J. San Martin
10-13. IX: The Forsythe
Company: Eifo Efi – c. I.
Mandafounis
Š Aubervillers – Centre
Dramatique National
24-27. IX: Cédric Andrieux:
Cédric Andrieux – c. J. Bel
Š Grande Plage
14. IX: Cie Ex Nihilo: Loin de là
Biarritz
Le Temps d’Aimer la Danse
Š Gare du Midi
12. IX: Ballet Royal de Flandres:
Le Retour d’Ulysse – c. C. Spuck
14. IX: Cie Vilcanota & les
Blérots de R.A.V.E.L: L’homme
d’habitude
17. IX: CCN de Nantes: La
Fulgurance du vivant – c. C.
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Lenta; Cie Dance Development
15. IX: Cie Sébastien Perrault:
Nekyia
16. IX: Frédéric Werlé: Nijinskoff
17. IX: KD Danse – Kirsten
Debrock: Impostures
18. IX: Cie Gilschamber:
L’Intrusion
20. IX: Cie Samuel Mathieu:
La Dynamique des émotions
Š Place Bellevue
21. IX: Lasala: Hooked
Lyon
Biennale de la Danse de Lyon
Š Opéra de Lyon
10-12. IX: Heart’s Labyrinth
– c. J. Kylián; créations – c.
F. Chaignaud, C. Bengolea –
Ballet de l’Opéra de Lyon
20, 21. IX: Cie Yoann
Bourgeois: Celui qui tombe
Š Maison de la Danse
10-12. IX: DV8 Physical
Theater: John
16, 17. IX: Ballet de Lorraine:
Corps de ballet – c. N. Soulier;
Sounddance – c. M.
Cunningham; Relâche – c. P.
Jacobsson
20-25. IX: Dada Masilo/The
Dance Factory: Carmen
29, 30. IX: L.A. Dance Project:
Peripheral Stream – c. H.
Humeda; créations – c. R.
Assaf, B. Millepied
Š Théâtre de la Croix-Rousse
22, 23. IX: Anne Juren, Annie
Dorsen: Magical
26, 27. IX: Alessandro
Sciarroni: Untitled_I Will Be
There When You Die
30. IX-1. X: Aerites Dance
Company: Planites
Š Les Subsistances
8-11. IX: Daniel Jeanneteau:
Faits
19-22. IX: Tânia Carvalho/
Bomba Suicida: Weaving
Chaos
Š Le Radiant
21. IX: Rocio Molina: Impulso
Š Opéra – L’Amphi
1 9 , 2 0 . I X: N o é S o u l i e r :
Mouvement sur Mouvement
Š L’Amphithéâtre de la Cité
Internationale
20, 21. IX: Cie Käfig: Récital
à 40 – c. M. Merzouki
Š Théâtre de Vénisseux
25, 27. IX: XL Production/María
Clara Villa Lobos: Têtes à
Têtes
30. IX: Cie Dernière Minute/
Pierre Rigal: Bataille
Š Théâtre de l’Atrium
16. IX: Claudio Stellato: L’autre
Š Ouils – Théâtre de la
Renaissance
21-23. IX: Arushi Mudgal,
Roland Auzet: Sarna
30. IX: CCN de Tour: Tel Quel!
– c. T. Lebrun
Š Célestins
12, 13, 14, 16, 17, 18. IX: Cie
XY: Il n’est pas encore minuit
21. IX: Troubleyn/Jan Fabre:
C’est du théâtre comme c’était
à espérer et à prévoir
Š Bourse du Travail
27, 28. IX: African Delight
Š Le Polaris – Corbas
Festival d’Automne: The Forsythe Company: “Study # 3”,
c. William Forsythe (ph. U. Favretto)
Mercedes Ruiz: “Baile de palabra” (ph. M. A. González)
Brumachon
19. IX: Cie Carte Blanche: Not
Here/Not Ever – c. S. Jijia
21. IX: Marie-Claude
Pietragalla, Julien Derouault:
M & Mme Rêves
Š Casino
14. IX: Ambra Senatore: Passo
15. IX: Mercedes Ruiz: Baile
de palabra
16. IX: Cie Dernière Minute/
Pierre Rigal: Standards
18. IX: Cie Mad/Sylvain Groud:
Bataille Intime – L’Oubli
19. IX: Ando Danse Cie:
L’Oiseau de feu – c. D. Brun
20. IX: Cie Maryse Delente:
Emzara
Š Colisée
13. IX: “(Re)connaissance”:
Cie Tabea Martin; Cie Betula
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tore: création
Š Villefontaine – Théâtre du
Vellein
27, 28. IX: Dada Masilo/The
Dance Factory: Carmen
Š Ensatt – Studio Lerrant
17, 18. IX: Loïc Touzé / Latifa
Laâbissi: Love
Š Ensatt – Théâtre Terzieff
17, 18. IX: Aloun Marchal,
Roger Sala Reyner & Simon
Tanguy: Gerro, Minos and Him
Š Rillieux-la-Papa/CCN
18-20. IX: Cie Yuval Pick: Ply
Š Bron – Espace Albert Camus
30. IX, 1. X: XL Production/
María Clara Villa Lobos: Têtes
à Têtes
26-27. IX: Rodrigue Ousmane/
Nag Doro: Leda
Sablé-sur-Sarthe
Š L’entracte
29. VIII: Cie Beau-Champs:
Figures non obligées – c. B.
Benne
Strasbourg
Š Pôle Sud
26. IX: Travaux Publics: La
pièce en construction
Víctor Ullate Ballet: “Samsara”, c. Víctor Ullate (ph. J. Villanueva)
16. IX: Claudio Stellato: L’autre
Š Albertville – Le Dôme Théâtre
24. IX: Rocío Molina, Rosario: Afectos
Š Villeurbanne – Grand Théâtre
10-22. IX: Cie du Hanneton:
Tabac Rouge – c. J. Thierrée
Š Villeurbanne – TNP Petit
Théâtre
17-19. IX: Nacera Belaza: La
Traversée
24-25. IX: Cie Maugy Marin:
création
Š Vaulx-en-Vein – Centre
Culturel Charlie Chaplin
24. IX: Robyn Orlin, James
Carlès: Coupé-décalé
Š Décines – Toboggan
12-17. IX: CCN La Rochelle/
Cie Accrorap: Opus 14 – c. K.
Attou
19, 20. IX: Maud La Pladec/
Léda: Democracy; François
Chaiganud: Dumy Moyi
27, 28. IX: Cie Ambra Sena-
Vichy
Š Opéra de Vichy
13. VIII: Ballet Víctor Ullate:
Samsara
20. VIII: Ballet Víctor Ullate: El
amor brujo
Romaeuropa Festival: Dada Masilo: “Carmen” (ph. J. Hogg)
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Xander Parish – Mariinsky Ballet: “Apollo”, c. George Balanchine (ph. V. Baranovsky)
GREAT BRITAIN
Edinburgh
Š The Edinburgh Playhouse
10-12. VIII: Inala – c. M.
Baldwin
16-17. VIII: Cie Mau: I am – c.
L. Ponifasio
23-25. VIII: Tanztheater
Wuppertal: Sweet Mambo –
c. P. Bausch
Š King’s Theatre
19-21. VIII: Akram Khan
Company: Gnosis
Glasgow
Š Theatre Royal
25-27. IX: The Cruciable – c.
H. Pickett; Ten Poems – c. C.
Š Linbury Studio Theatre
16-20, 23-27. IX: BalletBoyz
theTalent
Š Sadler’s Wells Theatre
12-13. IX: Elixir Festival: Ana
Laguna, Mats Ek, Company
of Elders...
17.20. IX: Ladysmith Black
Mambazo: Inala – c. M. Baldwin
24-27. IX: Royal Swedish
Ballet: Romeo and Juliet – c.
M. Ek
Bruce – Scottish Ballet
London
Š Royal Opera House
1, 2, 4, 5, 6, 7, 13, 14. VIII:
Mariinsky Ballet: Le Lac des
cygnes – c. M. Petipa, L. Ivanov
(K. Sergeyev)
8, 9. VIII: Mariinsky Ballet:
Apollo; A Midsummer Night’s
Dream – c. G. Balanchine
11, 12. VIII: Mariinsky Ballet:
The Firebird – c. M. Fokine;
Marguerite and Armand – c.
F. Ashton; Concerto DSCH –
c. A. Ratmansky
15, 16. VIII: Mariinsky Ballet:
Cinderella – c. A. Ratmansky
26, 27, 30. IX, 1, 4, 5, 7, 11, 8,
9, 10, 13, 15, 16, 25, 29. X:
Manon – c. K. MacMillan – The
Royal Ballet
ITALIA
Bassano del Grappa
Š Teatro Remondini
24. VIII: Liquid Loft: Deep Dish
– c. C. Haring
Š Cittadella/Palazzo Pretorio
20. VIII: Marco D’Agostin: Last
12
Day of M.
Marina di Pietrasanta
Š Teatro La Versiliana (Festival
La Versiliana)
12. VIII: Ailey II
16. VIII: Men in Motion
20. VIII: Les Ballets Trockadero
de Montecarlo
Milano
Š Teatro alla Scala
17, 18, 19, 20, 22, 23, 24, 25,
26, 27. IX: Don Chisciotte – c.
R. Nureyev – Balletto del Teatro alla Scala
MilanoOltre
Š Teatro dell’Elfo (sala
Shakespeare)
27, 28. IX: Aakash Odedra:
Rising– c. A. Odedra; Cut – c.
R. Maliphant; In the Shadow
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Elizabeth Washington, Fana
Tesfagiorgi, Solomon Dumas –
Ailey II: “Revelations”,
c. Alvin Ailey (ph. E. Patino)
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cartellone
Egarese, E. Salvestrini
Š Auditorium Melotti
31. VIII: L.E.V.: House – c. S.
Eyal, G. Behar
2. IX: Via Kathlehong Dance:
Via Sophiatown
4. IX: Balletto Civile: In-erme
– c. M. Lucenti
6. IX: Co. Virgilio Sieni: Esercizi di primavera
8. IX: Candoco Dance
Company: Triple Bill
Trento
Š Teatro Sociale
1. IX: Co. Baninga: Au-delà –
c. D. Bidiefono
3. IX: Emanuel Gat Dance:
Plage romantique
5. IX: Co. Ultima Vez: What The
Body Does Not Remember –
c. W. Vandekeybus
7. IX: Vertigo Dance Company:
Vertigo 20 – c. N. Wertheim
Oriente Occidente: Cie Ultima Vez: “What the Body Does Not Remember”, c. Wim Vandekeybus
(ph. D. Willems)
of a Man – c. A. Khan;
Constellation – c. S. L.
Cherkaoui
30. IX: Balletto di Roma: We/
Part – c. P. Mangiola
Š Teatro dell’Elfo (sala
Fassbinder)
27. IX: AIEP/Ariella Vidach:
VOCset
5. IX: Co. Virgilio Sieni: Annuncio dell’Angelo; Ultima cena
Š Teatro alla Cartiera
31. VIII: Concorso Coreografico Danz’è
7. IX: KinesiS Danza:
CorpoREAmente – c. A.
Š Piazza Rosmini
30. VIII: Cie Retouramont: Vide
accordé
Š Campana dei Caduti
31. VIII: Cie Sharon Fridman:
Rizoma
Š Mart
Torino
Festival TorinoDanza
Š Limone Fonderie Teatrali –
Moncalieri
9. IX: Les Ballets C. de la B.:
Tauerbach – c. A. Platel
17-20. IX: Bartabas, Andrés
Martín: Golgota
Š Teatro Teatro Carignano
13. IX: Carolyn Carlson, Eva
Yerbabuena: Incontri; Eva
Yerbabuena: Ay!
22, 23. IX: Circa Ensemble
27, 28. IX: Kibbutz
Contemporary
Dance
Mariko Kida, Anthony Lomuljo – Swedish Royal Ballet: “Romeo and Juliet”, c. Mats Ek (ph. G. Weigel)
Positano
Š Spiaggia Grande
6. IX: Positano Premia la Danza
Roma
Š Teatro dell’Opera
25, 26, 27, 28, 30. IX, 1, 2, 3,
4, 5. X: Cenerentola – c. D.
Deane – Balletto dell’Opera
di Roma
Romaeuropa Festival
Š Auditorium Conciliazione
24-26. IX: Akram Khan, Israel
Galván: Torobaka
Š Teatro Argentina
30. IX-1. X: Hofesh Shechter
Company: Sun
Rovereto
Oriente Occidente
Š Piazza delle Erbe
30, 31. VIII, 2, 3, 4, 6. IX: Protein:
(In)visible Dancing – c. L.
Silvestrini
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Company:
Anna Tsygankova,
Aide Memoire
Matthew
– c.
R. Be’er
Golding –
30.
Het IX:
Nationale
Cie Maguy
Ballet:Marin:
“Variations
creazione
for Two Couples”,
c. Hans van Manen (ph. M.
Haegeman)
Verona
Š Teatro Romano
13, 15. VIII: Medea – c. R.
Zanella – Balletto dell’Arena
di Verona
NEDERLAND
Amsterdam
Š Het Muziektheater
14, 17, 19, 20, 27, 28. IX: Le
Lac des cygnes – c. R. van
Dantzig, T. van Schayk – Het
Nationale Ballet
NORWEGIA
Oslo
Š Opera
9, 12. IX: Bella Figura; Gods
and Dogs; Symphonie of
Psalms – c. J. Kylián –
Norwegian National Ballet
POLAND
Warsaw
Š Teatr Wielki
20, 21, 24, 25. IX: Romeo and
Juliet – c. E. Wesolowsky –
Polish National Ballet
RUSSIA
St. Petersburg
Š Mariinsky Teatr
13, 14, 16. VIII: The Fountain
of Bakhchisarai – c. R.
Zakharov – Mariinsky Ballet
21, 22. VIII: Carmen suite – c.
A. Alonso; Le Jeune Homme
et la Mort – c. R. Petit – Mariinsky
Ballet
30. IX: La Sylphide – c. A.
Bournonville – Mariinsky Ballet
Š Mikhailovsky Theatre
17, 18, 19, 20, 23, 24, 25, 26,
27, 28. VIII, 10, 11, 12. IX: Le
Lac des cygnes – c. M. Petipa,
L. Ivanov (A. Gorsky, A.
Messerer) – Mikhailovsky
Ballet
22, 23. IX: Don Quichotte – c.
M. Petipa, A. Gorsky –
Mikhailovsky Ballet
17-20. IX: La Bella au bois
dormant – c. N. Duato –
Mikhailovsky Ballet
Svetlana Zakharova, David Hallberg – Bolshoi Ballet: “Le Lac des cygnes” (ph. S. Berger)
– c. P. Gusev; Class Concert
– c. M. Messerer; White
Darkness – c. N. Duato –
Mikhailovsky Ballet
13, 14. IX: Giselle – c. J. Coralli, J. Perrot, M. Petipa –
Mikhailovsky Ballet
25. IX: Flammes de Paris – c.
V. Vainonen, M. Messerer –
Mikhailovsky Ballet
8, 9. IX: La Halte de Cavalerie
Moscow
Š Bolshoi Teatr (new)
16
25-27. IX: Flammes de Paris
– c. A. Ratmansky (V.
Vainonen) – Bolshoi Ballet
Š Bolshoi Teatr (old)
19, 20, 21. IX: Le Lac des
cygnes – c. Y. Grigorovich) –
Bolshoi Ballet
17
Mikhailovsky Ballet: “The Sleeping
Beauty”, c. Nacho Duato
(ph. N. Krusser)
18
BREVI ••NEWS
• BREVI
• NEWS
• BREVI
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• BREVI
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BREVI • ECHOS
NEWS • •BREVI
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ECHOS
ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• BREVI
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
• ECHOS
ECHOS
• ECHOS
La Scala attende la Bella di
Ratmansky
Gli appuntamenti con il balletto al Teatro alla
Scala proseguono tra settembre e ottobre con
Don Chisciotte nella versione di Rudolf Nureyev
(che nel frattempo la compagnia ha portato in
tournée in Kazakistan) e L’Histoire de Manon
di Kenneth MacMillan. Sono tuttavia da segnalare alcuni cambiamenti nei casts, dato che
Svetlana Zakharova non potrà prendere parte
ai due balletti, diversamente da quanto annunciato in precedenza. In Don Q danzeranno
Natalia Osipova con Leonid Sarafanov e Tamara
Rojo con Ivan Vassiliev, mentre nel balletto di
MacMillan si alterneranno le coppie Alina
Somova e Roberto Bolle, Marianela Núñez e
Massimo Murru, Natalia Osipova e Ivan
Vassiliev. Nel frattempo è stata presentata la
stagione 2014/215, che per il balletto si apre in
dicembre con una novità, uno Schiaccianoci del
coreografo spagnolo Nacho Duato. Seguirà in
marzo 2015 Cello Suites – In den Winden im
Nichts di Heinz Spoerli (musica di Bach). Dopo
le riprese di Giselle (aprile) e Excelsior di Ugo
Dall’Ara (luglio), nel settembre e ottobre del 2015
Alexei Ratmansky presenterà la sua versione
della Bella addormentata di Marius Petipa (in
comproduzione con l’American Ballet Theatre,
di cui Ratmansky è coreografo stabile).
Romaeuropa, la creazione e la
memoria
La 29esima edizione del Romaeuropa Festival
si tiene dal 24 settembre al 30 novembre con
una ricca programmazione (52 appuntamenti e
artisti provenienti da 19 paesi) di teatro, danza
e musica (con le installazioni sonore di Digital
Life – Play) in 15 spazi associati al festival,
Natalia Osipova, Leonid Sarafanov – Balletto del Teatro alla Scala: “Don Chisciotte”
(ph. M. Brescia)
facendo per due mesi di Roma una sorta di vetrina dell’arte contemporanea. La danza apre il
festival con la curiosa fusione di kathak (danza
della tradizione indiana) e flamenco nel lavoro
co-firmato e interpretato da Akram Khan e dal
EDITORIALE
Alfio Agostini
Scrivevo in quest’angolo qualche mese fa che, dopo essermi unito par quasi quarant’anni al
coro benpensante e lamentoso di coloro i quali, come in una tragedia annunciata, paventavano
o maledicevano la chiusura delle compagnie di ballo degli allora Enti lirici, ora comincio ad
avere qualche dubbio. Solo dubbi, intendiamoci; non me la sento di affermare con certezza
che bisogna sopprimere anche il poco che sopravvive del balletto in Italia. Fin che c’è vita
c’è speranza, si suol dire, e bisogna sforzarsi di credere che, almeno nei maggiori teatri dove
ci sono strutture e un minimo di risorse, quel paio di centinaia di danzatori che vi lavorano
in tutta Italia, oggi perlopiù scalcagnati e ottusamente corporativi, potrebbero essere redenti un giorno e formare la base di vere compagnie, che sennò nessuno vorrà mai far partire
dal nulla. E così via sperando.
Intanto – e non vorrei esser stato di malaugurio – la situazione a Firenze è precipitata ma la
compagnia ex MaggioDanza è stata (apparentemente, temo) salvata in extremis affidandola
a una società privata di gestione (Mag.Da. Srl) che dovrebbe garantirne la sopravvivenza
economica, ferma restando la sua dipendenza artistica dall’Opera di Firenze, che ha saggiamente richiamato Davide Bombana, il quale aveva diretto la compagnia anni fa. Resta il
dubbio che sia una manovra per “lasciar chiudere” la compagnia, in seguito, alla società
fantoccio, senza che si possa accusare il teatro dell’assassinio coreografico.
Anche a Roma il problema è serio, ma non riguarda solo la compagnia di ballo bensì tutto il
teatro, minacciato di chiusura per mala gestione finanziaria. Mentre vanno in stampa queste pagine, non si sa ancora l’esito delle trattative. Ma se qualcosa si farà, sarà per l’orchestra e il coro; il ballo, continuerà a esser visto come un peso da ridurre o da eliminare.
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bailaor Israel Galván. In seguito, il coreografo
israeliano (residente a Brighton, in Inghilterra)
Hofesh Shechter presenta Sun, un lavoro sul
tema del potere, mentre arriva per la prima volta in Italia dal Québéc il coreografo e musicista
Frédérick Gravel con Usually Beauty Fails. Figura ormai di punta della danza contemporanea, Dada Masilo torna a Roma, dopo il suo
Swan Lake di successo, con una “rilettura” di
Carmen dove danza contemporanea occidentale, balletto e tradizione africana si fondono al
flamenco. Diversi poi i focus sulla danza emergente italiana e internazionale con la rassegna
DNA (che ospita tra gli altri, Jefta Van Dinther
dalla Svezia e Sharon Fridman dalla Spagna), i
DNAppunti coreografici e la vetrina Anticorpi
XL. Altro, invece, l’obiettivo di DNA_Memory
che si propone di riportare in vita alcuni vecchi
lavori di Raffella Giordano, Adriana Borriello e
Virgilio Sieni. Quest’ultimo presenterà inoltre
Dolce Vita, cinque quadri coreografici sul racconto evangelico della Passione di Cristo.
Oriente e Occidente fondono i
cannoni
Nel centenario della prima guerra mondiale, il
Festival Oriente Occidente di Rovereto declina
in modi diversi il tema del conflitto e del suo
opposto, la comunione e l’armonia. Questo
dunque il filo rosso che unisce gli spettacoli
delle 14 compagnie di quest’edizione, che si
BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS • BREVI • NEWS
bre lavoro di Petit sono annunciati Herman
Cornejo (dell’American Ballet Theatre) e Alessandra Ferri. In novembre, una novità: una serata in omaggio a Ennio Morricone firmata da
Matteo Levaggi (coreografia, scene, costumi e
video); e poi in dicembre, Firenze Danza presenta Les 4 Saisons... (sic), il balletto “meteorologico” creato da Angelin Preljocaj nel 2005
sulle Quattro Stagioni di Vivaldi.
I forse dell’Opera di Roma
Alessandra Amato – Balletto dell’Opera di Roma: “Giselle” (ph. L. Romano)
svolgerà tra il 30 agosto e l’8 settembre. Emanuel
Gat propone l’ultimo suo lavoro, Plage
romantique, ispirato a una canzone del francese Pascal Danel; Wim Vandekeybus ripropone
un suo vecchio lavoro degli anni Ottanta, What
the Body Does Not Remember, sul rapporto di
coppia, l’attrazione e la repulsione; Virgilio Sieni
riprende Esercizi di primavera, torsioni e
piegamenti accompagnati da una voce che narra
di popoli minacciati o sterminati... Da notare
anche Rizoma di Sharon Fridman che si svolgerà all’alba alla Campana dei Caduti (costruita
con il bronzo fuso dei cannoni delle nazioni che
parteciparono alla Grande Guerra). Una sorta
di “happening ecologico” a cui prenderanno
parte una settantina di volontari (selezionati
nei giorni che precedono il festival) “per ritrovare una nuova armonia con la natura”. Il resto
del programma nel nostro Cartellone.
MaggioDanza diventa Firenze
Danza
Come detto nei numeri scorsi di BALLET2000,
la gestione della compagnia MaggioDanza,
ribattezzata Firenze Danza by Mag.Da, è stata
affidata a una società privata (la Mag.Da Srl,
appunto). Il direttore artistico della compagnia
è Davide Bombana. Nel frattempo il Maggio
Fiorentino ha annunciato la stagione 2014/2015
che si terrà principalmente nella nuova Opera
di Firenze (e in altri teatri della città). Due programmi associano danza e opera: il primo in
ottobre con La Luce del tempo, un lavoro di
Francesco Nappa su musica di Haydn (presen-
tato con Cavalleria Rusticana di Mascagni) e il
secondo in marzo con Le Jeune Homme et la
Mort di Roland Petit (che farà serata con Dido
and Aeneas di Purcell). Da notare che nel cele-
Dopo la stagione estiva a Caracalla – se il teatro non sarà stato chiuso o liquidato – il Balletto dell’Opera di Roma ritornerà in scena in
settembre con Cenerentola del coreografo inglese Derek Deane. Il primo appuntamento
sarà poi in dicembre con il “vecchio” e sempre
applaudito Schiaccianoci di Amodeo Amodio
con scene e costumi di Emanuele Luzzati (ripreso lo scorso anno anche al Teatro Massimo
di Palermo). In febbraio una serata accosterà
Le Chant du rossignol di Lorca Massine (figlio di Léonide) sulla musica di Stravinsky (si
tratta di un titolo dei Ballets Russes) ai
Carmina Burana di Micha van Hoecke. In
aprile sarà la volta di un programma composto
da The River di Alvin Ailey (1970, su musica
di Duke Ellington, in cui il corso del fiume del
titolo diviene una metafora della vita di coppia), The Moor’s Pavane di José Limón (1949,
quartetto ispirato al tema della gelosia di
Otello) e Artifact II di William Forsythe, la
seconda parte di Artifact sulla Ciaccona di
Bach. Più oltre nella stagione anche Giselle
(versione Patrice Bart) e Coppélia di Roland
Leone d’oro a Paxton
La Biennale di Venezia ha accolto in giugno Steve Paxton a cui ha consegnato, per mano
del direttore della sezione danza Virgilio Sieni, il Leone d’Oro, come riconoscimento alla
carriera. Il coreografo, figura ormai storica del post-modern americano, ha oggi 75 anni. È
stato uno dei fondatori del Judson Dance Theater e del Grand Union, i due centri di
irradiazione del post-modern, ed è considerato il padre della contact improvisation. Questa la singolare motivazione letta durante la cerimonia: “Per aver aperto il luogo della
danza allo studio capillare del movimento come fonte continua di origini proiettando la
ricerca sulla gravità al sistema delle articolazioni e intuendo, prima di tutti, una danza tra
ascolto e trasfigurazione delle tecniche. Emerge una percezione dell’essere umano che
eleva la danza a valore fondante della
cultura e dei sistemi di relazione. La
continua frequentazione del gesto, ci
ha indicato come l’uomo possa ampliare la sua visione sul mondo congiungendo la memoria alla consapevolezza di appartenere a un corpo e
aprendo ‘silenziosamente’ strade
innovative ad una ricerca sconfinata
in tutte le arti”. Un altro premio, il
Leone d’Argento è andato a Michele Di Stefano del gruppo MK.
Steve Paxton e
Virgilio Sieni
(ph. A. Avezzù)
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ultimi anni un apprezzamento crescente e una
sempre maggiore “contaminazione”, con gli
spettacoli teatrali. Il tema del festival quest’anno sono “le geografie immateriali”, cioè la relazione tra il territorio e l’identità. Nove compagnie di Italia, Spagna, Israele e Corea del
Sud invadono le strade e le architetture di Bologna, spesso con creazioni site specific (create appositamente per un determinato luogo).
Millepied arriva a Parigi
Sergei Polunin, Igor Zelensky
Pace Schaufuss-Polunin
Nel 2013, Peter Schaufuss aveva fatto causa
a Serghei Polunin e a Igor Zelensky; i due
danzatori infatti avevano abbandonato le
prove di Midnight Express, un balletto di
Schaufuss, a pochi giorni dal debutto
londinese, nell’aprile del 2013. Specie nel
caso di Polunin – che ritornava a Londra
dopo le clamorose e inattese dimissioni dal
Royal Ballet l’anno precedente – si trattava di un forte richiamo pubblicitario per
la produzione. La sua assenza e quella di
Zelensky comportarono, a detta di
Schaufuss, una grossa perdita economica.
Schaufuss ha tuttavia ritirato ora l’azione
legale; le parti hanno infatti trovato un accordo. Quale, poco importa.
Petit. Nei vari programmi il Teatro dell’Opera
annuncia per ora diversi ospiti internazionali
ma è meglio verificare di volta in volta in prossimità dello spettacolo, perché le modifiche ai
casts sono costanti.
Positano premia
Comincia in settembre la prima stagione del
Balletto dell’Opéra di Parigi sotto la direzione
di Benjamin Millepied (anche se la programmazione ovviamente è stata messa a punto
dalla direttrice uscente Brigitte Lefèvre). Anzitutto le creazioni. John Neumeier firma un
nuovo lavoro su Das Lied von der Erde (Il
canto della terra) di Gustav Mahler che sarà
presentato tra febbraio e marzo 2015. Sempre
in febbraio, farà la sua comparsa all’Opéra
Pierre Rigal, artista singolare delle arti sceniche, noto come “performer” e per i lavori creati per la sua compagnia Dernière Minute, sconfinanti nell’hip hop e nel circo; qui propone
una creazione sul ciclo della vita e la ripetizione, che sarà data insieme con le riprese di
AndréAuria di Édouard Lock e Répliques di
Nicolas Paul (danzatore della compagnia). La
stagione si aprirà in settembre con il
Tanztheater Wuppertal in uno Stück non troppo noto di Pina Bausch, Two Cigarettes in the
Dark, mentre un’altra compagnia ospite è in
cartellone, come da tradizione, all’inizio del
nuovo anno, il Balletto Reale Svedese con il
più recente lavoro di Mats Ek, Romeo e
Giulietta. Il primo programma con il Balletto
dell’Opéra sarà presentato alla fine di settembre, con la ripresa di Études di Harald Lander
Nicolas Le Riche: addio all’Opéra
(ph. S. Mathé)
e due lavori che William Forsythe creò per la
compagnia parigina nel 1999, ancora nel suo
periodo, per così dire, “ballettistico”:
Woundwork 1 e Pas./Parts. Le altre riprese:
Tanztheater Wuppertal: “Two Cigarettes in the Dark”, c. Pina Bausch (ph. D. Morgan)
Al momento in cui vanno in stampa queste
pagine, non è ancora annunciata la prossima
edizione del Premio Positano (“Positano Premia la Danza”) che dovrebbe aver luogo il 6
settembre. Ideata oltre quarant’anni fa da
Renata Ambrosoli, poi curata a lungo da Alberto Testa, la manifestazione è stata affidata
qualche anno fa alla direzione di Daniele
Cipriani. Una giurìa di critici di danza, presieduta quest’anno da Roger Salas, individua gli
artisti di spicco della stagione scorsa sulla scena internazionale, e li invita nella famosa e bella
cittadina di Positano (sulla costa amalfitana)
ad esibirsi e a ricevere appunto il Premio. Uno
speciale “Premio alla carriera” è attribuito inoltre ogni anno a una personalità che ha compiuto un percorso straordinario nel mondo della
danza.
Bologna urbana
Dal 5 all’11 settembre si tiene a Bologna la
diciottesima edizione del festival Danza Urbana, un genere che ha conosciuto in questi
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Duato a Berlino
Come già più volte annunciato Vladimir
Malakhov lascia la direzione del Balletto
dell’Opera di Berlino. Dopo le vacanze
estive subentra il coreografo spagnolo
Nacho Duato. La nuova stagione non presenta grandi novità, tranne alcuni balletti
di Duato stesso, come la sua Bella addormentata creata per il Balletto del Teatro
Mikhailovsky di San Pietroburgo nel 2011,
o White Darkness, presentato insieme a
Click – Pause – Silence di Jirí Kylián. Unica
creazione, quella del coreografo italiano
Giorgio Madia, Hänsel und Gretel.
Lo Schiaccianoci di Rudolf Nureyev e La
Source di Jean Guillaume Bart (novembre/dicembre), Il lago dei cigni (marzo/aprile),
L’Histoire de Manon di Kenneth MacMillan
(aprile/maggio), Paquita di Pierre Lacotte (maggio), e, l’estate prossima, Les Enfants du
Paradis di José Martínez, La Fille mal gardée
di Frederick Ashton e Anatomie de la sensation
di Wayne McGregor. Nel frattempo, con la fine
dell’ultima stagione, il danseur-étoile Nicolas
Le Riche ha dato l’addio all’Opéra
(BALLET2000 ne parlerà prossimamente).
Forsythe d’Autunno
La sezione danza del Festival d’Automne a
Parigi e nella regione dell’Île de France (dal 4
settembre al 31 dicembre) dedica uno dei suoi
ritratti d’artista a William Forsythe. Per mostrare le diverse sfaccettature di questo grande
innovatore dello spettacolo coreografico della
nostra epoca, il festival parigino accoglie, oltre
alla Forsythe Company stessa, il Balletto dell’Opera di Lione e quello della Semperoper di
Dresda (due delle compagnie che danzano i
lavori dell’epoca d’oro di Forsythe), nonché
tre dei suoi danzatori-creatori che sono stati
ispirati da lui, ossia Jone San Martin, Fabrice
Mazliah e Ioannis Mandafounis. La lista dei
titoli è lunga: Limb’s Theorem,
Workwithinwork, Steptext, One Flat Thing,
Reproduced danzati dalla compagnia lionese,
mentre i Tedeschi si produrranno, tra l’altro,
nel mitico In the Middle, Somewhat Elevated e
Neue Suite, una serata composta da duetti tratti
da vari lavori. Quanto alla compagnia di
Forsythe (che ha appena passato la direzione
artistica a Jacopo Godani, pur restandone coreografo residente e consulente artistico), propone uno degli ultimi lavori del suo demiurgo.
Study#3 s’ispira vagamente a Madama
Butterfly di Puccini e riflette sugli elementi
vocali e gestuali che hanno caratterizzato l’opera di Forsythe in questi trent’anni.
Festival d’Automne: Ballet de l’Opéra de Lyon: “Limb’s Theorem”, c. William Forsythe
(ph. M. Cavalca)
Akram Khan, Israel Galván: “Torobaka”
(ph. J.-L. Fernández)
Tempo d’amare, a Biarritz
Il festival Le Temps d’Aimer la Danse ritorna
nella celebre località balneare francese di Biarritz
(sull’Atlantico), dal 12 al 21 settembre, con un
programma eclettico. Il Balletto Reale delle
Fiandre inaugura il festival con Il ritorno di Ulisse,
un balletto del coreografo tedesco Christian
Spuck; Claude Brumachon presenta una creazione che è una diretta conseguenza delle sue
Indicibles Violences (di cui BALLET2000 ha
parlato recentemente), sempre centrata sugli istinti e la brutalità dell’essere umano; si passa poi
dall’hip hop della compagnia Dernière Minute
di Pierre Rigal al flamenco di Mercedes Ruiz,
dalla danza digitale, con lo spettacolo Mme et M.
Rêve di Marie Claude Pietragalla e Julien
Derouault, a Jean Guizerix, ex étoile dell’Opéra
di Parigi che ha oggi 69 anni, impegnato in un
lavoro del coreografo e regista Michel Schweizer.
Ci sono poi molte attività collaterali, tra le quali
l’immancabile Gigabarre, la grande sbarra in riva
all’Atlantico a cui può partecipare chiunque.
Omaggio a Lifar
Serge Lifar è rimasto nella leggenda per le sue
qualità di danzatore: un fisico statuario, presto
messo in evidenza da George Balanchine nel
suo Apollon Musagète, la morbidezza del movimento e la presenza scenica stupefacente; e
forse anche per via di molti aneddoti su una
personalità egocentrica ed eccentrica. Ma Lifar
fu anche un coreografo prolifico (creò più di
200 lavori) e un innovatore dell’ambito della
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Un Inglese a Parigi
Chistopher Wheeldon si dà al musical. Dal
novembre prossimo al gennaio 2015 il Théâtre
du Châtelet di Parigi presenta una nuova produzione di An American in Paris di George
Gershwin di cui Wheeldon firma regia e coreografia. Nel 2005 il coreografo inglese aveva
creato un balletto intitolato An American in
Paris per il New York City Ballet usando il
poema sinfonico omonimo di Gershwin del
1928 (all’origine poi del musical film del 1951
diretto da Vincente Minelli con Gene Kelly e
Leslie Caron). Per il musical a Parigi la direzione musicale è di Bob Fisher e scene e costumi di Bob Crowley (abituale collaboratore di Wheeldon al Royal Ballet); Robert
Fairchild, danzatore del New York City Ballet,
è annunciato nel ruolo di Jerry Mulligan, il
pittore sciupafemmine americano di
Montmartre.
Gomes in versione cigno
Marcelo Gomes debutta in Swan Lake di
Matthew Bourne. La compagnia del coreografo inglese, la New Adventure, sarà
in tournée in Asia (Tokyo, Shanghai e
Singapore) in settembre e ottobre con questo grande successo di Bourne, il suo Lago
dei cigni al maschile. Solo per gli spettacoli a Tokyo è prevista la presenza della
stella dell’American Ballet Theatre,
Marcelo Gomes, nel doppio ruolo del Cigno bianco e nero, irresistibile oggetto
d’amore per un principe triste e solitario
(che è chiaramente l’irriverente parodia di
Carlo d’Inghilterra).
Khan a braccetto con Galván
danza classica; cionondimeno il Balletto
dell’Opéra di Parigi, che diresse a lungo e per il
quale creò la maggior parte delle sue coreografie, ha conservato e ripreso negli anni solo qualche titolo. Una trascuratezza sulla quale occorrerà un giorno riflettere. Nel frattempo, a rendere omaggio a questa straordinaria personalità
del balletto in Francia è la compagnia dell’Opera di Bordeaux il prossimo ottobre. In programma due suoi balletti: Icare (un lavoro “sperimentale”, poiché la musica di Arthur Honegger
fu creata a partire dalla coreografia già montata)
e la celebre Suite en blanc. La serata sarà completata dall’Après-midi d’un Faune che Lifar
creò per se stesso ispirandosi a quello di Vaslav
Nijinsky: quello del Fauno fu infatti un ruolo
elettivo di Lifar (che possiamo vedere ancor
oggi in un filmato girato all’aria aperta).
Torobaka è il titolo di un nuovo lavoro nato
dall’inedita collaborazione tra Akram Khan e
Israel Galván. Il primo è noto per le sue creazioni “meticciate”, in cui rivisita la danza
Kathak della tradizione indiana, il secondo
per il suo approccio anticonvenzionale ai codici del flamenco. Per altro vi sono studiosi
che ipotizzano antiche connessioni tra le percussioni al suolo a piedi nudi del Kathak e lo
zapateado del flamenco. Lo spettacolo prende ispirazione da una “poesia” (o meglio: una
successione di fonemi in libertà) del dadaista
Tristan Tzara, Toto-Vaca. Ecco che qui diventa Torobaka (cioè il toro, per la Spagna
del flamenco, e la mucca, per l’India del
Kathak). Il lavoro ha debuttato a Grenoble
(Francia) quest’estate e sarà quindi in tournée
tutto l’anno in vari teatri e festival importanti per la danza, tra cui il Romaeuropa Festival
(settembre), il Sadler’s Wells Theatre di Londra (novembre) e il Théâtre de la Ville di Parigi (dicembre).
Matvienko è Gatsby
Il danzatore russo Denis
Matvienko sarà protagonista di
un nuovo “spettacolo coreografico” ispirato a The Great
Gatsby, il romanzo dello scrittore statunitense Francis Scott
Fitzgerald ambientato nei ruggenti anni Venti delle “flappers” e
del jazz, e reso popolare anche
dalle trasposizioni cinematografiche (tra cui una recente con Leonardo DiCaprio). La coreografia è affidata a Dwight Rhoden
(che dirige con Desmond Richardson il Complexion Contemporary Ballet), su una musica
originale di Konstantin Meladze, compositore pop-rock molto noto in Georgia (il suo Paese) e in Russia. Lo spettacolo debutterà il prossimo ottobre a San Pietroburgo, Mosca e
Kiev, ma è prevista poi una tournée in varie città del mondo (non ancora annunciate). Per
pubblicizzare l’evento è stato creato anche un sito web: gatsbyballet.com.
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Stagione Reale
La nuova stagione del Royal Ballet di Londra
comincia alla fine di settembre con la ripresa di
Manon di Kenneth MacMillan. Uno dei programmi più interessanti sarà in ottobre con quattro lavori di Frederick Ashton, il maggior coreografo inglese: Scènes de ballet (1948, un omaggio di Ashton a Petipa), Five Brahams Waltz in
the Manner of Isadora Duncan (1976, appunto ispirato a questa figura leggendaria della danza libera), Symphonic Variations (1946, considerato uno dei suoi capolavori di purezza formale) e A Month in the Country (1976, tratto
dal dramma di Ivan Turghenev). Tra le riprese
più attese, uno dei grandi successi di
Christopher Wheeldon, Alice’s Adventures in
Wonderland, che sarà dato durante il periodo
natalizio come balletto per la famiglia; e poi le
creazioni di Liam Scarlett, il più giovane dei
coreografi residenti della compagnia, di Hofesh
Shechter, nome di punta del contemporaneo britannico che crea per la prima volta per una compagnia di balletto, e, infine, di Wayne McGregor,
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Acosta, un mezzo addio
Carlos Acosta ha annunciato il suo addio al balletto, alla fine della stagione 2015/2016 del
Royal Ballet di Londra, di cui è “principal
guest”. Oggi quarantenne, è stato certamente
uno degli artisti della danza più acclamati della
sua generazione, prototipo del danzatore virile
e tecnicamente vigoroso di scuola cubana.
Acosta ha affermato di voler comunque continuare a calcare le scene in creazioni contemporanee, magari cucite su misura per lui. Dopo la
sua versione di Don Chisciotte di Marius Petipa/
Alexander Gorsky (che il Royal Ballet riprende
anche in questa prossima stagione), il danzatore
cubano creerà anche una sua Carmen, che sarà
data al Covent Garden nel settembre del 2015,
nella quale si alternerà nei ruoli di Don José e
del toreador Escamillo.
Concorso Genée ad Anversa
The Genée International Ballet Competition è
un concorso di allievi organizzato dalla Royal
Academy of Dance (RAD) di Londra, che prende il nome dalla danzatrice Adeline Genée che
lo fondò nel 1931. Il concorso, aperto ad allievi
di danza fino ai 18 anni che studino con un
maestro riconosciuto dalla RAD, può svolgersi
a Londra ma anche in altre città del mondo. La
prossima edizione si terrà infatti ad Anversa
(Belgio) dal 18 al 27 settembre in partenariato
con il Balletto Reale delle Fiandre, dopo una
serie di preselezioni che si sono svolte in vari
paesi. La giuria sarà composta da Monica
Mason (ex direttrice del Royal Ballet di Londra), Assis Carreiro (che dirige il Balletto Reale
delle Fiandre) e Petter Jacobsson (direttore del
Ballet de Lorraine).
La nuova Leggenda di
Grigorovich
Federico Bonelli – The Royal Ballet: “Smphonic Variations”, c. Frederick Ashton
(ph. D. Conway)
che stavolta firmerà un lavoro a serata intera.
Accanto alla stagione principale c’è anche quella nel piccolo Linbury Studio Theatre del Covent
Garden, che è stato in questi ultimi anni anche il
“laboratorio di creazione”, per così dire, di giovani aspiranti coreografi: quest’anno uno dei
danzatori del Royal Ballet, Ludovic Ondiviela,
crea un lavoro ispirato alla figura di Cassandra.
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Il Balletto del Teatro Bolshoi di Mosca ha presentato in luglio una creazione del coreografo
francese Jean-Christophe Maillot (direttore dei
Ballets de Monte-Carlo), ispirata alla Bisbetica
domata di William Shakespeare, usando musiche di Dmitri Shostakovich. Il lavoro sarà
riproposto in ottobre. Nella seconda metà di
luglio, la compagnia moscovita era a New York
dove ha presentato alcuni classici con in testa la
coppia Svetlana Zakharova e David Hallberg
(principal dell’American Ballet Theatre ma anche del Bolshoi). Nel frattempo sono state presentate le novità della prossima stagione. In
ottobre, Yuri Grigorovich (87 anni, ex direttore
del Balletto del Bolshoi) presenterà una nuova
produzione della sua Leggenda dell’amore (il
coreografo russo ha infatti rielaborato in questi
ultimi anni diversi suoi balletti o sue versioni di
classici). La Leggenda dell’amore, del 1961, fu
il secondo grande successo di Grigorovich, dopo
il Fiore di pietra, creati entrambi per l’allora
Balletto Kirov, prima del suo passaggio al
Bolshoi. La stagione moscovita prevede anche
due creazioni, rispettivamente di Radu
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Inglesi anti-Putin
La tournée del Royal Ballet di Londra al
Teatro Bolshoi di Mosca in giugno è stata condita da una piccola polemica. Due
danzatori della compagnia inglese (un uomo
e una donna, rimasti tuttavia anonimi), si
sarebbero rifiutati di prendere parte agli
spettacoli a Mosca per protesta contro le
leggi omofobe russe volute dal presidente
della Federazione Vladimir Putin. Dopo
più di 10 anni infatti il Royal Ballet è tornato a Mosca dove ha danzato in Manon
di Kenneth MacMillan e in un programma composto da Rhapsody di Frederick
Ashton, Tetractys – The Art of Fugue di
Wayne McGregor e DGV, danse à grande vitesse di Christopher Wheeldon.
Poklitaru, già coreografo residente dell’Opera
di Moldavia e direttore del Kiev Modern Ballet,
e di Yuri Possokhov, coreografo stabile del San
Francisco Ballet.
Lunkina e McKie alla canadese
Svetlana Lunkina è stata nominata principal
dancer del National Ballet of Canada, con il
quale si è esibita come ospite in questi ultimi
due anni. Ex étoile del Teatro Bolshoi di Mosca
(dove era stata una delle protégées di Ekaterina
Maximova), la Lunkina ha lasciato la Russia nel
2013 dato che suo marito aveva subito della
minacce. I giornali russi diedero risalto al fatto
poiché si verificò in corrispondenza con l’attentato che ha reso semi-cieco Serghei Filin, il
direttore della compagnia moscovita; ma i due
eventi non avrebbero alcuna connessione. AnSvetlana Lunkina: “Giselle”
(ph. M. Logvinov)
Olga Smirnova, Semyon Chudin – Bolshoi Ballet: “The Taming of the Shrew”,
c. Jean-Christophe Maillot (ph. A. Blangero)
che Evan McKie passa alla compagnia canadese e lascia il Balletto di Stoccarda di cui è stato
danzatore principale, facendo così ritorno a casa
(McKie è infatti di Toronto).
Saarinen in creazione
In agosto, nell’ambito dello Helsinki Festival,
Tero Saarinen (50 anni), nome di punta del contemporaneo finlandese, presenta una creazione
con la sua compagnia. La musica è stata commissionata al connazionale Esa-Pekka Salonen,
direttore della Philarmonia Orchestra di Londra. La creazione si intitola Morphed e impiega
otto danzatori maschi. Sarà in tournée in Francia, Germania e Austria nella primavera 2015.
Mikhailovsky, “l’altro”
pietroburghese
Mikhail Messerer è ritornato alla guida del Balletto del Teatro Mikhailovsky di San
Pietroburgo, ora che Nacho Duato dirige il Balletto dell’Opera di Berlino (pur restando coreografo residente della compagnia russa). La stagione del Mikhailovsky si inaugura in settembre con tre settimane dedicate alla danza e al
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balletto, dato che la compagnia sarà poi assente
da Pietroburgo, impegnata in diverse tournées,
in particolare negli Stati Uniti e in Giappone.
Apre un programma composto da Halte de
Cavalerie, un balletto di Petipa che in Russia è
rimasto in repertorio in una versione di Piotr
Gusev, accanto a Class Concerto, un vecchio
balletto di Asaf Messerer che mette in scena la
classe di danza, e White Darkness di Nacho
Duato. Seguono Il lago dei cigni, Giselle, La
Bella addormentata, Don Chisciotte e Flammes
de Paris, in cui appariranno, tra gli altri, Natalia
Osipova, Polina Semionova, Ivan Vassiliev e
Leonid Sarafanov.
Da Bournoville a Peck, antico e
nuovo a NY
Come sempre, le creazioni al New York City
Ballet non mancano, in una stagione ricchissima con ben 56 titoli. La novità che salta più
all’occhio però è la nuova versione della Sylphide
di August Bournonville firmata dal direttore, il
danese Peter Martins (che si è del resto formato alla scuola del Balletto Reale Danese ed è poi
stato primo ballerino in quella compagnia, prima di entrare nel New York City Ballet); il bal-
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Tiler Peck, Amar Ramasar – New York City Ballet: “Everywhere We Go”, c. Justin Peck (ph. P. Kolnik)
letto sarà presentato nella primavera del 2015
e farà serata con altri brani di Bournonville (i
cosiddetti Bournonville Divertissements). Tuttavia, i primi appuntamenti saranno verso la
fine di settembre. Da notare, dopo il successo
di Everywhere We Go presentato in maggio,
una nuova creazione di Justin Peck (26 anni,
solista della compagnia newyorkese, considerato la rivelazione della coreografia americana), su musica di César Frank; ma non è l’unica creazione di Peck in programma, una seconda è attesa in febbraio sulla musica di Rodeo di
Aaron Copland – una scelta audace dato che
Rodeo di Agnes de Mille è considerato uno dei
classici del balletto moderno di tema americano. Anche Liam Scarlett (il giovane coreografo
del Royal Ballet) ritorna a creare quest’autun-
no per il NYCB, dopo Acheron presentato lo
scorso inverno. Una terza creazione in autunno è affidata a Alexei Ratmansky (è questo il
quarto lavoro che il coreografo russo firma per
la compagnia). La stagione d’autunno è anche
segnata dall’addio al NYCB di Wendy Whelan,
principal della compagnia.
I giovani di Jackson
L’USA International Ballet Competition, più
noto come “Concorso di Jackson”, è come altri del suo genere più che un semplice concorso per giovani danzatori: è soprattutto una
vetrina per farsi conoscere dagli “addetti ai
lavori” che compongono la giurìa o presenti in
sala; i partecipanti possono così, grazie ai pre-
26
mi in danaro (le borse di studio), perfezionarsi in scuole prestigiose del mondo ma anche avviare nuovi rapporti professionali, trovando spesso il primo contratto di lavoro.
L’ultima edizione di questo importante concorso americano si è tenuta in giugno appunto a Jackson, la città del Mississippi dove è
stato fondato nel 1975. La giuria del concorso era presieduta da Edward Villella, a suo
tempo principal dancer con il New York City
Ballet e poi direttore del Miami City Ballet.
I premi e le borse di studio assegnati sono
stati numerosi e diverse anche le opportunità
di lavoro che si sono concretizzate. Nell’elenco dei vincitori si nota soprattutto una massiccia presenza di asiatici (coreani in particolare) e sud-americani.
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John Taras (il coreografo russo-americano del
New York City Ballet, che sposò poi in seconde nozze). Danzò nei Ballets des ChampsÉlysées fondati da Roland Petit e Boris Kochno
(del quale fu molto amica) e poi nella compagnia itinerante del Marchese de Cuevas. Dopo
il ritiro dalle scene nel 1962, si dedicò all’insegnamento, a Parigi e altrove. Ultimamente viveva a Nizza con la figlia Anne Stéphant, direttrice di scena e manager teatrale. Con Hélène
Sadowska scompare una delle ultime figure di
una lunga generazione di russi francesizzati che
fu protagonista di un’epoca di grande fervore
per il balletto in Europa e che poi, con l’insegnamento, influenzò profondamente la danza
classica in Francia.
Hélène Sadovska in un’immagine recente
Gli addii
È morta nel giugno scorso la ballerina e maestra
Hélène Sadovska. Aveva 85 anni. Nata a Parigi ma di origini russe, aveva studiato con Olga
Preobrajenska, Victor Gsovsky e Boris
Kniaseff e lavorato tra gli altri con
Bronislava Nijinska e
Il coreografo Bertrand d’At è morto improvvisamente ai primi di luglio all’età di 57 anni.
Dopo i primi studi al conservatorio di Digione,
è entrato alla scuola Mudra di Maurice Béjart a
Bruxelles, quindi nella compagnia, il Ballet du
XXème Siècle. È stato assistente di Béjart e ha
cominciato a fare coreografia dal 1983. Ha codiretto il Cullberg Ballet con Carolyn Carlson,
ed è poi stato alla testa del Ballet du Rhin per
ben 15 anni. Tra le altre compagnie per cui ha
creato: Les Ballets de Monte-Carlo, il Ballet de
Nancy , il Béjart Ballet Lausanne, il Balletto
dell’Opera di Zurigo. Ha avuto anche un certo
successo in Asia, ha lavorato in Cina, Corea del
Sud e Vietnam.
Hélène Sadovska
con lo
scenografo
Christian Bérard
nei primi anni
‘50
Bertrand d’At
Ricardo Núñez, danzatore, coreografo e soprattutto maestro – come tale molto noto in
Italia e in Francia – è morto a Berlino il 7 giugno
scorso, vittima di un tumore al fegato. Cubano,
era nato all’Avana 69 anni fa e si era formato
alla scuola e nella compagnia del Balletto Nazionale di Cuba, studiando con José Parés e
Fernando Alonso. Fu uno dei dieci danzatori
che abbandonarono per sempre la compagnia (e
il loro paese) nel 1966 a Parigi durante una
tournée, con una defezione di forte segno politico di cui parlò il mondo intero. Entrò come
solista nel Ballet Théâtre Français e nel Ballet
Felix Blaska, iniziando anche un’attività di coreografo. Ha lavorato tra l’altro, come coreografo e come maître de ballet, al Théâtre des
Arts di Rouen, all’Opera di Oslo, all’Opera di
Marsiglia, al Balletto di Stoccarda, all’Opera di
Roma, al San Carlo di Napoli, al Massimo di
Palermo, ai Ballets de Monte-Carlo, in Austria
e in Germania; ultimamente era appunto maestro allo Staatsoper di Berlino. Tra i classici, da
ricordare le sue versioni de Il Lago dei cigni e di
Giselle; ma creò anche diversi lavori propri, tra
cui Yerma, ispirato a García Lorca.
Ricardo Núñez (ph. A. Buccafusca)
27
Torino-Lione, danza ad
alta velocità
Torino e il suo festival TorinoDanza, Lione e la sua prestigiosa Biennale
della Danza, entrambi votati alla danza contemporanea e dintorni. Ne
parlano i due rispettivi “patrons”, Gigi Cristoforetti e Dominique
Hervieu. Una collaborazione puntuale sulla linea delle articolate
relazioni coreografiche tra Italia e Francia in epoca moderna
(a cura di A.A.)
Che cosa unisce Torino a Lione – oltre alla
combattuta linea ferroviaria ad alta velocità? Per
la danza non c’è dubbio: le unisce il progetto
di collaborazione tra il festival “TorinoDanza”
e la Biennale de Lyon, due tra le maggiori manifestazioni del genere nei rispettivi paesi. Ma
la via di contatto e collaborazione è ben più
ampia di quella che unisce le due città e in realtà tiene in comunicazione da sempre Italia e Francia, paesi “cugini”, amici-rivali, come accade in
famiglia, le cui attività coreografiche si sono influenzate a vicenda negli ultimi decenni, con scambi
di artisti, di “visite” continue di compagnie, e soprattutto di idee.
Ricordiamo, per esempio, che lo scorso anno
si è svolta la quarta edizione del progetto
“France Danse”, curato dall’Institut Français
e dall’Ambasciata di Francia in Italia, che ha
portato un notevole numero di compagnie francesi di danza contemporanea in giro nei teatri
italiani, compagnie spesso già note al pubblico e soprattutto ai lettori di BALLET2000 che
le segue da sempre.
Se volessimo fare gli storici pedanti, potremmo dire che oggi la Francia rende all’Italia il
debito contratto nel Rinascimento, quando la
corte parigina importò il melodramma e il balletto italiani, facendoli propri con grandi esiti storici; e poi nell’Ottocento, quando le ballerine italiane regnavano anche all’Opéra di
Parigi, fino a Carlotta Zambelli (di pura scuola
Scala) che poi diresse la scuola di danza
dell’Opéra fino al 1955.
Ma sarebbe solo un modo per consolare noi
Italiani, costretti poi ad ammettere che i tempi moderni hanno visto la Francia imporsi decisamente e influire sulla nascita e sulla fisionomìa
della danza contemporanea in Italia; al punto
che molti auspicano che il disordine e la minorità
istituzionale della danza italiana siano superati
ispirandosi al modello organizzativo francese.
Bartabas: "Le Centaure et l'animal"
(ph. N. Boutros)
Les Ballets C de la B: "Tauerbach",
c. Alain Platel (ph. C. Van der Burght)
Il festival TorinoDanza è un esempio di questa, in gran parte legittima, ammirazione italiana
per la danza contemporanea francese. Il direttore artistico (dal 2003) della rassegna torinese, Gigi
Cristoforetti, dichiara nelle parole e nei fatti questa
vocazione filo-francese. E ha probabilmente ragione a non lasciarsi toccare dall’osservazione, condivisa anche da molti Francesi accorti, per la quale
l’ormai storica “nouvelle danse” (considerata per
trent’anni come una sorta di arte a parte, indipendente dal resto della danza e dal resto del mondo e oggetto di una delle tante “eccezioni francesi”) ha esaurito il suo slancio e sopravvive nel
lavoro dei suoi ex-adepti solo grazie a una sorta
di ostinazione delle istituzioni.
«Infatti non è la “nouvelle danse” in stretto
senso storico che ci interessa – dice Cristoforetti
– anche se riconosciamo tutti la sua importanza e se molti artisti di quell’epoca e di quella corrente
sono ancora ben presenti sulla scena contemporanea. Ma
la realtà delle arti sceniche
in ambito francese è oggi
molto varia e interessante.
La Francia è un grande paese per la danza, non solo
Gigi Cristoforetti
(ph. D.
Bozzalla)
28
per i suoi artisti, ma perché il contesto istituzionale è molto evoluto, c’è un senso solido
delle istituzioni e della continuità dei progetti,
mentre da noi le persone vanno e vengono continuamente.
Il progetto di TorinoDanza è quello di trasformarsi in una piattaforma europea basata
sull’asse tra Torino e Lione. Conoscevo da tempo
Dominique Hervieu, direttrice della Maison de
la Danse lionese, e ci siamo trovati da subito
in sintonìa d’idee; anzitutto quella di programmare per il pubblico reale e non solo secondo i
gusti personali; e poi il concetto di formazione,
del pubblico e degli artisti, già sviluppato a Lione e da costruire a Torino, magari in collaborazione con diverse associazioni, per esempio
l’Accademia Musicale.
I progetti internazionali di solito riducono al
minimo i punti in comune. Nel nostro caso no,
c’è già tutto un mondo in comune. Il nostro terreno è la danza contemporanea, certo; nel mio
caso in senso allargato a forme nuove di teatro
di movimento. E non escludo a priori la “danza-danza” anche di base classica, anzi m’interessa, ma il problema è anzitutto economico.
Comunque sia, TorinoDanza ha superato da
tempo l’idea di festival come vetrina generalista,
come esposizione di tutto quel che è disponibile; così come ha superato l’organizzazione del
programma in “focus” in diversi periodi dell’anno, anche senza rinunciare a mettere in evidenza certi temi privilegiati.
Essenziale per me è lo spirito di collaborazione anche per ottimizzare le risorse in tempi
di crisi, anzitutto dentro la propria città
(TorinoDanza opera in simbiosi col Teatro Stabile di Torino e ha il supporto di diversi enti
pubblici e privati, anzitutto la Compagnia
di San Paolo, ndr) e poi in una nuova prospettiva europea.
Come si vedrà dal programma, non c’è solo Francia; e
comunque la collaborazione
con la Biennale di Lione avrà
luogo ovviamente solo negli
anni pari, mentre nei dispari
TorinoDanza continuerà la sua
strada, ma sempre per spettatori che devono sentirsi in Europa e non in provincia, e per
artisti, anche italiani, che devono esser fatti crescere e non solo
protetti».
❏
Co. Alessandro Sciarroni: "Untitled_I will be
there when you die"
Torinodanza e oltre
Il festival Torinodanza (9 settembre-12 ottobre, v. Cartellone), diretto da Gigi Cristoforetti,
punta su una programmazione senza barriere tra
i diversi “linguaggi” delle arti sceniche, incline a
percorsi ibridi: non solo danza dunque ma teatro-danza, teatro visivo, “performance art” e il
cosiddetto “circo contemporaneo” o spettacoli
a cavallo tra i diversi generi. Sono i Ballets C.
de la B. e Alain Platel, beniamini e ospiti ricorrenti del festival torinese, ad inaugurarlo il 9 settembre con Tauerbach, in cui Platel ripropone
la sua cosiddetta “danza bastarda”, che rinvia
agli istinti primordiali dell’uomo, e che guarda
al mondo degli emarginati sociali.
Un momento speciale del festival sarà lo spettacolo Incontri in cui la coreografa americana
Carolyn Carlson e la bailaora spagnola Eva
Yerbabuena mettono a confronto le loro diversissime personalità artistiche. A proposito di
incroci tra generi diversi, l’artista equestre
Bartabas e il danzatore di flamenco Andrés Marín
creano insieme Golgota, una sorta di cerimonia
liturgica e visionaria con un misterioso cavaliere e il suo compagno di strada.
In programma figurano inoltre la Kibbutz Dance
Company da Israele con un lavoro del
suo coreografo Rami Be’er
sull’Olocausto; Maguy
Marin con la sua ultima creazione e Nocturnes, una serie
di scenette in cui si succedono incontri incompiuti e gesti
inspiegabili con quel tocco da
“teatro dell’assurdo” tipico della coreografa francese; Kaori Ito,
la danzatrice di Alain Platel, con
un assolo creato per lei da Aurélien
Bory, artista di “circo contemporaneo”; e infine, KVS coi Ballets C. de
la B. in Coup Fatal, uno spettacolo
musicale di Serge Kakudji e Paul
Kerstens. Il festival presenterà poi una
rassegna Torinodanza/Made.IT (tra novembre
e gennaio), con artisti della danza italiana di generazioni diverse, da Enzo Cosimi al “performer”
Alessandro Sciarroni. (C.M.)
Ballet de Lorraine: “Sounddance”,
c. Merce Cunningham (ph. L. Philippe)
Dominique Hervieu
(ph. S Rambaud)
Biennale di
Lione: storia
e creazione
La Biennale de la
Danse de Lyon 2014 è
diretta, per la seconda
volta, da Dominique
Hervieu coreografa, arrivata alla
direzione artistica di una macchina imponente come la Maison de la Danse più la
Biennale de la Danse di Lione, dopo trent’anni anni di guida autorevole di Guy Darmet, non
un artista, un “intellettuale” e un “politico” della
danza che aveva fatto di Lione una capitale co-
Défilé torinese
Il 6 luglio scorso una grande parata “coreografica” con un migliaio di danzatori
“amateurs” (italiani e francesi) e 300 marionette ha invaso il centro di Torino. Nell’anno del gemellaggio tra la Biennale de la Danse
de Lyon e il festival TorinoDanza, si è voluto importare dai cugini d’oltralpe la tradizione del défilé che a Lione dura ormai da 10
anni, coinvolgendo i Torinesi in un grande
spettacolo di strada, inizialmente ispirato al
carnevale di Rio de Janeiro. Stavolta il coreografo francese Denis Plassard (responsabile della sfilata) ha immaginato una serie di “Onorevoli
delegazioni” di varia umanità, rappresentate da marionette e pupazzi davvero bellissimi,
con un simpatico tocco grottesco (creati da diverse associazioni piemontesi). Nonostante
l’acquazzone impietoso che ha accompagnato buona parte del défilé, le Onorevoli delegazioni hanno sfilato imperterrite. Poi, tutte a casa ad asciugarsi. Il 14 settembre si replica a
Lione per la Biennale. Con i dovuti scongiuri. (C.M.)
29
reografica tra le più importanti in Europa.
Questa 16a edizione si svolge dal 10 al 30
settembre nei teatri della città di Lione e nella
regione con un programma eclettico e ricco di
creazioni e di prime nazionali. Questa 16a edizione è presentata come “popolare e sperimentale”, facendo dell’”estetica della diversità” il
suo motto, accostando grandi nomi della coreografia contemporanea, come Jirí Kylián e
William Forsythe, all’hip hop, al flamenco, alla
“performance art” e al circo.
Gli appuntamenti del festival sono elencati
nel Cartellone di questo numero; qui si segnalano solo alcuni degli spettacoli più in vista. Il
festival non fa leva solo sulle novità ma anche
sulla ripresa di pezzi storici come Rêlache, il
“ballet istantanéiste” del 1924 dei Ballets Suédois
di Rolf de Maré, rimesso in scena recentemente da Petter Jacobsson per il Ballet de Lorraine,
la compagnia francese che danza qui anche
Sounddance di Merce Cunningham del 1975. Il
Balletto dell’Opera di Lione riprende un lavoro
del 1984 di Kylián, Heart’s Labyrinth, sul Notturno per archi in Si maggiore del céco (come
kylián) Antonín Dvorák: si tratta di un pezzo
rappresentato raramente, nato in seguito al suicidio di una persona cara. Ma la compagnia lionese
presenta anche creazioni della coppia François
Chaignaud e Cecilia Bengolea e di Emanuel Gat.
Sono diversi i nomi della danza contemporanea francese in cartellone, legati ai Centri Coreografici Nazionali: Kader Attou (La Rochelle),
Yuval Pick (Rillieux-la-Pape), Thomas Lebrun
(Tours), Mourad Merzouki (Créteil).
E ancora: Maguy Marin con la sua ultima
creazione, Dada Masilo con una singolare
Carmen “sud-africana”, The Forsythe Company
e poi uno dei lavori-fiume degli anni Ottanta
del belga Jan Fabre: C’est du théâtre comme
c’était à espérer et à prévoir dura otto ore, ma
gli spettatori possono entrare e uscire dalla sala
a piacimento. Molte sono anche le attività
collaterali come proiezioni e incontri, senza dimenticare l’immancabile Défilé il 14 settembre
per le strade di Lione, quest’anno in associazione con Torinodanza. (C.M.)
IN COPERTINA
Paul Taylor, eleganza
e solitudine
dell’ultimo “modern”
La Paul Taylor Dance Company compie
sessant’anni e li festeggia con un “Diamond Tour”.
La prima tappa europea è stata in luglio a Spoleto
con un programma d’”avanguardia rétro”. Ma il
decano della coreografia mondiale si prepara in
autunno a offrire ai suoi danzatori una nuova
creazione (la seconda quest’anno). E a 84 anni resta
per tutti il “bad boy”, elegante e solitario, della
“modern dance”…
Senza dubbio, il più importante coreografo vivente
è Paul Taylor (84 anni), anche se la storiografia della
danza europea avrebbe ragione di volere sul podio anche l’olandese Hans van Manen (82).
Paul Taylor vive da quasi vent’anni in un relativo silenzio creativo ma la sua compagnia continua ad essere
attiva, con una voglia di crescere che l’ha portata a dar
vita a una compagnia di giovani (Taylor2); è impegnata
in stagioni a New York e tournées negli Stati Uniti, in
Europa e altrove, con un repertorio che si è formato in
ormai sessant’anni.
Taylor non viaggia con la compagnia e si fa vedere
raramente. Non concede interviste. Quest’isolamento volontario ha fatto sorgere pettegolezzi e interpretazioni
varie nell’ambiente della danza e fuori; Paul Taylor, emulando la Garbo, non vuole più essere visto? In verità,
l’eleganza e la discrezione sono parte della
sua personalità e del suo stile e influenzano
perfino la sua estetica.
Se andiamo indietro con la memoria visiva, ritroviamo immediatamente
le immagini (vere icone della postmodernità) del suo assolo in abiti
civili con camicia bianca, cravatta sottile e nera, giacca e pantaloni dal taglio elegante, in anticipo di vent’anni sugli
“yuppies” dell’Upper West
Side di New York; o il suo
Duet (1957), con lui immobile insieme alla danzatrice, mentre al piano si suonava John Cage. Si
trattava di atti artistici pionieristici che diedero vita a una corrente e significavano
molte cose. Il movimento dello
stesso Paul aveva un respiro
chiaramente
“naturalista”, quasi vicino alla pop-art urbana, e almeno in questi lavori fu un precursore.
È importante ricordare che in questa sua tappa
formativa d’artista Paul Taylor calcò la scena danzando coreografie di Doris Humphrey (1952), Merce
Cunningham (1953-1954), Charles Weidman (1954),
Martha Graham (1955-1962) e occasionalmente George
Balanchine, come nel 1959 nel suo storico Episodes (fu
l’unica co-produzione della compagnia di Martha Graham
con il New York City Ballet). Martha Graham lo chiamava il “bad boy” della modern dance americana.
Come molti danzatori a New York, Paul Taylor si
guadagnava da vivere nei musicals, a Broadway e in televisione; come Andy Warhol e Jasper Johns lavorò allestendo vetrine di lusso sulla Fifth Avenue, specie quelle
di Tiffany. Durante questo “rito commerciale” conobbe l’artista visivo Robert Rauschenberg, con il quale firmò
11 balletti. Subì molto l’influenza di Rauschenberg che
lo avvicinò all’espressionismo astratto. Le loro strade
poi si divisero.
Nell’agosto 1986, dopo molte manovre e messaggi, riuscii a intervistare Paul Taylor.
Accettò che
gli facessi 10
domande per
telefono dalla
redazione del
quotidiano El País
dove lavoro a Madrid; lui mi avrebbe
risposto dalla sua
casa di Long Island.
All’inizio era piuttosto
sulle sue, poi però si lasciò andare a qualche battuta, scusando generosamente i miei errori d’inglese.
Tre risposte che mi diede allora continuano ad essere valide anche oggi. Gli chiesi:
“Che cosa può dire del suo stile,
Paul
Taylor
(ph. M.
Hicks)
Paul
Taylor:
“Aureole”,
c. Paul
Taylor
(Jacob’s
Pillow,
1964)
Amy Young, Michael Trusnovec –
Paul Taylor Dance Company:
“Aureole”, c. Paul Taylor
(ph. T. Caravaglia)
31
Sean
Mahoney –
Paul Taylor
Dance
Company:
“Arden
Court”, c.
Paul Taylor
(ph. T.
Caravaglia)
mia vita, specie quando danzavo. Quando la compagnia
viaggia io ho altre cose da fare qui”. E alla fine osai domandare: “Le influenze sul suo lavoro..?”. E questo coreografo così famoso e importante mi rispose: “Non credo
di avere il tempo di parlare di ognuna di esse, perché
ogni giorno vengo influenzato da tutto quello che mi
circonda, in positivo o in negativo. All’inizio fu Martha
Graham. Fu un’influenza molto forte, non tanto la sua
tecnica o i suoi passi ma piuttosto il suo atteggiamento
verso la danza moderna: il modo in cui vedeva la danza, come una religione o come una chiesa, qualcosa di
molto importante. Quanto alle influenze negative, devo
dire che riconosco in alcune danze
delle cose che non vorrei mai fare,
e questo mi aiuta a trovare quello
che in realtà voglio fare. Si limitano così le possibilità d’errore. Vedere gli errori
degli altri è uno dei miei maggiori talenti. È solo la
curiosità di cercare altre strade”.
Una grande musicalità e motivi astratti sono i due ingredienti basilari dello stile Taylor (che è stato diviso
tra “tenebroso” e “luminoso”), anche se non è mancato
il filone narrativo pur in un’ottica molto personale, come
l’incesto in Big Bertha, la falsa religiosità e la violenza
coniugale in Speaking in Tongues, o la seconda versione della sua Sagra della primavera (Stravinsky), nella quale usò la versione per due pianoforti e nella
quale raccontava di una madre di Chinatown
che soffriva per la perdita della figlia.
La formalità strutturale di Taylor
invece, per quanto influente, non ha
prodotto molti ammiratori o seguaci. Infatti Taylor è molto difficile da imitare poiché si allontanò presto
dalle mode occasionali per
concentrarsi sull’elaborazione di un discorso plastico in
senso poetico.
Nel 2013 Taylor ha pubblicato un nuovo libro: Facts
and Fancies. Essays written mostly for Fun (editore
Delphinium) in cui parla del suo ventaglio di quasi 150
opere (alcune non sono più rappresentate). Ora la compagnia ha traslocato in una nuova sede più grande nella
se esiste uno
stile Taylor?”. E lui: “Ci sono danzatori
di stile Taylor, ma per me è molto difficile descriverne lo stile. Lo stile è diverso in ogni coreografia. Cerco
di non fare sempre lo stesso genere, se posso evitarlo.
Credo che lo stile sia qualcosa che può essere meglio
descritto dall’esterno, piuttosto che da me stesso. Io
mi limito a fare, non sono bravo a descrivere”.
La seconda domanda fu: “Perché non viaggia con la
sua compagnia?”. Risposta: “Durante le tournées non
c’è nulla che io possa fare; inoltre, sarebbe un costo
che non credo che la compagnia debba sostenere. Il mio
lavoro è qui, in sala. Ho già viaggiato abbastanza nella
32
Paul Taylor
Dance
Company:
“Mercuric
Tidings”,
c. Paul Taylor
(ph. P. B.
Goode)
Sean
Mahoney,
Orion
Duckstein,
James
Samson –
Paul
Taylor
Dance
Company:
“Sunset”,
c. Paul
Taylor
(ph. P. B.
Goode)
Paul Taylor
Dance
Company:
“Changes”,
c. Paul
Taylor
(ph. T.
Caravaglia)
conto proprio. I due casi significativi
e molto diversi tra loro sono
Christopher Gillis e David
Parsons. Gillis debuttò con la
compagnia di Paul Taylor nel
luglio 1976 al Billy Roses
Theatre di New York, e il
pubblico fedelissimo che
seguiva Taylor si sorprese di quel massiccio e muscoloso atleta canadese a cui
il coreografo riusciva a dare una
straordinaria
lievità. In Private Domain,
il libro di memorie di Paul
Taylor, questi
racconta come
fu conquistato
fin da subito
dall’audacia e
dalla dedizione artistica di
quale continua ad essere realizzato il programma
Repertory Preservation Project, che nacque con un contributo di 850.000 dollari dallo Stato per la conservazione di coreografie del repertorio di Taylor e non solo,
tramite video, Labanotation (un metodo di notazione
coreografica) e altri supporti. Negli Stati Uniti hanno
compreso in tempo e molto bene il valore di questo patrimonio.
Ma torniamo alle origini della sua personalità: Paul
Taylor studiò pittura, in gioventù fu un nuotatore e creò
la sua prima coreografia già quando studiava alla Syracusa
University: Hobo Ballet, per i suoi compagni del laboratorio di danza. Nel 1952 si trasferì a New York dove
frequentò per un anno la famosa Juilliard School e contemporaneamente studiò con Margaret Craske e Antony
Tudor alla Metropolitan Opera Ballet School; questi due
maestri ebbero un ruolo decisivo nella sua formazione
estetica. La Craske, una specialista di Cecchetti e una
delle prime inglesi a far parte dei Ballets Russes di
Diaghilev, infuse al giovane Paul la passione per la tecnica e la rifinitura del disegno coreografico; il grande coreografo Antony Tudor, da parte sua, gli insegnò il principio del significato, della giustificazione ultima e
principale del senso del movimento corporeo, mai gratuito.
I critici statunitensi, poi quelli inglesi e francesi, hanno cercato, al di là degli elogi, di spiegare l’accoglienza
della danza di Paul Taylor in Europa. La ragione potrebbe essere la sua “atemporalità”, unita alla padronanza di un vocabolario stabilito e al tempo stesso aperto
in cui la base classica rielaborata si fonde con l’eredità
di Martha Graham ma senza la pesantezza drammatica
di quest’ultima; e c’è un certo gusto
“metafisico”nell’armonia circolare e nell’uso del
canone, che caratterizza la sua dinamica. A tutto ciò va aggiunto un
raffinato gusto musicale.
Taylor ha forgiato le personalità di alcuni importanti
danzatori della nostra epoca.
Essi hanno poi abbandonato
“il padre” per continuare per
33
Taylor è ancora avanguardia, anche se
non tutto il suo lavoro lo è”. Vediamo
oggi che Paul Taylor è stato il punto di
riferimento del “post-modernismo” delle
origini.
Molto presto, con le sue prime
tournées in Europa nel 1961 e nel 1962
e con la creazione di Aureole (Händel),
iniziò la sua grande avventura mondiale. Aureole entrò poi nel repertorio del
Balletto Reale Danese nel 1968 e
dell’Opéra di Parigi nel 1974. Vanno poi
citate alcune opere di grande significato
estetico come Esplanade (1975) in cui
appaiono le caratteristiche sezioni di
movimenti ordinari e comuni tra frasi di
danza, in cui il semplice camminare diventa parte dello stile. Non vanno dimenticati: Cloven Kingdom (1976), Dust
(1977) e soprattutto Airs (1978), tutti
creati dopo che aveva smesso di danzare. Nei primi anni 80, Airs entrò nel repertorio dell’American Ballet Theatre: fu
un riconoscimento importante. All’inizio
Taylor aveva pensato di intitolarlo
Windward e aveva cominciato a provare
con i danzatori dell’ABT su una musica
di Sibelius, ma il progetto abortì; Taylor
non ne era soddisfatto (e nemmeno i
danzatori, pare). Dunque abbandonò
l’idea, notò i passi e li rimontò su un’altra musica con la sua stessa compagnia.
Ora che ha appena compiuto 84 anni,
il mito vivente, il coreografo sempre inquieto, il “bad boy”, già ci consegna una
grande eredità.
Roger Salas
Michelle
Fleet, Robert
Kleinendorst
– Paul Taylor
Dance
Company:
“Field of
Grass”, c.
Paul Taylor
(ph. P. B.
Goode)
Gillis, che suppliva con la passione alle sue mancanze
di formazione. Christopher era molto miope e Taylor
una volta lo mise in scena con i suoi occhiali dalla grossa montatura. È rimasto in repertorio.
Al Festival di Avignone del 1986 intervistai Gillis e
Parsons perché mi parlassero del loro capo assente; erano
loro all’epoca i rami più vistosi dell’”albero Taylor”,
del suo stile; eppure erano così diversi l’uno dall’altro.
Opposti i caratteri, i punti di vista, i modi di vedere la
danza, ma in scena li univa la forza della coreografia.
Christopher Gillis mi disse: “Ai miei inizi fui cacciato
da una scuola di danza, e così mi diedi alla ginnastica.
A 18 anni vidi Martha Graham in televisione e capii
che quello che volevo veramente era essere un danzatore.
Entrai giovanissimo nella compagnia di Paul Taylor. Ma
faccio sempre lezioni di classico per controbilanciare lo
studio quotidiano della tecnica moderna. L’apprendimento
del classico è una cosa molto chiara e lineare”.
Da parte sua, David Parsons, diventato poi così famoso, ebbe un inizio brillante come danzatore ma la sua
carriera fin da allora mirava alla creazione coreografica:
“Grazie a una borsa di studio andai a New York ed entrai nella scuola di Alvin Ailey. Ma non mi piacque.
Avevo 17 anni; poi incontrai Paul Taylor e tornai alla
danza per sempre. Ho danzato anche con i Momix. Però
ho sempre provato il desiderio inquieto di creare nuovi
lavori. Paul Taylor è stato l’influenza più forte, ma poi
ce ne sono state molte altre, come quelle della vita stessa.
I miei lavori devono avvicinarsi alla gente, non devono
allontanarsi dal pubblico medio. Ma secondo me Paul
34
Paul Taylor
Dance
Company:
“Esplanade”,
c. Paul
Taylor
(ph. P. B.
Goode)
Laura
Halzack,
Michael
Trusnovec
– Paul Taylor
Dance
Company:
“Beloved
Renegade”,
c. Paul Taylor
(ph. T.
Caravaglia)
Il ritorno a Spoleto
Cor. Paul Taylor: Airs – mus. Georg Friedrich Händel;
American Dreamer – mus. Stephen Foster; Piazzolla
Caldera – mus. Astor Piazzolla, Jerzy Peterburshsky;
Mercuric Tidings – mus. Franz Schubert; Dust – mus.
Francis Poulenc
Spoleto, Teatro Romano
La prima volta di Paul Taylor al Festival dei Due Mondi
di Spoleto è stata nel 1960 ed è bello che ora, nel 2014,
ci sia tornato celebrando i sessant’anni della sua Dance
Company nell’ambito del “Diamond Tour”.
Il programma ha mostrato le sfaccettature della creatività versatile e tuttora vivida del maestro
ottantaquatrenne. In autunno, Taylor firmerà la sua
141ma “danza”, Sea Lark, per dieci interpreti sulla musica
per Les Biches di Poulenc, tornando in questa occasione a collaborare con il pittore Alex Katz. E questo dopo
aver debuttato lo scorso marzo al Lincoln Center di New
York con la novità Marathon Cadenzas, ispirato alle
gare di resistenza nel ballo di sala.
A Spoleto sono stati apprezzati titoli ormai classici
della compagnia: il gioioso Mercuric Tidings (1982), cioè
lo Schubert sinfonico tradotto in geometrie elastiche, il
primitivo e pensoso Dust (1977) sul Concert Champêtre
di Poulenc, il recente, nostalgico e ironico American
Dreamer (2013), un’evocazione dell’America del XIX
secolo su musiche country (compreso il notissimo tema
35
Paul
Taylor
Dance
Company:
“Dust”,
c. Paul
Taylor
(ph. P. B.
Goode)
Oh Susanna). E ancora, Piazzolla Caldera (1997), che
traduce il tango in forma teatrale, giocando sulla solitudine della donna che nessuno invita al ballo, sulla coppia al maschile, sul trio a combinazione variabile, sulla
virilità del gesto macho che ricorda la secchezza del
flamenco, salvo eccedere in salti frenetici sulla nervosità
dei violini.
Blu decorato di lampi rossi per Mercuric Tidings; ventagli, borsette, cappellini, tuniche da chiesa per American
Dreamer; gilè, spacchi, calze autoreggenti, tacchi, per
il tango; ricami astratti per Dust: gli apparati visuali,
luci e costumi, sono pensati per far posto alla “cosa
centrale”, la danza. Quasi non ci siamo più abituati in
tempi di danza contemporanea concettuale, tendente al
grado zero quanto a dinamica.
Che impressione si prova oggi davanti all’opera
pluridecennale di Taylor, gigante del modern USA? Le
sue coreografie sono e saranno godibili da qualunque pubblico; il potere di mettere la musica, colta o popolare,
nei corpi danzanti con un’aderenza che soddisfa l’oc-
chio e l’orecchio è impagabile. Troppo facile? Troppo
poco intellettuale? Troppo concreto? Siamo alla tradizione del modern, un pezzo di storia da conoscere e
riconoscere nei suoi valori.
Come si presenta la compagnia attuale del maestro,
affidata alle cure della veterana Betty de Jong?
I piedi nudi e le “care vecchie calzamaglie” fanno
un certo effetto rétro; i fisici di “proporzione americana” e “da danza moderna” sembrano anch’essi rispondere a canoni quasi inusuali se non desueti sulle
nostre scene; ma alcune personalità spiccano, soprattutto sul versante maschile: Francisco Graciano, Michael
Apuzzo e soprattutto Michael Trusnovec che è in compagnia da oltre quindici anni e ne ha assorbito la cifra
autentica, trasformandosi quasi in un alter ego di Taylor,
a suo tempo atleta, nuotatore e straordinario interprete di Graham, Balanchine e Cunningham, oltre che maestro di David Parsons, Daniel Ezralow, Twyla Tharp…
Non è poco davvero.
Elisa Guzzo Vaccarino
Paul Taylor
Dance
Company:
“Promethean
Fire”,
c. Paul
Taylor
(ph. P. B.
Goode)
36
37
• recensioni • recensioni
IN SCENA !
trate dalla comunità ebraica di New York –, Ratmansky,
per arrivare al suo scopo, attinge dall’arsenale classico.
Con facilità inventiva, musicalità e luminosità, Robbins
intreccia i corpi alle melodie, in assolo, duetti ed ensembles
di grande raffinatezza, dove tutto scorre senza alcuna
pesantezza. I danzatori dell’Opéra, Muriel Zusperreguy,
solare, Aurélie Dupont, sbarazzina, François Alu e Karl
Paquette rendono bene questo senso squisito di libertà,
quest’apparente leggerezza venata di malinconia che attraversa tutta l’opera chopianiana di Robbins.
Ratmansky, nonostante la sua conoscenza della tradizione e le sue versioni riuscite del patrimonio sovietico, appare stavolta proprio pesante in confronto
alla fluidità di Robbins. Del resto il coreografo russo
si interessa soprattutto agli assolo e ai duetti, trascurando gli ensembles che usa solo come arredo della scena.
I costumi sono di un cattivo gusto spaventoso, soprattutto i veli per i ragazzi che neppure un vecchio
avanspettacolo avrebbe accettato. Per fortuna, Charline
Giezendanner nel ruolo di Psiche ha un fascino irresistibile, e Pierre-Arthur Raveau, il suo Amore innamorato, se la cava grazie all’umorismo. E ce ne vuole per
danzare questo balletto senza cadere nel ridicolo.
Sonia Schoonejans
Balletto dell’Opera di Parigi
La giovinezza di Robbins
Dances at a Gathering – cor. Jerome Robbins, mus.
Fryderyk Chopin; Psyché – cor. Alexei Ratmansky, mus.
César Franck
Parigi, Opéra Garnier
Mathieu
Ganio,
Ludmila
Pagliero –
Ballet de
l’Opéra de
Paris:
“Dances at a
Gathering”,
c. Jerome
Robbins
(ph. H.
SoumireuLartigue)
recensioni • recensioni •
È sempre rischioso per un coreografo della nuova generazione ritrovarsi nello stesso programma con un gigante della vecchia. Diversamente da quel che si potrebbe
pensare, non sempre il più giovane è il più moderno.
Nel caso della serata all’Opéra di Parigi di cui parliamo
qui, in cui Dances at a Gathering di Jerome Robbins
del 1969 è stato affiancato da Psyché di Alexei
Ratmansky, creato nel 2011 per la compagnia parigina,
la questione merita di essere posta.
Se Robbins si lascia andare al buonumore di una danza pura che sembra sorgere spontaneamente dalla musica, Ratmansky sceglie di raccontare una storia, quella
di Amore e Psiche. Là dove Robbins, trasportato dalla
musica di Chopin, arricchisce il suo stile classico “jazzoso”
con il ricordo delle danze tradizionali polacche – si riconoscono le danze aschenazite della sua infanzia fil-
Laurent Chétouane
Un altro ramo della Sagra
Sacré Sacre du Printemps – cor. Laurent Chétouane,
mus. Igor Stravinsky, Leo Schmidthals
Venezia, Teatro alle Tese (Biennale Danza)
Anzitutto è bello il titolo, Sacré Sacre du Printemps
(traducibile con “benedetta-maledetta” Sagra della primavera) che il core-regista francese Laurent Chétouane
(con sede a Berlino) ha scelto per la sua versione di 90
minuti del balletto-cardine del Novecento. Poi è bello il
lavoro, cioè il sacrificio universale nel vano sforzo di
una comunicazione interpersonale autentica.
Entrano ad uno ad uno i danzatori, in maglietta e shorts,
e si posizionano faccia al muro, sui lati. Quando si voltano verso il pubblico, si scopre che il volto di ognuno
è dipinto, ricordando i segni esoterici di Nicholas Roerich
sulle facce dei danzatori nell’originale di Vaslav Nijinsky
del 1913.
L’espressione dei corpi e degli sguardi che bucano
la quarta parete è quella di chi deve inghiottire tutti i
bocconi amari di questo mondo, correndo, agitando
le mani con una sorta di codice che tenta di regolare
il traffico delle emozioni. Arrivano fino all’orlo del
pianto, ma riprendono incessantemente il loro cammino, resistono, controllano passi e traiettorie, ognuno
lasciando affiorare la propria personalità, pur nella
condivisione della prova psico-fisica a cui si sottopongono. Un sapore di pateticità clownesca segna gli
atteggiamenti degli esseri umani che strisciano come
mosche prigioniere in un bicchiere, che tentano la fuga
lanciandosi in salti e cadute, tendendo invano le braccia
e lasciandole cadere.
Il ticchettio del tempo entra nella musica aggiuntiva
di Leo Schmidthals, compositore tedesco pop-colto per
la scena e per il cinema, che con le percussioni e il frinire
ricorsivo dei violini apre la strada a quella di Stravinsky,
38
quanto discussioni e polemiche divamparono all’epoca
della creazione sull’opportunità di usare tali capolavori
musicali per la danza.
Il tempo non è stato generoso con il repertorio di
Massine, in parte perché senza Massine lì a danzare e
a rimontare i suoi lavori, una certa scintilla si è spenta,
in parte perché il gusto è cambiato; ma ciò che rivelano
le rare riprese di questi due balletti è la sua padronanza
della scena e dell’uso di un ampio numero di danzatori
unito a un talento artistico autentico e profondo. Ecco
perché, quando li si rimette in scena, devono essere proposti al meglio. Tatiana Leskova, ex ballerina del Ballet
Russe del Colonel de Basil, li conosce probabilmente
meglio di chiunque altro oggi ancora in vita e ha curato
lei stessa negli anni ottime produzioni – per esempio
Choreartium per il Birmingham Royal Ballet negli anni
Novanta che è parso un modello per la salvaguardia di
lavori importanti.
La versione di Lorca Massine per Monaco di Baviera, presentata nel 2012 e qui ripresa nel contesto dell’annuale Balletwoche (la settimana del balletto), è solo
un’evocazione del balletto di suo padre – l’enfasi è stata alterata, i dettagli non affinati, ed è solo nel toccante
secondo movimento per un corpo di ballo di 18 danzatrici
e una solista che questa produzione si avvicina al livello d’intensità necessario. In parte ciò è dovuto al fatto
che in questa sezione lo scenografo Keso Dekker non
si allontana troppo dalla semplicità dei costumi originali. In ogni altro momento l’effetto è pacchiano, con
colori confetto nel primo e nel terzo movimento, e accademici dall’inspiegabile effetto pelle di serpente sia
per le ragazze che per i ragazzi nell’ultimo. Il risultato
è volgare, il sipario a strisce cangianti sullo sfondo è
distraente, e il video con un dattilografo che scrive al
computer l’anno e il luogo della produzione originale e
di quella attuale, ha un che di puerile.
Le produzioni di questo grande lavoro (che qui la compagnia ha danzato con passione e impegno) sono così
rare che non ci si può permettere di non fare le cose
per bene; altrimenti Choreartium, già in lista per l’estinzione, cesserà di vivere e sarà consegnato per sempre
ai libri di storia.
Gerald Dowler
serpentina ed esplosiva nella registrazione dell’esecuzione diretta dall’autore stesso con la Columbia
Symphony Orchestra nel 1960, per attenuarsi infine nelle
note di un pianoforte notturno e solitario.
Sono tutti molto intensi i precisissimi danzatori. Cercano di coinvolgere il pubblico con sguardi penetranti e
sembrano voler intendersi a cenni alla ricerca di un vocabolario comune per darsi quella voce che manca loro,
lasciando il posto a qualche grido soffocato e dolente.
Il vecchio Sacre ha figliato ancora un nuovo toccante
virgulto.
Elisa Guzzo Vaccarino
Bayerisches Staatsballett
Massine, il figlio non è il padre
Choreartium – cor. Léonide Massine, mus. Johannes
Brahms
Monaco di Baviera (Germania), Nationaltheater
È difficile capire perché il Bayerisches Staatsballett
(la compagnia dell’Opera di Monaco di Baviera), una
volta deciso di acquisire Choreoartium, il grande balletto “sinfonico” di Léonide Massine, si sia anzitutto
rivolto al figlio del coreografo, Lorca, le cui versioni dei
lavori del padre sono se non altro approssimative, e abbia
quindi commissionato delle nuove scene che, a esser sinceri, rendono questo grande e importante lavoro coreografico più simile a uno spettacolo di cabaret da nightclub lituano. Una decisione davvero singolare.
Il 1933 fu un anno importantissimo per il balletto
dato che Massine, allora all’apice della fama, fece un
grande balzo in avanti, impiegando musiche sinfoniche
che fino ad allora erano eseguite solo nelle sale da concerto e usandole come fonte d’ispirazione per la sua
opera coreografica. Prima creò Les Présages sulla Quinta
Sinfonia di Ciaikovsky e poi, solo qualche mese dopo,
appunto Choreartium sulla Quarta Sinfonia di Johannes
Brahms. Così facendo, diede vita a un genere che forma
una delle fondamenta del balletto contemporaneo, per
39
Bayerisches
Staatsballett:
“Choreartium”,
c. Léonide
Massine
(ph. C. Tandy)
centemente ripreso Workwithinwork).
Don Q. di Scigliano, che apriva la serata è troppo
lungo per essere un balletto breve e troppo breve per
fare serata. Pretende – come in tanti balletti che da un
decennio almeno vogliono alludere a un “titolo” attrattivo
o presunto tale – di raccontare senza raccontare perché
tanto Cervantes lo hanno letto tutti (magari fosse così!).
Così, lacerti di storie non dette e non chiare si collocano in un fluire di danza molto muscolare e vestita alla
moda – i famigerati calzini beige post-forsythiani – che
i danzatori affrontano con dedizione e il pubblico accoglie con una certa palpabile ansia – delusa – di riconoscere la trama e di vederne sviluppo e conclusione in
tanto danzare. In una compagnia omogenea, senza punte
di personalità marcanti, spiccano Philippe Krat (Don
Chisciotte) e Hektor Buddla (Sancho Panza) per una
qualità netta e generosa.
Da rimarcare la coloritura vagamente omoerotica dei
loro duetti, che certo distingue il mondo espressivo di
Scigliano sul filo di vari lavori già realizzati, compresa
la recente Giselle per lo Junior Balletto di Toscana. Un
tocco latente che non basta però a suscitare emozioni
esplicite e non apporta nuova luce all’epopea dell’Hidalgo
che tradizionalmente sogna Dulcinea, la donna ideale, e
che combatte per un mondo più giusto (in questo caso
contro l’omofobia).
L’attesa è dunque per l’annunciata prossima creazione
esclusiva di Andonis Foniadakis.
Elisa Guzzo Vaccarino
Aterballetto
In attesa di coreografi
Don Q. – cor. Eugenio Scigliano, mus. classica spagnola e Kimmo Pohjonen; Vertigo – cor. Mauro Bigonzetti,
mus. Dmitri Shostakovich; Rain Dogs – cor. Johan Inger,
mus. Tom Waits
Milano, Piccolo Teatro Strehler
L’Aterballetto, dal 2008 sotto la guida di Cristina
Bozzolini, direttrice che non coreografa ma sceglie i coreografi, ha presentato più programmi a Milano, dove
la compagnia si è guadagnata da qualche tempo una presenza regolare pluriennale al Piccolo Teatro. Il primo
programma è nel segno dell’ex direttore, Mauro Bigonzetti
(Wam e Cantata, cioè Mozart e il nostro Sud), l’ultimo
offre la scena ai danzatori del gruppo desiderosi di misurarsi con la coreografia, e il programma centrale accosta lavori di Eugenio Scigliano, Bigonzetti e Johan Inger.
Quest’ultimo è il più illuminante circa “lo stato dell’arte” in questa nuova fase, per l’Aterballetto, da compagnia d’autore a compagnia con più autori. Ma quali?
E per quale tipo di compagnia? Questo è il nodo critico
centrale per la più importante compagnia italiana non
legata agli Enti Lirici. Una compagnia di balletto moderno, di base classica, con interpreti che corrispondono a un’estetica di spiccato dinamismo plastico-erotico, ha bisogno di coreografi in grado di nutrirla con idee
mirate in termini di contenuto e di stili.
Lo svedese Inger, con il suo tocco nordico, concreto,
diretto, fa in Rain Dogs il controcanto ai testi con cui il
cantautore americano Tom Waits descrive personaggi e
situazioni della vita di strada, come la potrebbe percepire un cane sotto la pioggia; ed ecco tante vignette dolciamare con una venatura jazzosa che risultano piacevoli
e adatte a un gruppo senza gerarchia – tutti i danzatori
sono alla pari e intercambiabili – e a vivacizzare, come
si conviene, il finale di una serata mista.
Vertigo del 2006 conferma ciò che si è sempre saputo: Bigonzetti eccelle nel passo a due, ben disegnato in
questo caso. Temi e sequenze di movimento rivelano
l’intesa di coppia, nel suo farsi e disfarsi, e imprimono
al balletto un marchio ben riconoscibile accentuando linee e forme, sotto il magistero di Forsythe (il nume amico
dei teatri di Reggio Emilia di cui l’Aterballetto ha re-
Balletto di Zurigo
Zurigo per tre
Kairos – cor. Wayne McGregor, mus. Max Richter;
Sonett – cor. Christian Spuck, mus. Wolfgang Amadeus
Mozart, Philip Glass; Deer Vision – cor. Marco
Goecke, mus. Arnold Schönberg, Chris Haigh, Rob
Silvermann
Zurigo (Svizzera), Opernhaus (Festival Steps)
La compagnia di balletto dell’Opera di Zurigo, oggi diretta
da Christian Spuck, ha inaugurato con un nuovo programma
il Festival Steps, un festival di danza che potremmo definire itinerante, dato che ogni spettacolo è presentato di
volta in volta in numerose città svizzere.
Noemi
Arcangeli,
Philippe
Kratz –
Aterballetto:
“Vertigo”,
c. Mauro
Bigonzetti
(ph. A.
Anceschi)
40
Denis Vieira
– Ballett
Zürich:
“Sonett”,
c. Christian
Spuck
(ph. J.
Schlosser)
(dove prima Spuck era coreografo stabile) William Moore
e Katja Wünsche. Quest’ultima è stata scelta da tutti e
tre i coreografi, che hanno avuto piena ragione di farlo.
Emmanuèle Rüegger
Kairos, il primo lavoro della serata, sorprende, per
varie ragioni. Il suo coreografo, l’inglese Wayne
McGregor, ci ha abituati a lavori complessi ed elaborati, con un gran dispiegamento di proiezioni video di tema
scientifico; in Kairos, invece, sono di un’estetica semplice ed elegante tanto le scene quanto la coreografia,
che è più calma e meno nevrotica del solito. Le danzatrici
sono in punta e, per esempio, eseguono tutte insieme
una serie di semplici échappés à la seconde. Un altro
elemento che sorprende è che certi portés hanno le stesse
soluzioni di Uwe Scholz, il coreografo tedesco scomparso dieci anni fa. I dieci solisti (cinque ragazzi e cinque ragazze) sono tutti convincenti. Citiamo almeno
Galina Mihaylova, Jean Casier e William Moore.
Sonett di Christian Spuck, il direttore della compagnia, conferma il bene che penso di questo coreografo.
Si tratta ancora una volta di un lavoro che unisce danza
e teatro, stavolta dedicato a Shakespeare. Formidabile
è l’esibizione dell’attrice francese Mireille Mossé nel
ruolo dello spettro del creatore dell’Amleto. L’attrice è
minuta, ma che presenza e che voce! La coreografia si
articola su tre livelli: sei coppie danzano in uno stile
post-forsythiano morbido e punteggiato di disequilibri;
poi, tre danzatori si muovono nello stile dello Spuck
ultima maniera, uno stile leggero e un po’ jazzoso; verso la fine, come nell’Atto delle Ombre della Bayadère,
ecco una diagonale speculare di danzatrici (in tutù nero)
e anche di danzatori, che sembra non terminare mai.
L’ultimo lavoro in programma, Deer Vision di Marco Goecke, è coinvolgente. Lo stile del coreografo tedesco – oggi legato al Balletto di Stoccarda e al Nederlands
Dans Theater – è sempre lo stesso: movimenti bruschi
e ripetitivi si inanellano senza tregua. Stavolta il palcoscenico è avvolto nella penombra e nella nebbia. La messa
in scena, soffusa di mistero, dà libero corso all’immaginazione. E, inoltre, il contrasto tra la coreografia rapida
e la musica lenta e ricca di sfumature di Schönberg (la
bellissima Notte trasfigurata) è accattivante. Tra i
danzatori, tutti notevoli, citiamo gli svizzeri Nora Dürig
e Benoît Favre e i “transfughi” del Balletto di Stoccarda
Trisha Brown Dance Company
L’ultimo giro di Trisha Brown
Cor. Trisha Brown: For M.G.: The Movie – mus. Alvin
Curran; Rogues – mus. Alvin Curran; Les Yeux et l’âme
– mus. Jean Philippe Rameau; Son of gone fishin’ – mus.
Robert Ashley
Ravenna, Palazzo Mauro de André (Ravenna Festival)
Una bella compagnia, dedita e convinta; dei bravissimi danzatori, con personalità distinte; delle coreografie
intelligenti, ognuna con le sue motivazioni, i suoi temi
di movimento, la sua tonalità visuale e sonora: la Trisha
Brown Dance Company regala momenti di raro piacere
sul filo di quattro brani di diversi periodi. È il suo
“farewell tour”, ossia l’ultima tournée della compagnia
prima che la coreografa ceda la direzione artistica ai suoi
collaboratori più stretti.
For M.G.: The Movie (già Lever Best) del 1991 contiene nella sigla del titolo una dedica riconoscente all’amico Michel Guy, già ministro della cultura francese
e grande propugnatore della danza americana nel suo
Festival d’Automne parigino. Colpisce, lungo l’intero
pezzo, l’immobilità di uno dei danzatori, che volge la
schiena al pubblico. Non è facile mantenere una perfetta postura senza neppure un fremito mentre altri corrono, si intersecano, montano e smontano sequenze e
si lanciano rimandi gestuali tra singoli e gruppi, entrando e uscendo dalla musica che unisce echi di Chopin e
di Satie a strida di uccelli e rumori di traffico. Un lavoro intriso di splendida emozione fredda che apre un programma ben costruito, in modo da rivelare titolo dopo
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Nederlands Dans Theater 1
La coppia secondo Lightfoot
Mémoires d’oubliettes – cor. Jirí Kylián, mus. Dirk
Haubrich; Solo Echo – cor. Crystal Pite, mus. Johannes
Brahms; Shoot the Moon – cor. Paul Lightfoot, Sol León,
mus. Philip Glass
Parigi, Théâtre de Chaillot
Ravenna
Festival:
Trisha
Brown
Dance
Company:
“Son of
Gone
Fishin’”,
c. Trisha
Brown
(ph. S.
Berger)
Il Nederlands Dans Theater I ha fatto ritorno a Parigi, per la prima volta con Paul Lightfoot come suo direttore artistico, e con tre lavori che mostrano ancora
una volta le straordinarie personalità artistiche dei 28
danzatori di questa meravigliosa compagnia.
Mémoires d’oubliettes è stata l’ultima creazione di Jirí
Kylián per il NDT segnando la fine della sua collaborazione con una compagnia che ha forgiato, prima come
direttore artistico e poi come coreografo residente. Ed
è proprio di memoria che tratta questo balletto che inizia con una proiezione in cui le lettere di Mémoires
d’oubliettes si separano per formare parole come doutes,
émoi, oubli, reste (dubbi, emozione, oblio, resto) che
preludono all’atmosfera del lavoro.
In seguito appaiono i sei danzatori che, distaccandosi lentamente dal grande sipario dorato sul fondo della
scena, avanzano per i saluti al pubblico. Tutto il balletto si svolge allora come un magnifico “flash back” in
cui, sempre con quella qualità di movimento propria di
Kylián, gli interpreti danzano il dubbio, l’emozione e...
il resto. La musica di Dirk Haubrich, collaboratore da
lunga data del coreografo, sembra emanare dai corpi che,
alla fine, appaiono sotto una pioggia di petali argentati.
Solo Echo di Crystal Pite crea da subito un clima più
guerresco, appena temperato dalla musica di Johannes
Brahms. La coreografa canadese, ex danzatrice del Balletto di Francoforte sotto la direzione di William Forsythe,
e oggi coreografa associata del NDT, possiede un linguaggio vigoroso in cui portés, cadute e distensioni hanno
una dinamica brutale. Ma i sette danzatori, spesso riuniti a formare una massa la cui materia è scolpita con
titolo la cifra d’autore della Brown, maestra del pensiero fatto movimento, leggibile in tutta la sua nettezza
strutturale.
Rogues, cioè monelli, duetto maschile asciutto e giocoso del 2011, delizia per l’intesa tra i due interpreti,
Neal Beasley e Nicholas Strafaccia, “gemelli diversi” che
inseguono la scia uno dell’altro con rimbalzi senza peso,
vestiti come chiunque, in maglietta e pantaloni blu. Come
in G.M., Alvin Curran al pianoforte dal vivo offre uno
stimolo in più alla danza.
La coreografia, in Les Yeux et l’âme del 2011, fluisce
nell’aria, nelle tuniche lievi quasi incolori e quasi unisex,
rispondendo alla tessitura musicale di Rameau in una
sintonia perfetta e appagante. La danza “si infila” letteralmente nella musica con volute e spirali, per coppie
e per insiemi, con piccole pause del gruppo intero per
spostarsi assumendo una nuova formazione, come se
una mano invisibile girasse pagina, nella partitura di movimento.
La serata si conclude con Son of Gone Fishin’ del
1981, rimontato senza le scene, con la ripresa dei soli
costumi originali, magliette e pantaloni, vellutati e lucidi come scaglie di pesci d’oro. La danza è naturalmente
elegante, armoniosa, a canone con varianti, al diritto e
al contrario, dilatandosi e stringendosi nello spazio su
una musica che cambia di frequenza e di intensità. Un
virtuosismo tutto in leggerezza, rasentando nel finale
persino la trance, in una marea di energia che sviluppa
onde su onde nel mare tranquillo e mai stanco di Trisha.
Elisa Guzzo Vaccarino
Nederlands Dans Theater I:
“Mémoires d’Oubliettes”, c. Jirí
Kylián (ph. J.-J. Bos)
42
violenza, si adeguano con tale disinvoltura che tutto appare
naturale.
Infine, il terzo lavoro, Shoot the Moon, crea nel 2006
per la coppia Sol León e Paul Lightfoot, è l’opera più
riuscita della serata. I due coreografi, che firmano anche
la scenografia e i costumi, uniscono la bellezza dei movimenti ereditati da Kylián, all’umanità di un Mats Ek,
alle quali aggiungono la propria fantasia mai a corto d’immagini. Shoot the Moon si svolge nelle diverse stanze
di un appartamento, in un clima familiare e straziante.
Pensavamo che si fosse detto tutto sulla coppia,
l’incomunicabilità, la solitudine, ma León e Lightfoot
dimostrano il contrario con qualche duo e un assolo struggente in cui l’emozione sgorga da ogni gesto. Certo, perché
ciò accada ci vogliono degli interpreti come quelli, impareggiabili, di questa compagnia.
Sonia Schoonejans
Compañía
Nacional de
Danza:
“Appartement/
Casi-casa”,
Allegro Brillante – cor. George Balanchine, mus. Piotr c. Mats Ek
I. Ciaikovsky; Delibes suite – cor. José Martínez, mus. (ph. J.
Léo Delibes; In the Middle, Somewhat Elevated – cor. Vallinas)
William Forsythe, mus. Thom Willems; Casi-Casa –
cor. Mats Ek, mus. Fleshquartet
Madrid, Teatro Real
Compañía Nacional de Danza
Nell’Appartamento di Mats Ek
È inacettabile che la Compañía Nacional de Danza
(la compagnia nazionale spagnola diretta da José Carlos
Martínez) si esibisca nel teatro d’opera più importante
di Spagna (il Teatro Real di Madrid) con la musica di
Ciaikovsky registrata (e non giustifica il fatto che anche il Balletto dell’Opéra di Parigi abbia fatto lo stesso
una volta all’Opéra Bastille, con questa stessa registrazione inadeguata). È segno di trascuratezza.
Su Allegro Brillante di George Balanchine (1956, musica
appunto di Ciaikovsky) non c’è molto da dire, se non
che la parte della ballerina principale era qui incerta e
inadeguata e che la compagnia danzava un tempo questo balletto (già parte del repertorio di altre compagnie
spagnole come il Ballet Víctor Ullate o il Ballet de
Zaragoza) molto più correttamente dal punto di vista
stilistico, in musica e con senso dell’insieme.
Balanchine realizzò qui per la seconda volta una corrispondenza tra la “cadenza” pianistica e il “virtuosismo” della materia coreografica riservata alla danzatrice
principale, come già in Ballet Imperial (1941) sul Secondo Concerto per pianoforte e orchestra dello stesso
compositore.
Qualcosa di simile ad Allegro Brillante si è notato anche
con In the Middle, Somewhat Elevated di William
Forsythe (musica di Thom Willems), che la CND danzò con maggior successo nel 1992. La compagnia, che
crede erroneamente di trovare protezione dietro quella
certa disinvoltura implicita nello stile, mostra di nuovo
le sue debolezze. Il coreografo non vuole nessun abbandono nella terminazione del fraseggio ma scioltezza
nella prosecuzione del tema principale e del suo pro-
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gressivo sviluppo; un esercizio complesso della poetica del coreografo e di un genere che ha avuto una notevolissima influenza sull’estetica coreografica degli ultimi 25 anni; lo stesso Forsythe finì, per così dire, per
citare se stesso interpolando questo lavoro nella seconda parte di Impressing the Czar (1988). Qui l’interpretazione della CND mancava di risalto e sicurezza, di
“peso” nei danzatori principali.
Infine c’era Appartamento di Mats Ek, che attinge
dalla quotidianità. La frase del coreografo: “La messa
in scena della società, in quanto tale, è molto ricca” si
spiega da sé e acquisisce spessore servendo da canone
estetico e da motto. La parte migliore di Appartamento
sta nelle tre sezioni centrali (gli aspirapolvere, il duo
della porta e il terzetto maschile), ma nel suo insieme
resta un balletto forte e compatto, pieno di deliziosi
suggestioni sottili che portano lo spettatore a scegliere
il suo personaggio e a terminarne la fisionomia. Come
se chi guarda dovesse contribuire al disegno finale.
La presentazione di Appartamento è stata la migliore
di questo programma-insalata, il che permette di capire
ciò che la compagnia può fare e no. È dunque su questo tipo di opere contemporanee che la CND dovrebbe
concentrare i suoi sforzi e le sue magre risorse, dato
che qui il risultato non è irritante e il livello è accettabile – il minimo che si possa esigere da una compagnia
nazionale e statale.
Roger Salas
Ferri-Cornejo-Clarke
Ferri e Chéri a Ravenna
Chéri – cor. e regìa Martha Clarke, mus. varie
Ravenna, Teatro Alighieri (Ravenna Festival 2014)
Della danza in sé, c’è poco da dire perché qui conta
poco o nulla. Martha Clarke è coreografa mediocrissima (come s’è visto l’anno scorso alla Scala nel peggior
spettacolo della stagione, quello sciaguratamente dedicato alle canzonette di Vasco Rossi). Ma non importa.
Chéri è uno spettacolo per Alessandra Ferri e come tale
ha avuto un meritato successo.
Alfio Agostini
Quello di Ravenna è ormai uno dei più importanti
festivals italiani, anche per la danza. Infatti la sua sezione danza – tra le numerose serate di teatro, musica,
opera e altre arti della scena – vale da sola come un
festival di danza vero e proprio e, data la qualità delle
proposte, non dei minori.
In giugno si è visto tra l’altro lo spettacolo che ha
segnato il ritorno in scena di Alessandra Ferri a New
York lo scorso anno (recensito da Anna Kisselgoff sul
numero 244 di questa rivista). È uno spettacolo “da camera” in tutti i sensi: per la dimensione raccolta (resa
benissimo nel bel Teatro Alighieri di Ravenna), con musica pianistica dal vivo, ma anche perché la tenue vicenda (chiarita da brevi parti recitate da un’attrice) si
svolge quasi tutta in una camera da letto, concentrando
così Chéri, il racconto (1920) della scrittrice francese
Colette, sulla passione sensuale di una donna matura
per un giovanotto.
Vedendo ora lo spettacolo, non si può non essere d’accordo con Anna Kisselgoff la quale osservava che Alessandra Ferri appare fin troppo giovane per il ruolo! Ed
è un gran complimento alla ballerina cinquantenne che
torna a danzare dopo sette anni di un’interruzione che
sembrava definitiva (e che tale era stata dichiarata). La
forma fisica in effetti è sorprendente, le linee sono quelle
che le conosciamo da sempre, come pure lo stile
inconfondibile di movimento, trepido, languoroso e volitivo al tempo stesso.
Il suo partner, Herman Cornejo (dell’American Ballet
Theatre) qui è perfetto, danzatore di grandi doti e interprete migliore oggi di quanto non fosse quand’era giovane straordinario virtuoso.
DanceHaus Company/Valeria Magli
Un solo d’epoca per il progetto
Ric.Ci
Pupilla – cor. Valeria Magli – mus. varie
Ravenna, Teatro Rasi (Ravenna Festival)
È un’artista lieve, raffinata, anticonformista e mossa
da un pungente “sense of humour”. Negli anni Ottanta
Valeria Magli firmò performances, installazioni, video
sperimentali e spettacoli in forma di “one woman show”.
Ha danzato a suo modo la poesia, in pratica inventando un genere, equivalente a una maniera originale d’interpretare in scena versi poetici. Definì “poesia ballerina” la sua ricerca, che, soprattutto all’inizio, puntava
alla creazione di movimenti scanditi sul suono e il ritmo del verseggiare. È sempre stata una solitaria allergica ai filoni e alle mode.
Oggi è tornato alla ribalta un suo pezzo del 1983,
Pupilla, votato all’indagine del rapporto tra bambole ed
erotismo. Dopo un’anteprima a Bisceglie, in Puglia, lo
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Ravenna
Festival:
Alessandra
Ferri,
Herman
Cornejo:
“Chéri”,
c. Martha
Clark (ph.
J. Marcus)
spettacolo è stato presentato in giugno al Ravenna Festival.
Partendo da un assolo montato a suo tempo per se
stessa, Valeria ne ha ridisegnato la coreografia dedicandola a tre giovani interpreti, Chiara Monteverde, Armida
Pieretti e Susanna Vettori, della compagnia DanceHaus
di Susanna Beltrami. Il tappeto musicale di Pupilla include Debussy e Fauré, e nel collage di testi figurano
Pascoli e Saba.
Il percorso prende il via dall’immagine di una signora
allo specchio, ispirata alla Comtesse de Beaumont fotografata da Man Ray. Segue una carrellata di visioni
nei misteri e nelle perversioni dell’infanzia, in un succedersi di figure appartenenti alla vasta famiglia dei fantocci e degli automi: una Frankestein al femminile, la
donna-macchina ideata da Max Ernst e Die Puppe, plasmata da Hans Bellmer con arti quadruplicati e seni ingigantiti. Densi i riferimenti alle avanguardie storiche,
in un progetto di miniature coreografiche dal clima onirico.
Pupilla è rinato grazie a un’iniziativa curata da Marinella
Guatterini e denominata “Ric.Ci”, ovvero “Reconstruction
Italian Contemporary Choreography”, che ha riproposto
in vari teatri i titoli più notevoli della tradizione italiana del “nuovo” di fine Novecento.
Leonetta Bentivoglio
sionata dalla compagnia tedesca. E tra le due, il celebre Chant du compagnon errant di Maurice Béjart sull’opera di Gustav Mahler, Lieder eines fahrenden
Gesellen.
Il primo lavoro, No Men’s Land del coreografo romeno Edward Clug (40 anni), riserva più di una sorpresa: gli uomini entrano eseguendo un pas de bourrée
(in mezza-punta), un passo solitamente riservato alle
ragazze. Nel corso del lavoro, delle specie di giacche
scendono all’alto e i danzatori si nascondono dietro di
esse prima di indossarle. La coreografia sprigiona una
grande forza, che sia nel lavoro a terra o nel contatto
tra i solisti. A volte danzano in fila davanti al pubblico e qui possiamo constatare ancora una volta che il
Balletto di Stoccarda è una delle compagnie con i migliori danzatori uomini. Ho visto il secondo cast,
capeggiato da un Brent Parolin convincente.
Ci sono quelli a cui il rumore delle punte che toccano terra infastidisce, e quelli che al contrario lo amano. Demis Volpi, argentino, sulla trentina, l’ultimo coreografo stabile del Balletto di Stoccarda, fa parte del
secondo gruppo. Le punte sono al centro del suo
Aftermath, dal punto di vista coreografico e dal punto
di vista acustico. La coreografia, aggressiva, sfrutta tutte
le possibilità della danza in punta. Alcuni movimenti
ricordano Forsythe, altri sono più originali. Le danzatrici
camminano in disequilibrio in punta ma con fare determinato. La solista Hyo-Jung Kang è strabiliante.
L’11 marzo 1971 Paolo Bortoluzzi e Rudolf Nureyev
danzarono per la prima volta Le Chant du compagnon
errant. Era l’epoca in cui Maurice Béjart era al centro
dell’attenzione nel mondo della danza e dello spettacolo in generale con il suo Ballet du XXe Siècle. La
coreografia è lenta, pesante, terrestre. I due solisti del
Balletto di Stoccarda che ho visto sono molto diversi:
Evan McKie, longilineo, è il tipo del danseur noble
per eccellenza (ha avuto un notevole successo ultimamente all’Opéra di Parigi nel ruolo di Oneghin); Jason
Reilly, dal fisico atletico, è tutto muscoli. All’inizio
questa disparità quasi infastidisce. Ma poi suscita interesse.
Emmanuèle Rüegger
Balletto di Stoccarda
Volpi: l’irresistibile rumore
delle punte
No Men’s Land – cor. Edward Clug, mus. Milko Lazar;
Lieder eines fahrenden Gesellen – cor. Maurice Béjart,
mus. Gustav Mahler; Aftermath – cor. Demis Volpi,
mus. Micheal Gordon
Stoccarda (Germania), Opernhaus
Questa serata del Balletto di Stoccarda era strutturata con chiarezza: il primo lavoro era danzato da soli
uomini, 20 per la precisione, e l’ultimo da sole donne,
25. La musica di queste due creazioni è stata commis-
Stuttgart
Ballet:
“Aftermath”,
c. Denis Volpi
(ph. Stuttgart
Ballet)
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con la coreografia di Ashton, mentre in Florida questi
artisti hanno affrontato con gioia i lavori che hanno danzato: i movimenti del busto erano come devono essere,
braccia e collo erano espressivi e il lavoro di piedi rapido e accurato.
Birthday Offering era l’omaggio di Ashton a sette ballerine di quello che sarebbe stato presto ribattezzato
Royal Ballet, nel 1956; ognuna aveva un assolo cucito
sulla misura delle sue peculiarità, per cui riuscire a danzar bene e con naturalezza questi assolo è molto difficile. Devo dire che da molto tempo non vedevo questo
balletto così ben danzato, con una chiara distinzione tra
le sette ballerine e con quel gradevole senso di facilità
nel rendere lo stile cesellato e così speciale del coreografo.
Il Sarasota Ballet è una compagnia composta da personalità distinte di danzatori e questo è un elemento
fondamentale per la riuscita dei lavori di Ashton, che
coreografava proprio sui singoli artisti. I danzatori hanno
anche capito che l’understatement è la chiava di tutto;
nulla dev’essere esasperato, così che lo chic in Les
Rendezvous (1933) o l’ironia in Façade (1931) sgorgavano dal movimento stesso.
Webb non si è accontentato di questi balletti noti ma
ha anche ripreso due lavori quasi dimenticati: Sinfonietta
(1967), una trasposizione coreografica sofisticata della
musica di Malcolm Williamson e Valses Nobles et
Sentimentales (1947) che è un seducente interludio romantico sulla musica di Ravel. In questo modo Webb
ha riportato in vita due balletti in pericolo di estinzione e ha permesso al pubblico di assistere a un’altra
sfaccettatura di Ashton.
Il contratto di Webb è stato prolungato di 10 anni e
c’è molto altro che il direttore vuole salvare del repertorio di Ashton e non solo. A giudicare da questo festival,
Sarasota proporrà momenti molto belli.
Gerald Dowler
Frederick Ashton Festival
L’America custode di Ashton
Sarasota (Stati-Uniti), Sarasota Opera House
Frederick Ashton, il grande coreografo delle origini
delle compagnie reali inglesi, che con il suo lavoro ha
creato quello che è riconosciuto come lo stile inglese
della danza classica, è diventato quasi un estraneo nel
suo Paese. Il Royal Ballet di Londra non è stato un guardiano attento della sua opera e sembra incline a dare
una certa immagine di Ashton, quella dell’autore di balletti esteticamente gradevoli. L’atteggiamento della compagnia sembra più dettato da un senso del dovere che
dall’entusiasmo. Il Birmingham Royal Ballet fa meglio
e, probabilmente, danza i suoi lavori con maggiore fedeltà stilistica.
Ad ogni modo il piccolo Sarasota Ballet, nella cittadina della Florida che si affaccia sul Golfo del Messico, ha fatto vergognare entrambi. La ragione è semplice: Iain Webb, ex danzatore del Sadler’s Wells Royal
Ballet e poi del Royal Ballet è il loro direttore e, con
sua moglie, l’ex ballerina Margaret Barbieri, ha formato in pochi anni il più ricco repertorio attivo di opere
di Ashton che qualunque compagnia del mondo possieda. In un festival di quattro giorni in omaggio al coreografo la compagnia ha presentato 8 suoi balletti completi e diversi brani creati nell’arco di cinquant’anni,
mostrando i frutti del loro lavoro di appassionati di
Ashton e riuscendo a coinvolgere un pubblico locale
che ha sostenuto l’impresa.
Webb dirige una compagnia volenterosa e giovane che
affronta Ashton con freschezza e disinvoltura; troppo
spesso i danzatori inglesi appaiono nervosi alle prese
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Sarasota
Ballet:
“Sinfonietta”,
c. Frederick
Ashton
(p. F. Atura)
Hong Kong Ballet
Jorma Elo a Hong Kong
Les Sylphides – cor. Michel Fokine, mus. Fryderyk
Chopin; Corsaire Pas de Deux; Finding Light –
cor. Edwaard Liang, mus. Antonio Vivaldi; Five
Movements, Three Repeats – cor. Christopher
Wheeldon, mus. Max Richter; Shape of Glow –
cor. Jorma Elo, mus. Wolfgang A. Mozart, Ludwig
van Beethoven
Hong Kong, Cultural Centre
L’Hong Kong Ballet ha presentato recentemente un programma misto intitolato “Les
Sylphides and More”.
Il titolo d’apertura era Les Sylphides, il capolavoro astratto di Michel Fokine d’inizio Novecento. Questa produzione è una felice aggiunta
al repertorio di quest’importante compagnia cinese di balletto con sede a Hong Kong e diretta dal 2009 dalla svedese Madeleine Onne.
Alla prima, tuttavia, il corpo di ballo è parso
rigido il balletto non ha trovato la giusta fluidità.
La parte più interessante è arrivata alla fine:
Shape of Glow, creato espressamente per questa
compagnia da Jorma Elo, il coreografo finlandese
del Boston Ballet. Su una musica che unisce
Mozart e Beethoven, questo lavoro di 20 minuti, immerso nell’oscurità, si compone di tre sezioni. È un lavoro dinamico concepito per l’insieme della compagnia, senza figure solistiche di
spicco. I danzatori indossano accademici neri o
blu. Lo stile ricorda uno dei capolavori di Forsythe,
In the Middle, Somewhat Elevated.
Nell’allegro iniziale, la coreografia è di un virtuosismo abbagliante. Nell’adagio della seconda
parte danzano diverse coppie: è la sezione migliore delle tre. La coppia principale con Li JiaBo e Liu Miao-Miao ha particolarmente ben figurato. La parte finale si apre su un terzetto seguito
da un serie di sfavillanti assolo maschili, ma la
coreografia manca di struttura e coerenza. Tra i
danzatori negli assolo svettavano Li Jia-Bo e Shen
Jie. Nel suo insieme, questo nuovo lavoro è indubbiamente un’esibizione spettacolare di tecnica che la compagnia ha ben danzato, ma manca
di una dimensione emozionale e di profondità.
Tre passi a due figuravano nella seconda parte
del programma. Il primo era il Corsaire Pas de
Deux con due solisti del Balletto Reale Svedese,
Jordan-Elizabeth Long e Adilijiang
Abudureheman, il cui virtuosismo però è parso
scialbo. L’esibizione migliore della serata è stata
quella della coppia formata da Yuan Yuan Tan e
Damian Smith, entrambi principals del San
Francisco Ballet. La Tan, che è anche “guest
principal” dello Hong Kong Ballet, appare di solito
con la compagnia ogni primavera. Prima hanno
danzato l’intenso duo Finding Light di Edwaard
Liang, trovando un’intesa perfetta. Sono poi parsi
di una bellezza ancora più estatica nel breve duo
Five Movements, Three Repeats di Christopher
Wheeldon. Qui la Tan ha potuto mettere in luce
la qualità plastica del suo movimento. Braccia molte
espressive e gambe che fluttuavano sulla scena.
Un duo perfetto per questa splendida coppia.
Kevin Ng
L’Italia in ballo IV
Alla quarta e ultima puntata di questo commento sulla spinosa questione del “sistema
danza” in Italia, bisognerà guardare ai due fronti, classico e contemporaneo. Delle istituzioni liriche dove si incontra il balletto si è già parlato, ma ora è bene aggiungere
qualche dato utile per confrontarci con i teatri europei che ospitano compagnie accademiche importanti.
Se non si vuole considerare la centralità del balletto in Russia, dove gli spettacoli annuali sono mediamente 200 al Teatro Marinsky di San Pietroburgo e altrettanti al Bolshoi
di Mosca (sappiamo che per l’arte di Tersicore l’”eccellenza”, parolaccia inflazionata,
è lì), l’Opéra di Parigi allinea pur sempre 140 rappresentazioni – si dirà in questo caso
che il balletto in Francia tradizionalmente predomina sull’opera – e il Royal Ballet inglese va in scena 120 volte – ma si sa che gli inglesi sono ballettomani. Però ecco che
l’Opera di Vienna – dove la musica conta qualcosa – programma 80 serate di ballo. In
Italia, Il Balletto della Scala è in scena una settantina di volte, quello dell’Opera di Roma
53 e quello del San Carlo di Napoli 25. Cifre che parlano da sole. È persino banale
osservare che più si danza meglio si danza, più si danza più emergono talenti, più si
danza più il pubblico si addestra ad apprezzare il balletto, più si danza più si apre il
ventaglio del repertorio proponendo magari Robbins, Van Manen, Forsythe, Kylián,
Cunningham, ecc ecc…
Da noi invece si procede a colpi di gala di “qualcuno and friends”. Meglio che niente,
ma la cultura coreografica non cresce certo in questo modo.
Sul fronte danza contemporanea, invece, saremmo in piena fioritura, anche se non con
la stessa intensità su tutto il territorio nazionale, certo in molte regioni. Parliamo qui di
danza contemporanea italiana. Come mai adesso se ne incontra una quota significativa
nei cartelloni, nei festival, nelle rassegne, al di là del fatto che chi la programma possa
godere eventualmente di maggiori finanziamenti pubblici? Che cosa sta succedendo? L’Italia
è diventata virtuosa e promuove la sua danza?
La recente NID Platform a Pisa, è stata supportata, oltre che dal Ministero dei Beni e
delle Attività Culturali e del Turismo-Direzione Generale per lo spettacolo dal vivo,
guardando appunto alle Regioni, da Fondazione Toscana Spettacolo (capofila), Circuito della Danza del Friuli Venezia Giulia, Associazione Marchigiana Attività Teatrali,
“Arteven” Assocazione del Veneto, Circuito Danza Lombardia, Circuito Regionale della Danza in Sardegna, Associazione Teatrale Emilia Romagna, Circuito Campano della
Danza, Teatro Pubblico Pugliese.
Su www.nidplatform.it si trova l’elenco dei partecipanti, che comprende – si noti bene
– due compagnie ospiti, quella di Virgilio Sieni e l’Aterballetto, a cui evidentemente si
riconosce lo status di gruppi arrivati e consolidati. Da mettere entrambe “nello stesso
scaffale”? Ognuno ci ragioni sopra, pensando al loro peso e alla loro vocazione.
Compratori? Per questa edizione del NID la lista degli invitati stranieri è nutrita, specie
da Belgio, Francia, Olanda, Inghilterra. Ed ecco, con loro, le tavole rotonde su Danza
nei Musei, Case della Danza, Luoghi nel Mediterraneo, Networking, Bilateralità e Cooperazione. Sarà interessante vedere poi “quanta Italia” gli operatori stranieri venuti ad
assistere alla piattaforma metteranno nei loro futuri programmi.
Da vedere anche quanti scambi ci saranno poi realmente tra i centri coreografici italiani
(Collegno-Balletto Teatro di Torino, Reggio Emila-Aterballetto, Firenze-Sieni, CataniaScenario pubblico) e quelli stranieri.
Ma un altro elemento è finalmente entrato in gioco, le reti europee, che hanno “costretto” la nostra “naturale anarchia” a darsi procedure e modi operativi più ordinati. Una
buona notizia finalmente. Guardando al festival Interplay di Torino, partner italiano
del network Dance Roads, e alle compagnie presenti nell’edizione 2014, è facile notare
che molte nuove proposte hanno fruito di sostegni internazionali. Si veda Luca Trevisani,
finalista al New York Prize e al MAXXI, Giorgia Nardin, selezionata per l’Italian Showcase
dell’Edinburgh Fringe Festival, e Manfredi Perego, vincitore del Premio Equilibrio –
seleziona i finalisti Sidi Larbi Cherkaoui – della Fondazione Musica per Roma. Daniele
Ninarello è coprodotto da Tanztendenz München, Ambra Senatore vanta una lunga lista di co-produttori in Francia, in primis la Biennale de Lyon; Riccardo Buscarini ha
vinto il The Place Prize a Londra l’anno scorso. Interplay è partner della rete spagnola
“Ciudades que danzán” e di Danse à Lille, oltre a godere della collaborazione di Israele
e Olanda. Di questo non c’è che rallegrarsi, quando si superi finalmente la dimensione
coreografica ristretta al solo, al duo o al massimo al trio. L’Italia ha bisogno di coreografi – e non solo di performers – capaci di lavori “forti”, di crescita nella capacità ideativa
e produttiva. Coraggio, l’Europa ci guarda.
Elisa Guzzo Vaccarino
47
B a l l e t Tu b e
Stavolta, cerchiamo su YouTube diversi video di un passo a due d’antiquariato, “Le Carnaval de Venise”, danzato
da diversi interpreti. Cristiano Merlo li mette qui a confronto, invitando il lettore a verificare. I video in questione
si trovano sul canale YouTube: magazineBALLET2000
Sedotti da Satanella
Il passo a due Le Carnaval de Venise, su
musica di Cesare Pugni, fu creato da Marius
Petipa nel 1859 per la celebre ballerina Amalia
Ferraris e per se stesso, e poi aggiunto a una
delle sue versioni di Satanella (questo il titolo con cui il grande coreografo presentò in Russia il balletto Le Diable amoureux). Di Satanella
si danza ormai solo questo pas de deux (che
è appunto anche noto come Satanella).
La coreografia continua a essere attribuita
a Petipa. Tuttavia la parte maschile è chiaramente una rielaborazione successiva (come tutte
le variazioni maschili che si danzano oggi nei
balletti di Petipa), tanto da sembrare un esercizio di grande allegro piuttosto convenzionale, condito con qualche exploits tecnico. Si
ritiene invece verosimile che la parte femminile discenda direttamente da Petipa: la variazione è un ricamo di piccoli passi ritmato
dal brio del tacqueté delle punte e ornato dal
gioco vezzoso del port de bras e degli
épaulements. Il tema a cui allude il passo a due è del resto quello della seduzione femminile,
con il suo misto di grazia e di
diabolica malizia.
Le Carnaval de Venise si
vede oggi raramente e ancor più
raramente nella forma del grand
pas, cioè con contorno di coppie di corpo di ballo. Sicché anche
i video su YouTube sono scarsi e pochissimi sono quelli con
danzatori noti, ma permettono
comunque qualche osservazione.
È sempre bene partire dalla
“casa-madre”: Svetlana
Efremova dell’allora Balletto
Kirov (in un filmato
presumibilmente degli anni 80,
con Valery Emets) fa al caso nostro. In ogni momento del passo a due (entrée, adagio, variazione e coda), la ballerina russa
mostra una qualità di movimento ariosa, con quell’effetto di apparente spontaneità che nasconde prodigiosamente l’artificio; il
registro “grazioso” del brano è
reso con freschezza e disinvoltura, senza affettazioni e
manierismi di sorta. La lunga variazione è quasi un flusso unico in cui le diverse legazioni si
inanellano senza soluzione di
continuità, anche grazie alla scelta di un tempo musicale soste-
nuto. La coda con il virtuosismo dei développés
en avant en tournant è davvero sfavillante.
Può essere interessante il confronto con un
video del 1995 in cui danza Aurélie Dupont
(affiancata da Stéphane Phavorin). A differenza della Efremova, qui, infatti, la ballerina francese punteggia la variazione di pause e accenti
molto netti, ricercando un fraseggio cadenzato (è una scelta interpretativa piuttosto ricorrente). Le pose del busto e dei polsi spezzati
ricordano più in verità la Colombina di un altro passo a due della tradizione russa,
Harlequinade, con cui Le Carnaval de Venise
sembrerebbe intrattenere legami stilistici.
Inopinatamente e a suo capriccio – parrebbe
– la Dupont ha sostituito però la sequenza
di pas de bourrée tacquetés (tipici di questa
variazione) con piccole e rapidissime glissades.
Evghenia Obraztsova danza spesso questo
passo a due nei gala: il personaggio di Satanella
sembra le si addica molto (aiutata forse anche dalla chioma biondo tiziano, da vera diavolessa).
Con lei su YouTube si trovano un
video di prova e due di scena, uno
con Vladimir Shklyarov e l’altro
con Alexander Sergheyev. In quest’ultimo i due danzatori accentuano decisamente la “trama narrativa” dell’adagio, ossia il gioco
galante del corteggiamento (come
nel già citato Harlequinade): lui
che le svela il volto mascherato,
lei che si schermisce, lei che fa la
preziosa, lui che si risente… Il port
de bras della Obraztsova si libera a volte della forma classica per
suggerire appunto le sfumature del
dialogo amoroso. Alla fine dell’adagio e della coda, con la posa
di lei in quarta posizione in punta, ecco che lui si avvinghia letteralmente alle sue gambe, in un
moto di passione, come ad averla catturata e ormai conquistata.
Anche se Satanella non se ne dà
per intesa... Se fatto con gusto e
con ironia, come in questo caso,
può essere una vera delizia.
Cristiano Merlo
Evgenia
Obraztsova:
“Le Carnaval de
Venise” (ph. V.
Komissarova)
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MultiMEDIA
Sylvie Guillem: “Bye”, c. Mats Ek (ph. C. Macmillan)
DVD
Sylvie Guillem alla Mats
Ek
Bye – cor. Mats Ek, mus. Ludwig van
Beethoven, regia Mats Ek – Byltet AB
Nel 2011 Mats Ek ha creato Bye per la
superstar Sylvie Guillem (una richiesta della
ballerina stessa), che è uscito ora in dvd.
Il coreografo svedese (che è qui anche regista) le ha regalato tutta quella sua tipica gestualità
aperta, ampia e schietta, in un assolo intimo
per una ragazzina cresciuta che si pettina ancora con una lunga treccia, con camicetta fantasia, golfino verdolino, gonnella zafferano,
calzine fucsia e scarpette da jazz che lasciano
il posto ai piedi nudi.
Ogni espressione del volto e del corpo della
“iper-ballerina” è chiara, evidente, come una
freccia lanciata nelle note della Sonata per pianoforte, op 111 di Ludwig van Beethoven eseguita da Ivo Pogorelich. Un pannello-porta su
un dove ignoto è lo schermo per le orme delle
mani della Guillem e
per un suo doppio –
in dialogo con lei – in
video di colore grigio
latteo; poi arriva un
uomo, anche lui in abiti casual: una presenza che non oltrepassa la parete, ma resta
un’immagine, forse un
ricordo, come il vecchio cane e le persone di varie età che pure
compaiono a seguire.
49
Via via la coreografia aumenta di voltaggio, rivelando inquietudini segrete, disegnando passi
accademici, accelerando e rallentando, indagando
come muoversi a ogni livello e in ogni angolo
dello spazio buio, scandito da campiture di luce
geometriche.
Se ne va la rossa Sylvie, alla fine, come
un’Alice (quella del paese delle meraviglie) che
abbia attraversato lo specchio-schermo, con la
gente del filmato, tra cui anche Ek. Tutti hanno perso il colore, ma non la poesia.
Nei bonus del DVD si vedono la Guillem
che racconta come è nato il pezzo, Mats Ek
che parla del tocco quasi ragtime del pianista,
che dà le direttive ai cameramen e alla protagonista, nelle fasi di prova delle riprese rivelando anche gli accorgimenti tecnici, secondo
indicazioni coreografiche esatte. Nulla è improvvisato o lasciato al caso.
E.G.V.
insieme programmatori creativi interessati a tradurre la coreografia e la danza in nuove forme
digitali. Gli artisti già presenti in questa sezione del sito sono Deborah Hay, Jonathan
Burrows e Matteo Fargion, Bebe Miller e
Thomas Hauert, ma si menziona pure la
Random Dance di Wayne McGregor, notoriamente impegnato nel riportare alla danza gli esiti,
ad esempio, delle neuroscienze.
Trailer, documentazione, possibilità di iscriversi a una newsletter e rimando a un libro,
Motion Bank: Starting Points & Aspirations,
completano questa importante zona del sito.
Il padre Cunningham. Online su
www.mercecunningham.org da non perdere i
video che illustrano il lavoro straordinario di
Merce Cunningham su tecnica, danza, Events,
repertorio, temi come The Prepared Mind: John
Cage e David Tudor, i musicisti che hanno lavorato una vita accanto al coreografo, e anche
The Last Interview con lui. Storia, archivi,
bibliografia arricchiscono l’approccio all’opera di un vero, grande, maestro, che ha segnato
il Novecento e seguita a influenzare fortemente i primi decenni di questo nuovo millennio.
E.G.V.
Libri
Merce Cunningham e John Cage a New
York negli anni ‘70
Web
Forsythe e gli altri tecno-coreografi. Come
orientarsi nelle più recenti piste di ricerca su
cui ha lavorato William Forsythe? Come capire dal di dentro il suo percorso non solo con
la propria compagnia ma anche attraverso le
sue creazioni non teatrali? Il sito
www.theforsythecompany.com fornisce moltissime utili chiavi di accesso con un testo di
Forsythe stesso alla voce Essay. Si intitola
Choreographic Objects e riflette su spazio, tempo, corpo dal punto di vista dell’organizzazione
del pensiero coreografico ad ampio raggio, applicato alla danza, alle installazioni, alla “performance art”, ai film.
Alla voce Motion Bank, fondamentale, si trova
tutto ciò che c’è da sapere su quest’area
progettuale che nasce dal lavoro di molti esperti
di neotecnologie di varie università e istituti di
ricerca e dal contributo degli artisti, tra cui David
Kern, danzatore di Forsythe, che ha sviluppato il programma PM2GO finalizzato a organizzare, memorizzare ed elaborare i materiali,
video, testi, ecc. creati durante le prove in studio.
PM2GO può essere scaricato, usandolo non
solo per la danza, ma per qualsiasi evento dal
vivo. Cinque video-tutor supportano chi desidera installarlo e imparare a servirsene. L’intento è di creare una rete di coreografi, danzatori
e ricercatori che apportino il loro contributo
alla Motion Bank, organizzando inoltre dei Laboratori di codificazione coreografica,
Choreographic Coding Labs, con nuovi
partners ovunque. Questi laboratori mettono
Follia e disciplina – di Roberto Giambrone
– Mimesis
“Lo spettacolo dell’isteria”: il sottotitolo fornisce non solo le chiavi di lettura di questo saggio
acuto che indaga nel teatro e nella danza, ma
illustra anche con molti chiari esempi le ragioni per cui tanti spettatori nel secolo scorso (e
in questo) si rispecchiano in quella gestualità
infelice, deformata, violenta che ha
contraddistinto le avanguardie, da Artaud, storico del “teatro della crudeltà”, ai performers
invasati, fino alla pazzia, come Nijinsky.
Se l’antica tragedia greca aveva funzioni
catartiche, cioè serviva a far vivere fittiziamente
delitti e crimini seguiti infallibilmente dalla punizione per mano della giustizia divina, il
50
teatrodanza di
Alain Platel e di
Pina Bausch (a cui
qui sono dedicati
due saggi specifici)
e i lavori di Pippo
Delbono e di Emma
Dante, e ora del
gruppo Ricci-Forte
e di Giulio D’Anna, e di tanti altri
coreo-registi “del
dolore”, da Meg
Suart a Jan Fabre al
team Castellucci, svolgono funzioni, per così
dire, sostitutive della psicanalisi. Meglio il teatro del lettino. Perché? Il libro di Giambrone
ne spiega la ragione storica: perché questi autori hanno in sé il portato dello studio delle
patologie della psiche che tra fine 800 e primi
900 ha cambiato l’approccio alla comprensione delle radici delle emozioni umane. E, se si
intende il teatro come luogo privilegiato delle
emozioni esistenziali, risultano evidenti i motivi per cui ancora non siamo usciti dall’alveo
dell’esperienza novecentesca delle ricadute di
Freud, Jung, Lacan, sui palcoscenici moderni.
E.G.V.
Danza, media digitali, interattività – a cura
di Federica Mazzocchi, Antonio Pizzo, Alessandro Pontremoli – Bonanno Editore
Questo libro, a più voci, nasce dal lavoro di
Officine Sintetiche (una piattaforma di arti
performative e interattività digitale, da scoprire su www.officinesintetiche.it). Un esempio
di come gli studi universitari, e i laboratori connessi, tentino di inseguire una realtà che va molto
più veloce delle teorie. Memoria e storia, dalla
videodanza alla web dance (Pontremoli), drammaturgia multimediale (Pizzo), suono che disegna la scena (Enrico Pitozzi, docente universitario e performer), esperienze di danza
interattiva (Mazzocchi), la post-danza elettronica (Johnnes Birringer, professore di Performance Technologies a Londra) sono i capitoli
forti del libro che comprende anche un testo di
Robert Wechsler, formato allo studio
Cunningham, il quale operando sul campo, dà
consigli pratici sulla “motion capture”. È lui poi,
danzatore doc, a mettere in guardia: “il fascino
dello strumento può essere confuso con il fine…
con l’efficacia dal punto di vista artistico”.
Nel DVD a cura di Vanessa Vozzo annesso
al volume sono raccolte e mostrate, accanto ad
ampie interviste, alcune esperienze di spettacolo live in dialogo con le tecnologie: un teatro
con muri d’acqua, frutto di un atelier di cui si
vedono le fasi; la danza indiana millenaria applicata a temi e strumentazioni attuali con
Antonella Usai, che esprime con saggezza i suoi
dubbi sui limiti dell’interazione corpo-macchine
a scopo narrativo-artistico. Ariella Vidach e
Claudio Prati raccontano il proprio lavoro di
lunga lena, rispondendo alle domande di Chiara Castelazzi e descrivendone i problemi e le
soluzioni trovate per “usare il corpo naturale
in uno spazio sensibile tecnologizzato” a fini
comunicativi.
E.G.V.
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programmes • programmi • calendar • programmes TV programmi • calendar • programmes • programmi
Mezzo
Cie Mathilde Monnier: “Twin Paradox”
(ph. M. Coudrais)
Classica
www.mondoclassica.it
1, 3, 14. VIII: Annonciation – c. Angelin
Preljocaj – int. Julie Bour, Claudia de Smet;
Danza in scena: “Danzatori di domani: Petra
Conti”
5, 8, 10, 21. VIII: The Dream – c. Frederick
Ashton – The Royal Ballet, int. Merle Park,
Anthony Dowell
7. VIII: Casse-Noisette – c. Ruldolf Nureyev
– Ballet de l’Opéra de Paris
27. VIII: Magnificat – c. Heinz Spoerli –
Zurich Ballet
20, 26, 29, 31. VIII: Don Chisciotte – c.
Marius Petipa, Alexander Gorsky (Alexei
Ratmansky) – Het Nationale Ballet, int.
Anna Tsygankova, Matthew Golding
www.mezzo.tv
1, 13. VIII: Les Danses
polotvsiennes; Les
Sylphides – c. Michel
Fokine; L’Après-midi
d’un Faune – c. Vaslav
Nijinsky; Cleopatra – Ida
Rubinstein – c. Patrik de
Bana – Kremlin Ballet
2. VIII: Twin Paradox –
c. Mathilde Monnier
4. VIII: Dances at a
Gathering – c. Jerome
Robbins; Psyché – c.
Alexei Ratmansky –
Ballet de l’Opéra de Paris
8, 11, 16, 20. VIII:
Shéhérazade;
Le
Songe; Daphnis et Chloé
– c. Jean-Christophe
Maillot – Les Ballets de
Monte-Carlo
15, 18, 27. VIII: Giselle
– c. Jean Coralli, Jules
Perrot, Marius Petipa
(Charles Jude) – Ballet
de l’Opéra de Bordeaux;
Le Messie – c. Mauricio
Wainrot – Ballet de
l’Opéra de Bordeaux
22, 23, 25. VIII:
Cendrillon – c. Maguy
Marin – Ballet de l’Opéra
de Lyon; Grossland – c.
Maguy Marin – Het
Nationale Ballet; Ô
Sensei – c. Catherine
Diverrès – Cie Catherine
Diverrès
29. VIII: Wings of Wax;
Kaguyahime – c. Jirí
Kylián – Nederlands Dans Theater;
L’Oiseau de feu; Boléro – c. Maurice Béjart;
Clouds – c. Jirí Kylián – Ballet de l’Opéra
de Paris
30. VIII: Le Messie – c. Mauricio Wainrot;
Giselle – Ballet de l’Opéra de Bordeaux
1, 10, 13. IX: Wings of Wax; Kaguyahime
– c. Jirí Kylián – Nederlands Dans
Theater; Firebird; Boléro – c. Maurice
Béjart; Clouds – c. Jirí Kylián – Ballet
de l’Opéra de Paris
3, 6. IX: O Sensei... – c. Catherine Diverrès
– Cie Catherine Diverrès; Cendrillon –
c. Maguy Marin – Ballet de l’Opéra de
Lyon; Groosland – c. Maguy Marin – Het
Nationale Ballet
8, 17, 20. IX: Roméo et Juliette – c. Goyo
Montero – Compañía Nacional de Danza;
Bodas de Sangre – c. Antonio Gades –
Compañía Antonio Gades
12, 15, 24, 27. IX: Le Sacre du printemps;
The Great Mass – c. Uwe Scholz –
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Leipziger Ballett
17, 22. IX: Une Dernière Chanson;
Magifique; Le Spectre de la Rose – c.
Thierry Malandain – Ballet Biarritz
26, 29. IX: Balanchine in Paris (docum.);
A Midsummer Night’s Dream – c. George
Balanchine – Balletto del Teatro alla Scala, int. Alessandra Ferri, Roberto Bolle,
Massimo Murru
Mezzo live HD
www.mezzo.tv
2, 5, 7, 16, 19, 21, 22. VIII: Roméo et
Juliette – c. Goyo Montero – Compañía
Nacional de Danza; Bodas de Sangre
– c. Antonio Gades – Compañía Antonio Gades
9, 12, 14, 15, 23, 26, 28, 29. VIII: Le
Sacre du printemps; Grosse Messe – c.
Uwe Scholz – Leipzig Ballet
1, 2, 5, 6, 13, 16, 18, 19, 27, 29. IX: Le
Lac des cygnes – c. Marius Petipa, Lev
Ivanov (Heinz Spoerli); Magnificat – c.
Heinz Spoerli – Zurich Ballet
8, 9, 12, 20, 22, 23, 26, 27, 30. IX: La
Confience des oiseaux – c. Luc Petton;
Yo Gee Ti; Agwa – c. Mourad Merzouki
– Cie Käfig
Sky
www.skyprogrammeinformation.co.uk
2, 3. VIII: La Bayadère – c. Marius Petipa
(Natalia Makarova) – The Royal Ballet,
int. Tamara Rojo, Carlos Acosta,
Marianela Núñez
4, 5, 9, 10. VIII, 9, 10. IX: Giselle – The
Royal Ballet, int. Natalia Osipova, Carlos
Acosta
5. VIII: L’Arlésienne – c. Roland Petit –
Ballet de l’Opéra de Paris, int. Eleonora
Abbagnato, Jérémie Belingard
8, 9, 10, 13. VIII, 9, 10. IX: Jewels – c.
George Balanchine – Ballet de l’Opéra
de Paris
8. VIII: Nuages – c. Jirí Kylián – Ballet
de l’Opéra de Paris
11, 12. VIII, 11. IX: Romeo and Juliet –
c. Kenneth MacMillan – The Royal Ballet,
int. Lauren Cuthbertson, Federico Bonelli
30. VIII: Dust and Light – c. Alonzo King
– Alonzo King Lines Ballet
2. IX: Café Müller – c. Pina Bausch –
Tanztheater Wuppertal
3. IX: Le Lac des cygnes – c. Yuri
Grigorovich – Bolshoi Ballet, int. Maya
Plissetskaya, Nikolai Fadeyechev
13. IX: La Dame aux camélias – c. John
Neumeier – Ballet de l’Opéra de Paris,
int. Agnès Letestu, Stéphane Bullion
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PHOTO GALLERY
Robert Kleinendorst, James Samson, Lisa Viola – Paul Taylor Dance Company: “Brandenburgs” (ph. L. Greenfield)
James Samson – Paul Taylor Dance Company: “Company B” (ph. P. B. Goode)
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Robert Kleinendorst – Paul Taylor
Dance Company: “Airs”, c. Paul
Taylor (ph. T. Caravaglia)
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Paul Taylor Dance Company: “Cloven Kingdom”, c. Paul Taylor (ph. P. B. Goode)
Michael Tusnovec, Laura Halzack – Paul Taylor Dance Company: “Le Sacre du printemps (The Rehearsal)”, c. Paul Taylor (ph. P. B. Goode)
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Ballett Zürich: “Kairos”, c. Wayne McGregor (ph. J. Schlosser)
Ricardo Graziano, Victoria Hulland, Ricardo Rhodes – Sarasota Ballet: “Monotone’s II”, c. Frederick Ashton (ph. G. Shiavone)
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Hong Kong Ballet: “Shape
of Glow”, c. Jorma Elo
(ph. C. Dy-Liacco)
FOTO
Sterling Hyltin –
New York City Ballet:
“La Sonnambula”, c. George
Balanchine (ph. P. Kolnik)
59
FOTO
Polina Semionova, Roberto Bolle: “Passage”, c. Marco Pelle (ph. L. Romano)
Oriente Occidente: Silvia Azzoni, Alexandre Ryabko: “Désir”, c. John Neumeier (ph. H. Badekow.)
60
Ravenna Festival: Alessandra
Ferri, Herman Cornejo: “Chéri”,
c. Martha Clarke
(ph. J. Marcus)
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Charline Giezendanner, Pierre Arthur
Raveau – Opéra de Paris: “Psyché”,
c. Alexei Ratmansky (ph. S. Mathé)
USA International Ballet Competition:
Gisele Bethea, Michal Slawomir Wozniak:
“La Belle au bois dormant”
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Ygor Yebra – Ballet de l’Opéra de Bordeaux: “Icare”, c. Serge Lifar (ph. S. Colomyes)
Noëllie Conjeaud, Esteban Berlanga – Compañía Nacional de Danza: “Allegro Brillante”, c. George Balanchine (ph. J. Vallinas)
63
Stuttgart Ballet: “No Men’s Land”, c. Edward Clug (ph. U. Beuttenmüller)
Cie Laurent Chétouane: “Le Sacre du printemps”
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Marianela Núñez – The Royal Ballet,
London: “Don Quichotte”
(ph. J. Persson)
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