6 marzo 2016
Civica Scuola di Musica Antonia Pozzi
di Corsico (MI)
USS Comunicazione, Relazioni esterne e Stampa
Testi e correzioni bozze a cura di Emanuele Scataglini e Marzia
Steffani, con il contributo di S. Muri, T. Terraneo, A. Piovani, D. Modica
Progetto e sviluppo grafico a cura di Tiziana Terraneo
Organizzazione evento: Emanuele Scataglini, Donatella Modica
stampato presso il Centro stampa del Consiglio regionale
Con questo primo appuntamento del ciclo Ragazzi che concerto! si
inaugura la stagione musicale del Consiglio regionale per l’anno 2016.
La rassegna nasce dalla volontà di avvicinare sempre di più la nostra
istituzione ai cittadini con iniziative che rendano il Pirellone un “palazzo aperto”, riconoscibile come la Casa dei lombardi.
Sembra proprio che questa iniziativa sia particolarmente apprezzata,
data la partecipazione da parte del pubblico a questo e ad altri eventi
che è sempre più ampia.
La musica ha certamente un ruolo essenziale nella vita dell’uomo e
quello che avviene in orchestra e negli ensamble di musica da camera
è specchio di quanto accade nella realtà: l’ascolto reciproco favorisce
la ricerca di un messaggio comune nonostante le differenze, la musica
è un linguaggio capace di integrare le diversità, creare un senso di
appartenenza e orientare a progetti di vita.
Lo stesso Aristotele teneva in grande considerazione la musica giudicandola essenziale per l’educazione dei giovani essendo in grado di
esprimere i diversi sentimenti dell’essere umano e di temperarli
nell’esecuzione d’insieme e nel canto.
Il Consiglio regionale della Lombardia ha voluto dare spazio alle scuole
di musica di eccellenza del territorio lombardo, valorizzando il talento
dei nostri giovani.
Siamo sicuri che il pomeriggio in Palazzo Pirelli sarà un
evento da ricordare, al termine del quale il pubblico
potrà nuovamente dire Ragazzi che concerto!.
Raffaele Cattaneo
Presidente del Consiglio regionale della Lombardia
6 marzo 2015
Civica Scuola di Musica
Antonia Pozzi di Corsico
Rapsodia musicale nel tempo e nei generi
3 canzoni popolari
sudamericane
P.I. Tchaikovsky
R. Vinciguerra
S. Prokof'ev
I. Berkovich
P.T. Tanner
F. Chopin
F. Chopin
S. Prokof'ev
V. Firth
Cancao – Faz Hoje um ano – El Cachimbo
Ensemble di chitarre: Antonio Francesco Salmeri,
Marco Angeloni, Pietro Ruzzo, Roberta Ferraro,
Valerio Volpi, Dario Annovazzi
Valzer
Allegro della Sonatina del Giovedì
Gillian Valero, pianoforte
Valzer
Daniele Stucchi, pianoforte
Variazioni su un tema di Paganini
Morgana Angione, pianoforte
Sonata per marimba e pianoforte
Adriano Bortoluzzi, marimba
Silvia Giliberto, pianoforte
Scherzo n°2 in Si b minore op. 31
Matilda De Angiolini, pianoforte
Ballata n°1 in Sol minore op. 23
Suggestione Diabolica
Silvia Giliberto, pianoforte
Marcia per Timpani
A.Dvorak
G. Rossini
L. Berio
V. Bellini
S. Rachmaninov
J. Dowland
F. Tarrega
H.G. Broodman
W.A. Mozart
W.A. Mozart
B. Coulais
Rondò dal Concerto op. 104 in Si minore
Leonardo Duca, violoncello
Aria di Rosina dal Barbiere di Siviglia
Dalle Folk Songs “Loosin yelav – Ballo”
Elisa De Toffol, mezzo soprano
“Eccomi in liete vesti” dai Capuleti e Montecchi
Danae Rikos, soprano
Due movimenti dalla Suite op. 11 per pianoforte a
quattro mani
Silvia Giliberto, Ginevra Portalupi Papa,
Duo pianistico
Fortune
Lagrima
Francesco Antonio Salmeri, chitarra
Greetings to Herman
Ensemble di percussioni: Emilio Olivati, Renato
Taddeo, Adriano Bortoluzzi, Francesco Moiana
Duetto dalle Nozze di Figaro “Via, resti servita”
Danae Rikos, Elisa De Toffol
Terzettino da Così fan tutte “Soave sia il vento”
Danae Rikos, Elisa De Toffol, Marcello Giulini
Da Les coristes
“Vois sur ton chemin” - la Nuit - Cherv volant”
Coro “in ... Canto” diretto da Antonella Gianese
docenti
classe di Violoncello: Andrea Cavuoto
classe di Chitarra:
Filippo Bentivoglio
classe di Percussioni: Elio Marchesini
classe di Canto e direttrice del Coro: Antonella Gianese
classe di Pianoforte:
Lorena Portalupi, Maria Grazia Petrali, Paola Negri, Francesco Villa
Civica Scuola di Musica Antonia Pozzi - Corsico
presentazione
di D. Modica
La Città di Corsico ha visto, con la Civica Scuola di
Musica Antonia Pozzi, migliaia di giovani crescere con
la musica e confrontarsi con valori culturali ed etici di
primaria importanza quali l'impegno forte e costante per il
raggiungimento di un risultato.
Il rispetto di differenti forme artistiche, non solo musicali,
espressioni delle diverse culture presenti sul territorio; accrescimento e rispetto del sé per meglio stare con gli altri.
I tanti allievi formatisi alla Civica Scuola di Musica, affrontano il
futuro con determinazione ed alta preparazione. La qualità dello
staff dei docenti è inequivocabile garanzia di una preparazione
profonda e, per i metodi seguiti, sempre rivolta all'utilizzo di
modelli didattici d'avanguardia.
Attiva dal 1969, è in costante crescita nel numero di allievi, nelle
produzioni, nelle proposte e nelle collaborazioni. Ogni anno la
stagione concertistica, i saggi e le performance a tema, raccolgono un pubblico sempre più numeroso che risponde con attenzione alle proposte, trasformando la Civica Scuola di Musica da
istituzione volta solo alla didattica, ad organismo propositivo di
cultura sul territorio.
La presenza della Civica Scuola di Musica di Corsico alle numerose manifestazioni testimonia l’alto valore educativo e professionale raggiunto in questi anni: basti ricordare il gruppo di pianisti
che ha inaugurato la nuova e vitale Darsena di Milano nel
maggio 2015 e lo spazio che accoglie la Pietà Rondanini di
Michelangelo.
Infine il Coro In…Canto, diretto da Antonella Gianese, sabato 31
ottobre 2015 ha partecipato alla cerimonia conclusiva di EXPO
Milano alla presenza del Presidente della Repubblica Sergio
Mattarella e trasmesso in diretta mondovisione dalla RAI.
Questi riconoscimenti suggellano il lavoro formativo della
scuola, che fa crescere gli allievi nell’amore per la musica e nel
rispetto di tutti i valori che tale disciplina comporta: comunica-
zione, rispetto reciproco, collaborazione, fantasia, libertà. Alla
Civica Scuola Antonia Pozzi l’approccio alla musica inizia già dai 3
mesi di età con i corsi di ascolto in culla, un primo passo di sensibilizzazione verso il mondo dei suoni.
Dai corsi per bambini nei laboratori gioco-musicali, fino al completamento degli studi musicali o solo avvicinarsi con gioia allo
studio di uno strumento o per il piacere di fare musica insieme
ad altri, la Scuola è aperta a tutti coloro che vogliono avvicinarsi
al mondo della musica in maniera profonda e seria.
testi di
M. Steffani
I compositori
Vincenzo Bellini (Catania 1801 – Puteaux 1835)
Nato a Catania nel 1801, nonostante la sua breve vita fu
tra i più celebri operisti del primo Ottocento.
Figlio di un organista e maestro di cembalo, fu avviato dal padre allo
studio della musica: a sette anni già componeva. Grazie ad una borsa
di studio del Comune, diciottenne Bellini entrò al Conservatorio di
Napoli. Qui scrisse alcune composizioni che ottennero un successo
tale da fargli ricevere la commissione di opere dal Teatro alla Scala di
Milano.
Si trasferì quindi a Milano nel 1830, subito dopo il successo dell’opera
I Capuleti e i Montecchi. Nel 1831, la prima della Norma, scritta per la
Scala fu accolta con freddezza. La svolta decisiva nella carriera e
nell'arte del musicista catanese coincise con la sua partenza dall'Italia
alla volta di Parigi. Oltre ai Puritani, scritti in italiano per il ThéâtreItalien, a Parigi Bellini compose numerose romanze da camera, alcune
delle quali in francese, dimostrandosi pronto a comporre un'opera in
francese per il Teatro dell'Opéra di Parigi. La sua carriera e la sua vita
furono stroncate a meno di 34 anni. Morì a Puteaux, nei pressi di
Parigi, il 23 settembre 1835. Nel 1876 la salma fu traslata nel Duomo
di Catania, sua città natale.
Il suo talento nel cesellare melodie della più limpida bellezza, conserva ancora oggi un'aura di
magia, ma la sua originale personalità artistica
non si lascia inquadrare entro correnti musicali o
di costume. Legato ad una concezione musicale
antica, basata sul primato del canto, dove le armonie, i contrappunti e gli effetti strumentali hanno
valore soltanto in sua funzione portò, prima a
Milano e poi a Parigi, un'eco di quella cultura
mediterranea che l'Europa romantica aveva
idealizzato nel mito della classicità.
Luciano Berio (Oneglia 1925 – Roma 2003)
Luciano Berio nasce ad Oneglia (Imperia) il
24 ottobre 1925. Dopo aver iniziato gli studi
musicali col padre ed il nonno, entrambi
musicisti, li prosegue presso il Conservatorio
Giuseppe Verdi di Milano.
Esponente fra i più agguerriti e significativi dell'avanguardia musicale
contemporanea, ha esplorato diverse dimensioni compositive: dall'esperienza seriale alla musica concreta fino alle elaborazioni elettroacustiche e all'attenzione per il folclore, il jazz e la canzonetta. Si è dedicato tra i primi all'esperienza elettronica.
Nel 1954 fonda con Bruno Maderna lo Studio di fonologia musicale
alla RAI di Milano. Presidente e sovrintendente dell'Accademia di
Santa Cecilia dal 2000, Berio ha svolto una intensa attività didattica;
nel 2002 ha proposto un nuovo finale di Turandot di Puccini in sostituzione di quello realizzato da Franco Alfano.
Muore a Roma il 27 maggio 2003.
Frydryk Chopin (Zelazowa Wola 1810 – Parigi 1849)
Chopin nasce il 22 febbraio 1810 a Zelazowa Wola.
Subito dopo la sua nascita, la famiglia si trasferisce a
Varsavia dove Frydryk inizia giovanissimo lo studio
del pianoforte, dimostrando così precoci qualità a
otto anni dà il suo primo concerto.
Anche i normali studi scolastici offrono spunti ai suoi interessi musicali, poiché entusiasmandosi per la storia polacca, comincia a comporre
commenti musicali sui fatti più importanti, un interesse per la vita del
suo paese che sarebbe divenuto elemento costante della sua personalità e della sua ispirazione.
Terminati gli studi inizia nel 1829 la sua carriera di pianista. Nel 1830 a
causa dell'avversa situazione politica in Polonia si trasferisce a Vienna,
quindi nel 1831 a Parigi, dove farà apprezzare il suo stile appassionato
e malinconico. Comincia a frequentare i più prestigiosi salotti culturali
di Parigi, qui conosce la scrittrice George Sand, che avrà tanta parte
nella
nella sua arte e nella sua vita. Nel 1847 ha fine il legame di Chopin con
la Sand; l'anno dopo si reca in Inghilterra dove conosce Dickens e
Thackeray; a Londra tiene il suo ultimo concerto a favore dei profughi
polacchi e nel gennaio successivo torna a Parigi in pessime condizioni
fisiche ed in serie difficoltà economiche.
Muore a Parigi il 17 ottobre 1849. Grandiose sono le onoranze funebri: viene sepolto a Parigi accanto a Bellini e Cherubini; il suo cuore
viene portato a Varsavia, nella chiesa di Santa Croce.
Chopin trovò nel pianoforte il migliore mezzo di espressione dei suoi
sentimenti. Infatti quasi tutte le sue opere sono dedicate al pianoforte
con un tipo di melodie forse unico nella storia della musica (semplici,
pure, eleganti). E' definito il musicista "romantico" per eccellenza,
forse per la sua spiccata malinconia, ma non si può non notare che la
sua musica ricca di slanci ora appassionati ora drammatici è di un
vigore che a volte sfiora la violenza.
Bruno Coulais (Parigi 1954)
Di formazione classica, attivo sia in campo televisivo che
cinematografico fin dagli anni Ottanta, raggiunge la
notorietà alla fine degli anni Novanta grazie alla colonna
sonora del documentario naturalistico Microcosmos - Il
popolo dell'erba, film vincitore di cinque Premi César, fra
cui quello per la miglior musica.
Conquista un secondo César nel 2000 con Himalaya - L'infanzia di un
capo. Nel 2009 cura la colonna sonora di due candidati all'Oscar al
miglior film d'animazione, The Secret of Kells e Coraline e la porta
magica.
John Dowland (1563 – Londra 1626)
Molto poco si conosce della fanciullezza di
Dowland se non che nacque a Londra o a Dublino
nel 1563. È noto che andò nel 1580 al seguito
dell'ambasciatore inglese, di cui era dipendente,
presso la corte di Francia.
Qui si convertì al cattolicesimo per ripicca contro la regiona Elisabetta
I d'Inghilterra che non gli volle offrire un posto presso la sua corte.
Prestò poi la sua opera per molti anni alla corte del re Cristiano IV di
Danimarca. Ritornò a Londra nel 1606 e nel 1612 ottenne un posto di
liutista presso la corte di Giacomo I d'Inghilterra. Qui rimase fino alla
sua morte, avvenuta a Londra nel 1626.
Molte delle composizioni di Dowland sono scritte per liuto. La sua
opera più famosa è la canzone per liuto e voce Flow My Tears.
Antonin Dvorak (Nelahozeves 1841 – Praga 1904)
Nacque nel 1841 a Nelahozeves vicino a Praga. Il padre gestiva una
macelleria e una locanda ed era anche un suonatore di zither, uno
strumento a corda molto diffuso nelle regioni dell'impero austroungarico. Desiderava che il giovane Antonin seguisse l'attività di famiglia, ma il precoce talento mostrato dal figlio al violino fece sì che
questi seguisse prima un corso di studi formali nella piccola località di
Zlonice e, dal 1857, alla Scuola per Organo di Praga. Dopo lavori
ancora immaturi, si rivelò con un Inno per coro e orchestra (1873) e
con uno Stabat (1877).
La borsa di studio procuratagli dall'Inno
gli consentì di proseguire nell'attivià di
compositore, sempre più favorito dal
plauso internazionale, raggiungendo una
grandissima fama.
In America compose una delle sue opere
più importanti: la V Sinfonia, intitolata Dal Nuovo Mondo.
Ritornato in patria nel 1895, dal 1901 in poi diresse il conservatorio di
Praga fino all'anno della sua morte, il 1904. Compose un gran numero
di lavori in ogni genere, musica sacra, oratori, cantate, opere teatrali,
sinfonie, poemi sinfonici, danze e rapsodie slave, concerti e pezzi vari
per violino, violoncello, pianoforte e orchestra, serenate, notturni,
ecc., per diversi complessi strumentali, e molta musica da camera e
pianistica. Dvorak è considerato il maggiore compositore boemo; la
sua ricca musicalità è nutrita dalla la sua fede cristiana e dal suo amore
per l'eredità boema, caratteristiche che hanno fortemente influenzato
la sua musica.
Wolfgang Amadeus Mozart (Salisburgo 1756 – Vienna 1791)
Mozart nacque a Salisburgo il 27 gennaio 1756. Il
padre Leopold, musicista e maestro di cappella
presso l’arcivescovo di Salisburgo fu il primo a dare
ai figli, Amadeus e la sorella Nannerl, l’educazione
musicale, sfruttando al massimo le loro doti precoci. Amadeus iniziò a comporre prima di aver compiuto 6 anni.
Nel 1762 ebbero inizio i viaggi musicali di Mozart: il bambino era
dotato di un eccezionale talento e il padre non si lasciò sfuggire l'occasione di condurlo in giro, insieme con la sorella, per farlo conoscere e
ammirare. In una di queste occasioni Mozart fu presentato all'arcivescovo di Passau, a Vienna suonò alla presenza delle maestà imperiali.
Al ritorno dai suoi viaggi seguì un periodo di studio e raccoglimento e
cominciò a comporre ininterrottamente. Conteso dalla nobiltà, intraprese moltissimi viaggi a Vienna, mentre a Salisburgo l'incomprensione del nuovo arcivescovo Geronimo di Colloredo, uomo duro e grossolano, portò Amadeus ad abbandonare nel 1777 l’impiego presso
l’arcivescovo per andare a Parigi per una serie di concerti. Al suo ritorno, nel 1779, su consiglio e insistenza del padre tornò al servizio di
Colloredo, ma poco dopo ruppe definitivamente i rapporti con l'arcivescovo e, abbandonata Salisburgo, si trasferì definitivamente a
Vienna. Il decennio 1781-91 fu quello dei capolavori.
Scrisse Le nozze di Figaro, che fu un vero trionfo per Mozart, pur senza
trarne vantaggi economici notevoli. In seguito al successo ottenuto,
ebbe l’ incarico di scrivere una nuova opera il Don Giovanni, che fu
rappresentata per la prima volta a Praga il 29 ottobre 1787 ed ebbe
un'accoglienza entusiastica.
Sempre bisognoso di denaro, Mozart entrò in rapporti con Emanuel
Schikaneder, l'impresario del Theater auf der Wieden, il quale gli fece
balenare l'idea di scrivere un'opera di puro carattere tedesco. Nacque
così la terza delle maggiori opere teatrali di Mozart Il flauto magico su
libretto dello stesso Schikaneder, rappresentata il 30 settembre 1791
a Vienna.
Nell'agosto era stata composta, in soli dodici giorni, La clemenza di
Tito. La composizione del Requiem, iniziata nel luglio del 1791, fu
interrotta, con dolorosa coincidenza, dalla morte del musicista, avvenuta il 6 dicembre 1791. Rimangono però i suoi grandi capolavori. La
produzione di Mozart fu di una quantità veramente prodigiosa,
specialmente se si confronta con la sua breve vita: il catalogo delle sue
opere elenca 626 composizioni. Tutte le forme di ogni genere musicale interessarono l'inesauribile facoltà inventiva di Mozart, dalla
musica vocale sacra e profana alla musica teatrale, dalla musica sinfonica a quella da camera.
Sergej Prokof'ev (Soncovka 1891 – Mosca 1953)
Nacque a Soncovka il 23 aprile 1891 da una famiglia relativamente
benestante che lo introdusse fin da bambino allo studio della musica,
in particolare del pianoforte. Benché la famiglia non fosse propensa
ad avviarlo alla carriera musicale in così giovane età, nel 1904
Prokof'ev si iscrisse al Conservatorio di San Pietroburgo. Qui studiò
sotto la guida, tra gli altri, del maestro Nikolaj Rimskij-Korsakov,
guadagnandosi la fama di enfant terrible e diplomandosi in composizione nel 1909.
Nel 1918 inizia a viaggiare, tra Europa e Stati Uniti entrando in contatto con personalità e musicisti appartenenti a correnti d'avanguardia
inclini al politonalismo e all'espressionismo in voga in quegli anni.
Nel 1923 torna in Russia per partecipare attivamente al processo di trasformazione sociale e
culturale del suo paese, ma viene accusato di
formalismo dal miope apparato burocratico
sovietico di Stalin e, per forza di cose, nei dieci
anni che rimase in Unione Sovietica, il senso
estetico di Prokof'ev si affievolì da posizioni
d’avanguardia ad un andamento melodico più vicino ai desideri
dell'intellighenzia politica del momento.
Considerato come uno dei massimi musicisti del secolo scorso,
Prokof'ev vanta una prodigiosa tecnica compositiva progressivamente
elaborata sui modelli proposti da Liszt, Tchaikovsky, Stravinskij, Ravel,
Debussy e Honegger mantenendo una originalissima vena ironica,
sarcastica e persino grottesca propria di una eclettica personalità
artistica. Morì a Mosca nel 1953.
Sergej Rachmaninov (Velikij Novgorod 1873 – Beverly Hills 1943)
Nacque il 1 aprile del 1873 a Velikij Novgorod, in Russia. Dopo
un’infanzia difficile (il padre disperde tutto il patrimonio e abbandona
la famiglia) riesce a compiere gli studi musicali a Mosca grazie all’aiuto
del cugino Alexander Siloti, famoso pianista.
Durante questo periodo inizia a comporre e pubblicare le sue musiche che ottengono largo successo:
verso la fine dell'Ottocento la fama di questo musicista russo dall'invenzione melodica sopraffina si
espande in tutto il mondo.
Ma la prima esecuzione (1895) della sua Prima
Sinfonia si risolve in un disastro clamoroso gettando
Rachmaninov in una profonda depressione.
In questo periodo si accresce la sua fama di direttore d’orchestra.
Dopo la Rivoluzione d’ottobre, virtualmente senza danaro e con la
consapevolezza che la proprietà di famiglia è stata demolita dai rivoluzionari, decide di lasciare la Russia. Parte con la moglie e le due figlie
nel 1917 per fuggire dai tumulti della Rivoluzione d’ottobre.
Con un repertorio che consisteva di composizioni proprie e alcune di
Chopin, Liszt e Tchaikovsky, accetta offerte per esibirsi un po' in tutto il
mondo. Passò così i successivi 25 anni studiando per ampliare il repertorio e vivendo la vita del pianista internazionale, componendo
sempre meno.
Morì il 28 marzo 1943 a Beverly Hills, in California.
È stato uno dei migliori pianisti del suo tempo e, come compositore,
l'ultimo dei romantici: con questa semplice espressione si può riassumere la personalità del compositore russo, musicista sensibile, rimasto legato in un certo senso al mondo del passato riuscito però a
rinnovarlo e ad innervarlo di nuovi sapori.
Gioachino Rossini (Pesaro 1792 – Parigi 1868)
Nato a Pesaro il 29 febbraio 1792 Rossini impresse al melodramma
uno stile destinato a far epoca, musicò decine di opere liriche senza
limite di genere: dalle farse alle commedie, dalle tragedie alle opere
serie e semiserie.
La sua famiglia era di semplici origini: il padre,
fervente sostenitore della Rivoluzione francese, era
originario di Lugo e suonava per professione nella
banda cittadina e nelle orchestre locali che appoggiavano le truppe francesi d'occupazione e proprio
a causa delle sue idee politiche, la famiglia Rossini
fu costretta a frequenti trasferimenti da una città
all'altra tra Emilia e Romagna.
Quando la famiglia si trasferisce a Bologna definitivamente Rossini
inizia lo studio del canto, del pianoforte e della spinetta.
A quattordici anni, si iscrive al Liceo musicale bolognese, studia composizione e scrive la sua prima opera, Demetrio e Polibio, che sarà
rappresentata però soltanto nel 1812.
L'esordio ufficiale sulle scene avviene nel 1810 al Teatro San Moisè di
Venezia con La cambiale di matrimonio.
Nei vent'anni successivi, Rossini compone una quarantina di opere,
arrivando anche a presentarne al pubblico 4 o 5 in uno stesso anno.
In occasione delle prime rappresentazioni dei suoi lavori, il pubblico
italiano gli riserva accoglienze controverse tanto che Semiramide
(1823) è stata l'ultima opera di Rossini composta per l'Italia. Dopo la
sua rappresentazione il compositore si trasferisce a Parigi, dove le sue
opere sono accolte quasi sempre in modo trionfale. Rossini conclude
la sua carriera di operista con il Guglielmo Tell, capolavoro a cavallo tra
classicismo e romanticismo andato in scena il 3 agosto 1829.
Abbandonato il teatro d'opera, Rossini entra in una fase di crisi personale e creativa. Si spegne dopo aver lungamente combattuto contro il
cancro nella sua villa di Passy, presso Parigi, il 13 novembre 1868.
Francisco Tárrega (Villarreal 1852 – Barcellona 1909)
Cominciò a studiare pianoforte e composizione al conservatorio di
Madrid nel 1864 e molto probabilmente imparò a suonare la chitarra
da autodidatta. Questo fondere lo studio della composizione e del
pianoforte alternato all'attività concertistica gli permise di acquisire
una notevole padronanza tecnica sullo strumento.
Ampliò in maniera considerevole il repertorio non originale di musiche per chitarra effettuando diverse trascrizioni, alcune delle quali
d'innegabile effetto, secondo gli stessi compositori.
Il suo approccio verso la chitarra gli permise di sperimentare tecniche
diverse dal tradizionale modo di suonare dei suoi contemporanei.
È considerato il creatore dei fondamenti
tecnici della chitarra classica del XX secolo
e ha permesso di sviluppare interesse per
la chitarra come strumento da concerto.
Quattro battute del suo Gran Vals sono
diventate una delle più famose suonerie
per cellulare.
Pëtr Il'ič Tchaikovsky
(Kamsko-Votkinsk 1840 – San Pietroburgo 1893)
Tchaikovsky nacque a Kamsko-Votkinsk, in Russia, il 7 maggio 1840 da
un ingegnere minerario ucraino e dalla sua seconda moglie, di origini
francesi, ma nata a San Pietroburgo. Le ascendenze complessive del
futuro musicista mescolavano anche sangue polacco, cosacco e tedesco. Iniziò a prendere lezioni di pianoforte all'età di cinque anni e fu in
questo periodo che la sua forte inclinazione e sensibilità musicale si
manifestò.
Nel 1850 per volere del padre si iscrisse alla scuola di diritto; rendendosi però conto che quella attività era troppo lontana dalle sue attitu-
dini artistiche. Si iscrisse quindi al Conservatorio della città, dove
studiò pianoforte e composizione, mantenendosi grazie ad alcune
lezioni private. Finiti gli studi iniziò a insegnare presso il Conservatorio
e a introdursi nell’ambiente musicale della città, entrando spesso in
contrasto polemico con Musorgskij: questi, con altri musicisti che
facevano parte del cosiddetto “gruppo dei cinque”, aveva molto
radicato il senso del nazionalismo musicale e rifiutava di prendere in
considerazione gli influssi musicali occidentali che invece stavano
particolarmente a cuore a Tchaikovsky.
Tra le sue opere più note, i balletti Lo schiaccianoci, La
bella addormentata e il celeberrimo Lago dei cigni; il
concerto per violino e orchestra in re maggiore, il
famosissimo concerto n. 1 in si bemolle minore e la
sinfonia Patetica. Il 6 novembre 1893 a San Pietroburgo il musicista muore. È opinione comune (sebbene
non da tutti condivisa) che abbia commesso suicidio,
anche se il modo e le circostanze sono ancora incerte.
testi di
A. Piovani
Timpani, strumenti sopraffini
I timpani hanno la forma di un grande bacino semisferico
(di solito in rame) sul quale è tesa una membrana
chiamata “pelle” che suona percossa da due mazze.
A differenza del tamburo non hanno un suono fisso, ma si possono
modulare attraverso un sistema di tiranti azionati da un pedale che
permette di ottenere intonazioni diverse e note ben precise.
Nei timpani sinfonici la membrana è realizzata con pelli di vitello, ma
essendo molto sensibili alla temperatura solitamente si utilizzano nel
chiuso degli auditorium o nei teatri, all’aperto invece, si preferiscono
membrane di materiale sintetico.
Le mazze che li percuotono sono molto diverse tra loro. Se ne utilizzano da molto morbide a molto dure, il rivestimento può essere di pelle
o di feltro, di cuoio o di sughero. Si utilizzano anche bacchette completamente di legno, oppure spazzole, che emanano sonorità jazz.
La modulazione che si può ottenere dai timpani, permette inoltre il
loro impiego anche nel genere blues in quanto in grado di imitare il
suono del contrabbasso. I timpani sono stati introdotti regolarmente in
orchestra dall'inizio del Settecento.
Musicisti come Haydn e Mozart nelle corti europee diffondono le loro opere studiando e proponendo nuove soluzioni musicali che ne comprendono l’uso.
La Sinfonia 103 in Mib maggiore di Joseph Haydn, famosa come “ con
rullo di timpani” è una delle prime importanti composizioni in cui
questi strumenti hanno grande rilievo e le testimonianze raccolte dai
biografi di Mozart raccontano che i suoi pensieri sul letto di morte
andavano al Requiem e che “enfiava le gote e muoveva la bocca come
per imitare le percussioni dei timpani”. Anche nell’Ottocento i timpani
sono parte integrante delle composizioni perché si pensava esaltassero
la potenza e il fraseggio dell’orchestra. Ciò è particolarmente evidente
nelle sinfonie di Beethoven: nella Settima, ad esempio, hanno un ruolo
di primo piano. Anche Wagner ne è stato un convinto estimatore e li
ha inseriti in molte opere. Richard Strauss, in Così parlò Zarathustra, li
rende protagonisti. Nel Novecento si affermano definitivamente.
Molti compositori li hanno valorizzati, ad esempio Igor' Stravinsky
nella famosa Sagra della primavera e Sergej Prokof'ev nel 1936 che li
impiega per imitare gli spari dei cacciatori nella famosissima fiaba
musicale Pierino e il lupo. In tempi più recenti George Gershwin li
inserisce in quasi tutte le sue partiture.
Marimba, il legno che canta
La marimba è uno strumento a percussione di origini
africane. La sua presenza fu segnalata almeno cinquecento anni fa dai
primi esploratori ma è molto diffuso anche in Guatemala, Costa Rica,
Nicaragua, e negli stati messicani di Chiapas e Oaxaca, dove è considerata uno degli strumenti più rappresentativi della musica folclorica.
E’ uno strumento di tipo idiofono, il suo suono è prodotto dalla vibrazione del corpo stesso dello strumento, senza l'utilizzo di corde o membrane tese e senza che sia una colonna d'aria a essere fatta vibrare.
Una serie di piccole tavole di legno duro, sotto le quali venivano disposte, come risonatori, zucche essiccate e svuotate o grosse canne di
bambù costituivano le prime marimbe, le quali prevedevano l'utilizzo
delle gambe del musicista, su cui era posta trasversalmente una barra
di legno, come naturale cassa di risonanza e supporto.
In Africa questo antenato della marimba è ancora utilizzato e viene
tradizionalmente suonato da uno o più suonatori, posti gli uni di fronte
agli altri, con gli strumenti eventualmente appoggiati ad angolo tra di
loro. Le tavole della tastiera vengono percosse con mazzuole leggere
di legno e l'altezza della nota varia per molti fattori: spessore del
legno, lunghezza e larghezza delle barre, gradi di durezza e peso.
Anche lo strumento moderno è costituito da una serie di tasti di legno
di differente lunghezza e larghezza, (a differenza dello xilofono, con il
quale viene spesso confusa, dove i tasti sono tutti di uguale dimensione), disposti secondo lo stesso ordine che ritroviamo nelle tastiere dei
pianoforti (tasti neri, tasti bianchi). Nel registro basso i tasti sono lunghi
e larghi. Man mano che ci si sposta verso il registro acuto i tasti diventano più stretti e più corti. Ad ogni tasto è associata una canna di risonanza che amplifica il suono prodotto dalla percussione del suddetto tasto.
I modelli migliori, per i concerti, sono costruiti con il palissandro
dell'Honduras, chiamato anche "legno di rosa". I tasti sono percossi da
battenti, o mallets in inglese.
Il moderno repertorio per marimba include brani solistici, ensemble di
percussioni, concerti per marimba e orchestra, jazz ensemble,
marching band wind ensemble o composizioni per orchestra.
I compositori contemporanei ne hanno utilizzato sempre più spesso il
suono unico: Harry Partch, Steve Reich, Paul Creston, Darius Milhaud,
Ney Rosauro, Franco Donatoni e Luigi Morleo hanno scritto numerose
opere e concerti per marimba e voci, marimba, vibrafono e orchestra,
marimba e orchestra d’archi, marimba sola e quattro marimbe.
Anche Frank Zappa ne fece largo uso per alcuni suoi pezzi, come per
esempio St. Alfonzo's Pancake Breakfast.
Concludo prendendo in prestito le parole di Giordano Montecchi, noto
musicologo e critico musicale, da sempre attento al rapporto fra pratica
musicale, cultura e contesto sociale: “Una specie di ape regina: vasta,
maestosa, elegantissima con la sua collana di pregiati legni scuri, con la
sua voce ora profonda ora svettante, sensuale ma anche tagliente, in
una partitura è come una spezia o un profumo, un aroma specialissimo
da dosare attentamente. Lo zampillare rapinoso dei suoi legni percossi,
suona come una sorta di antica leggenda di come la musica nacque e di
come continuerà”.
testi di
T. Terraneo
Il Valzer, la danza per eccellenza
Il Valzer, danza di ritmo ternario nata alla fine del Settecento, si diffuse inizialmente in Austria e nel Sud della
Germania; venne poi introdotta dalla Francia nel resto
d’Europa.
Divenne subito famosa ovunque, grazie al suo carattere musicale
fluente e orecchiabile e al fatto che permetteva, per la prima volta, di
ballare abbracciati e in coppia, uno di fronte all’altra.
Il prestigio e la notorietà di questa nuova danza, mise in rivalità Francia
e Germania per contendersi i suoi natali: i francesi sostenevano che
discendesse dall’antica danza La volta, dove cavalieri e dame giravano
da destra a sinistra intercalando saltelli e sollevando la dama in una
specie di volo, i tedeschi sostenevano che discendesse da antiche
ballate popolari bavaresi, dove la coppia eseguiva molteplici giravolte
in armonia con la base musicale di tre battiti.
La stretta vicinanza di uomo e donna fece considerare questa danza sconveniente, immorale e
antigienica e, come accadde in Boemia, fu
presto bandita.
Ancora oggi le vere origini del Valzer sono incerte, anche se gli studiosi propendono per la
Provenza.
Il Valzer divenne famoso a Vienna grazie a Strauss (Re del valzer per
eccellenza) e a Lanner che proposero un nuovo andamento veloce,
spigliato e ballabile, rispetto al genere operettistico dei francesi e agli
inglesi che lo ballavano con andamento lento.
Le varie trasformazioni ed elaborazioni tecniche che fecero del Valzer
il ballo che oggi conosciamo, avvennero nella capitale asburgica: dai
più grandi compositori del classicismo viennese, come Haydn e
Beethoven, che adattarono il tempo musicale del Valzer ai balli,
minuetti e brani per pianoforte, a Hummel che, inserendo tre elementi fissi: Introduzione, Valzer e Coda, portò cambi strutturali e innova-
tivi, dando vita a una netta divisione tra il Valzer ballabile e quello di
pura composizione orchestrale. Nella seconda metà dell’800 il connubio danza-musica trovò nel Valzer lo strumento artisticamente più
elevato non solo in Europa ma anche in America, con varie interpretazioni: in Francia in forma classica, pianistica e sinfonica; in Italia in
ambito operistico; in Russia coi balletti classici e nella lirica e oltreoceano anche in forma jazz.
Oggi il Valzer viennese è tra le cinque danze standard (valzer inglese,
tango, valzer viennese, slowfox, quick step), accompagnato con
strumenti tradizionali come l'organetto, la fisarmonica, il piffero e la
cornamusa. I valzer francesi moderni, valzer impari, possono essere a
cinque, otto e undici tempi, grazie all’unione dei passi a tre tempi del
valzer con i passi di marcia. Il Valzer popolare italiano, famoso nel
Liscio Unificato in forma brillante romagnola e piemontese, è invece
più veloce, con più battute al minuto.
Nel repertorio della Civica Scuola di Musica Antonia Pozzi, oggi
apprezzeremo alcune arie di valzer di Tchaikovsky , di S. S. Prokoviev e
del contemporaneo Remo Vinciguerra, compositore abruzzese.
Nasce nel 1956. E’oggi tra i più conosciuti e apprezzati in
Italia anche per la sua attività didattica musicale e pianistica in stile moderno per giovani. A soli 11 anni si
avvicina alla musica studiando piano.
Diplomato in Educazione Musicale, si dedica all’attività concertistica, e
organizza laboratori didattici di musica per ragazzi: laboratori innovativi con lo scopo di avvicinare i giovani allo studio del pianoforte in forme
più popolari e metropolitane, con nuovi linguaggi, dal pop al jazz. Ha
pubblicato svariati lavori per lo studio del solfeggio, della teoria e delle
favole musicali per le scuole. Tiene regolarmente seminari musicali e
corsi di composizione per ragazzi, che diffonde quale valore formativo
ed educativo. Le Sonatine in bianco e nero, per lo studio giornaliero del
pianoforte, è un testo semplice, inusuale e divertente.
testi di
S. Muri
Mozart in Italia
Tra il 1769 e il 1773, il giovane Wolfgang Amadeus
Mozart e suo padre Leopold fecero tre viaggi in Italia.
Leopold era desideroso di continuare la formazione musicale del tredicenne Amadeus in Italia, una meta di cruciale importanza per ogni
compositore nel XVIII secolo. Il primo, un ampio tour di 15 mesi nelle
più importanti città italiane, fu finanziato dagli spettacoli per la nobiltà
e dai concerti pubblici. Il secondo e terzo viaggio furono a Milano, dove
Amadeus doveva completare le opere che gli erano state commissionate durante la prima visita. Dal punto di vista dello sviluppo musicale di
Mozart, i viaggi si rivelarono un notevole successo, e il suo talento fu
riconosciuto con alcune onorificenze, tra le quali un cavalierato pontificio e l'ammissione a importanti società filarmoniche.
Primo viaggio: dicembre 1769, marzo 1771
Mozart e suo padre arrivarono a Milano il 23 gennaio
1770 e trovarono un comodo alloggio nella canonica
della chiesa di San Marco. I soggiorni milanesi sarebbero diventati un'importante esperienza formativa:
Mozart rimase a Milano per quasi un anno della sua
breve vita. Incontrò musicisti, cantanti e scrittori
(ad esempio Giuseppe Parini,
che scrisse per lui alcuni libretti).
Tra le più importanti conoscenze che fece Mozart
spicca quella del conte trentino Carlo Giuseppe Firmian, descritto
come il "re di Milano", un colto e influente mecenate. Il suo supporto
fu vitale per il successo dell'intero viaggio in Italia. Lasciò Milano il 15
marzo 1770. Altro importante soggiorno fu quello di Bologna (in due
riprese, da marzo a ottobre 1770). Ospite del conte Gian Luca Pallavicini, ebbe l’opportunità di incontrare musicisti e studiosi. Amadeus
prese lezioni di contrappunto da padre Martini, tra i più grandi teorici
musicali esperti d'Europa nel contrappunto barocco. A Firenze la famiglia Mozart ottenne udienza a Palazzo Pitti con il Granduca e futuro
imperatore Leopoldo II.
Ritrovarono anche il violinista Pietro Nardini, già incontrato all'inizio
del viaggio in Italia. Nardini e Amadeus suonarono insieme in un lungo
concerto serale al Palazzo estivo del Granduca.
Mozart diede una straordinaria prova del suo genio anche a Roma:
ascoltò nella Cappella Sistina il Miserere di Gregorio Allegri e riuscì
nell'impresa di trascriverlo interamente a memoria dopo solo due
ascolti. La notizia della straordinaria impresa raggiunse anche Papa
Clemente XIV. Il soggiorno a Roma vide Mozart impegnato in un'intensa attività compositiva: infatti, è durante questo periodo che scrisse
opere come la Contraddanza e l'aria Se ardire.
Nel 1770, a Napoli, tenne un concerto al conservatorio della Pietà dei
Turchini, durante il quale qualcuno attribuì all'anello che portava al
dito la genesi delle sue incredibili capacità musicali: Amadeus se lo
tolse e lo posò sulla tastiera, dimostrando che il suo talento non
derivava da virtù magiche. Per Mozart però non arrivò nessuna scrittura nei teatri napoletani, allora capitale italiana della musica.
Secondo viaggio: agosto, dicembre 1771
Nel 1771 Leopold e Amadeus partirono ancora una volta per Milano.
Nonostante il fitto programma di impegni, Mozart riuscì comunque a
comporre la Sinfonia n. 13. Nel dicembre dello stesso anno i Mozart
tornarono a Salisburgo. Con la morte dell’Arcivescovo Sigismund III
von Schrattenbach, sostituito da Hieronymus von Colloredo, fece
intuire al padre che ormai le possibilità di promozione si sarebbero
ridotte notevolmente, organizzò un terzo viaggio in Italia per sperare
di trovare una degna occupazione al figlio.
Terzo viaggio: ottobre 1771, marzo 1773
I Mozart tornarono a Milano per dar modo ad Amadeus di completare
la seconda opera del carnevale, commissionata alla fine del primo
viaggio dopo il successo del Mitridate. A seguito di tale successo,
Leopold sperò di ottenere un posto per il figlio presso la corte del
Granduca Leopoldo I di Toscana. Tuttavia, la risposta fu negativa. Per
tale motivo, i Mozart ritornarono a Salisburgo e nè Amadeus e nè
Leopold sarebbero più rientrati in Italia.
Analisi di
E. Scataglini
L’opera come scuola dei sentimenti
Analisi musicale
Nel programma di oggi sono presenti delle arie d’opera.
La famosissima cavatina di Rosina dal Barbiere di Siviglia, “Eccomi in
liete vesti” dai Capuleti e Montecchi di Bellini, il duetto “Via resti servita” da Le nozze di Figaro di Mozart e il terzetto “Soave sia il vento” da
Così fan tutte sempre del compositore di Salisburgo. In un programma
che mette in mostra le abilità acquisite dagli studenti della Civica
Scuola di Musica Antonia Pozzi non poteva certo mancare questa
importante forma di espressione, il melodramma, che ha affascinato
ed affascina tuttora un vastissimo pubblico.
Il teatro d’opera è un forma d’arte che è riuscita a resistere per oltre
quattro secoli riuscendo a coniugare la dimensione dell’ascolto popolare a quello colto. Il segreto di questo successo è sicuramente da
ricercare nella sua capacità di trasmettere grandi emozioni. Oggi che
viviamo nell’epoca della riproduzione meccanica, si assiste ad una
rinascita dello spettacolo dal vivo, rinascita a cui l’opera contribuisce
appieno e questo nonostante mettere in scena uno spettacolo lirico sia
sicuramente una delle imprese più costose.
Ancora oggi il melodramma sembra essere in grado di rappresentare i
conflitti umani più profondi e che affondano nelle radici inconsce del
nostro essere. La furbizia e il senso di giustizia di Figaro, la dolcezza o
la rabbia di Rosina, il dolore di Otello, il desiderio di potere del Nibelungo sono sentimenti che ancora oggi possiamo condividere. Il potere
ammaliatore del canto e la forza attrattiva del suono aiutano la fruizione quasi inconscia dello spettatore, che si immedesima nei personaggi
e nei loro conflitti.
Potremmo dire che il teatro musicale ha ancora oggi quella forma
catartica che permette di esperire e vivere i sentimenti rappresentati
in scena sublimandoli in una dimensione collettiva. A tutto ciò va
aggiunto che la musica con il suo potere di presentificazione, cioè di
essere di fronte allo spettatore nel momento stesso in cui viene
eseguita, riesce a collegare gli stati mentali del fruitore con quelli del
personaggio, consentendo di vivere le diverse sfumature emotive
trasmesse dal suono e dall’azione scenica.
Contemporaneamente l’opera lirica con la sua forma convenzionale
possiede una dimensione straniante che, a differenza del cinema,
consente di vivere l’emozione ponendo una separazione tra l'ascoltatore e l’opera stessa. L’immedesimazione non può mai essere totale,
imitativa, perché parlare cantando è innaturale, convenzionale e
quindi consente quella distanza, che permette la riflessione.
Questo potere educativo è utile non solo per lo spettatore ma soprattutto per lo studente che nell’atto di apprendere ed imparare il canto,
viene condotto in un mondo in cui comprensione razionale ed immedesimazione vengono mediati dall’apprendimento.
Per i giovani il teatro d’Opera è una scuola di sentimenti che può aiutare ad esperire un mondo emotivo che non si esaurisce nella banalità
delle opere di consumo o nella realtà artefatta del social network ma è
luogo vivo, immediato e profondo in cui la natura passionale
dell’uomo si mostra e contemporaneamente si nasconde permettendo loro di crescere emotivamente e psicologicamente.
Per approfondire: Jean-Luc Nancy, All’ascolto
M. Beghelli, Drammaturgia dell’opera italiana
Silvana Chiesa Alessandria, L’Opera a scuola: il ‘cosa’,
il ‘come’, il 'perché’
http://musicadocta.unibo.it/article/download/2147/1529
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Concerto jazz e Gospel
domenica 17 aprile 2016
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