Un'estate a tutto Festival
I Festival dell’estate 2017 offrono un’ottima occasione per ascoltare buona musica, divertirsi e
trascorrere giornate di vacanza alla scoperta di mare, montagna e luoghi d’arte.
Verona – L’Arena Opera Festival, giunto ormai alla sua 95° edizione, prende il via il 23 giugno con
l’attesa nuova produzione del Nabucco di Giuseppe Verdi. In cartellone sono stati previsti cinque
titoli d’opera e tre serate di gala per un totale di 48 serate da non perdere. La magia di una notte in
Arena è divenuta un appuntamento irrinunciabile nell’estate italiana grazie alle voci più belle a
livello internazionale, all’orchestra e al corpo di ballo dell’Aerea, oltre alle centinaia di figuranti che
animano la rappresentazione e, ovviamente, alla suggestione di vivere le opere più belle nell’antico
anfiteatro romano. E per il dopo Festival niente di meglio di un giro sul lago di Garda
per rinfrescarsi, a 15 minuti di distanza via treno o, se il meteo è clemente , l’esplorazione delle
meraviglie artistiche della città di Romeo e Giulietta, tra piazze rinascimentali, vestigia romane e
meravigliose chiese dentro cui sono custoditi tesori troppo spesso dati per scontati.
Macerata – il Macerata Opera Festival allo Sferisterio (21 luglio-14 agosto) diretto da
Francesco Micheli. Il Festival prende il via il 21 luglio con la Turandot. Macerata, nell’entroterra
marchigiano, offre poi l’opportunità di esplorare percorsi d’arte e avventurarsi in itinerari
enogastronomici particolarmente gustosi.
St Moritz -10° Festival da Jazz (6 – 31 luglio 2017) Una località di montagna famosa per la sua
bellezza paesaggistica e la sua ospitalità, una location prestigiosa, un’atmosfera magica: tutto ciò fa
di Festival da Jazz un evento davvero speciale, che riunisce a St Moritz, artisti di assoluto rilievo
internazionale che si esibiscono al Dracula Club, ambirete raccolto ed esclusivo ideale per favorire
un feeling immediato fra musicisti e pubblico. Ai concerti al Dracula Club si aggiungono gli
appuntamenti al Miles Davis Lounge del Kulm Hotel e quelli gratuiti sulla terrazza dell’Hotel Hauser
e sul Muottas Muragl, per oltre 50 eventi musicali complessivi.
Dolomiti – I suoni delle Dolomiti (7 luglio-31 agosto) 24 appuntamenti gratuiti ambientati su
palcoscenici naturali incantevoli: prati, conche, palcoscenici naturali che accolgono musicisti
provenienti da tutto il mondo che si esibiscono in ogni genere musicale, dal jazz alla classica, dalla
world music alla canzone d’autore. I luoghi dei concerti sono nelle vicinanze di rifugi alpini, malghe
e vette così ogni appuntamento diventa anche occasione per godere il piacere di un’intera giornata
in quota, provando l’ospitalità delle terre alte, i piatti della gastronomia, o semplicemente cercando
il relax e il divertimento con la famiglia e gli amici.Oltre ai concerti delle 13, l’edizione 2017 propone
due concerti all’alba, un trekking e un nuovo progetto speciale, un festival nel festival, la Campiglio
special week, per animare cime e fondovalle assieme ad importanti musicisti internazionali. Il
festival prende il via con Magie d’archi in alta quota, i 12 violoncellisti dei Berliner Philarmoniker, al
rifugio Fuciade in Val di Fassa, che eseguiranno brani da Boris Blacher, Julius Klengel, Astor
Piazzolla, José Carlia.
Pesaro – la 37° edizione del Rossini Opera Festival di Pesaro (10-22 agosto) sarà inaugurata
da La siège de Corinthe diretta da Roberto Abbado e su allestimento de La Fura dels Bauls. Gli
appuntamenti possono essere un’occasione per avventurarsi alla scoperta della regione e del suo
mare: la stessa Pesaro è non solo città arte, natura (con l’oasi di San Bartolo), ma vanta una
bandiera blu per il suo mare incontaminato.
Lucca- Il Lucca Summer Festival, giunto alla sua 20° edizione, prende il via il 14 giugno con un
concerto da non perdere: quello dei Green Days, La rock band autrice dell’album cult “American
Idiot”. Il Festival porta la musica nelle piazze di una delle città più suggestive della Penisola: Piazza
Napoleone, all’interno del Centro Storico di Lucca. Grandi star nazionali ed internazionali si
esibiranno nel corso di uno degli eventi più “hot” dell’estate italiana. Attesi, tra gli altri, l’8 luglio –
Ms Lauryn Hill; il 9 luglio – Ennio Morricone “The 60 years of music tour”; il 15 luglio – Robbie
Williams e il 31 luglio i Pet Shop Boys. E per il dopo Festival niente di meglio di un po’ di relax sulle
spiagge della Versilia.
Barolo -Collisioni (14-17 luglio). Il Festival agri-rock si celebra nel cuore delle Langhe, un
territorio ideale dove apprezzare un emozionante scenario naturale e i piaceri della buona tavola che
da sempre contraddistinguono l’area. Collisioni, la grande festa popolare di letteratura e musica in
collina,
vede la partecipazione ogni anno di tanti scrittori e musicisti provenienti da tutto il mondo. In arrivo
tra le colline piemontesi il 15 luglio Daniele Silvestri, Carmen Consoli e Max Gazzè; il 16 luglio i
Placebo e il 17 luglio Robbie Williams. I concerti hanno luogo nella piazza principale del paese, un
anfiteatro naturale circondato dalle vigne storiche dei cinque “grandi crus” del vino Barolo. Oltre
alle star della scena musicale italiana e internazionale, per quattro giorni il paese diventa un
palcoscenico che ospita dibattiti con premi Nobel, scrittori, giornalisti, attori, in un’atmosfera
informale, di dialogo costante con il pubblico.
Torre del Lago – Puccini Festival. La 63° edizione del Festival del più moderno compositore
d’Opera prende il via il 14 luglio con la Turandot e prosegue proponendo i grandi classici pucciniani
fino a fine agosto. In calendario: La Rondine, La Boheme, La Tosca e Madama Butterfly. Tra
un’opera e l’altra il mare della vicina Viareggio costituisce un’attrazione irresistibile.
Salento – La Notte della Taranta Per tutto agosto il salentino sarà pervaso dal Festival della
Taranta, festival itinerante dedicato alla valorizzazione ed al recupero della pizzica salentina, giunto
ormai alla sua 13° edizione. Comen da tradizione il festival si chiuderà a fine mese a Melpignano. Il
concerto di chiusura quest’anno sarà diretto dal maestro concertatore Ludovico Einaudi.
La Traviata di Liliana Cavani torna alla
Scala
Torna alla Scala La Traviata firmata da Liliana Cavani con le scene di Dante Ferretti e i costumi
disegnati da Gabriella Pescucci, spettacolo realizzato per l’inaugurazione della stagione del
1990. L’opera di Giuseppe Verdiandrà sarà in scena dal 28 febbraio al 14 marzo. Dirige Nello Santi,
il patriarca della tradizione operistica italiana che alla Scala ha diretto solo una Madama Butterfly
nel 1972. Grande l’attesa per il cast de La Traviata: nella parte di Violetta si alternano Ailyn Perez
(28 febbraio, 3 e 5 marzo) e Anna Netrebko (9, 11 e 14 marzo); Francesco Meli è Alfredo Germont e
Leo Nucci Giorgio Germont.
All’apertura delle vendite e La Traviata, lo scorso 28 dicembre, l’intera disponibilità è stata assorbita
in poche decine di minuti. In questo momento restano soltanto gli ingressi in galleria in vendita il
giorno di ciascuna recita.
Peraltro, per chi non avesse ancora conquistato un biglietto per La Traviata, domenica 26 febbraio
alle 19 va in scena una anteprima dell’opera davvero speciale. L’incasso infatti sarà devoluto a
sostegno alle popolazioni delle regioni colpite dal terremoto. I biglietti saranno posti in vendita –
a metà prezzo rispetto alle rappresentazioni ufficiali – sabato 11 febbraio dalle ore 9:00
presso la Biglietteria centrale (Galleria del Sagrato, MM Duomo) e dalle ore 12:00 sul sito
Il Falstaff di Michieletto in scena alla
Scala
Zubin Mehta dirige il Falstaff. L’opera andrà in scena al Teatro alla Scala dal 2 al 21 febbraio.
A firmare la regia del Falstaff, l’ultima opera di Giuseppe Verdi è Damiano Michieletto. Falstaff è
stata presentata al Festival di Salisburgo nel 2013.
Falstaff , apologo malinconico e disincantato sul trascorrere del tempo e il tramonto delle illusioni, è
collocata da Michieletto nel salone principale di Casa Verdi, magistralmente ricreato dallo
scenografo Paolo Fantin, al tempo presente. “Il protagonista, spiega Michieletto, vive nella
condizione della memoria, perché la sua realtà è quella della finitezza, dell’attesa della morte. E
tutta la vicenda si svolge un po’ come un ricordo, un sogno, o uno scherzo: Falstaff in un attimo si
vede passare davanti agli occhi tutta la vita”. Una soluzione che nel 2013 aveva suscitato
l’entusiasmo di buona parte della critica internazionale: “Come concetto registico – scriveva Anthony
Tomassini sul New York Times – ‘è tutto un sogno’ può sembrare un espediente pigro o banale. Non
in questo ispirato allestimento… L’idea di Michieletto funziona magnificamente in questa produzione
affascinante e commovente”.
Il cast dell’opera è guidato da Ambrogio Maestri, che dopo il debutto nel ruolo alla Scala nel 2001
con Riccardo Muti è stato Falstaff più di 250 volte in oltre 25 teatri imponendosi come interprete di
riferimento. Alice Ford è Carmen Giannattasio, già apprezzata alla Scala nella stessa parte con
Daniel Harding. Ford è Massimo Cavalletti, baritono assai apprezzato dal pubblico della Scala
dove ha già cantato tra l’altro in Falstaff con Daniel Harding. Quickly è Yvonne Naef, mezzosoprano
apprezzato in un vasto repertorio che spazia da Verdi (è stata Quickly con Daniel Gatti) a Wagner e
Bizet. Nella parte di Fenton torna Francesco Demuro, già applaudito nelle scorse edizioni, che
nelle prossime settimane sarà Edgardo alla Fenice e poi Nadir nei nuovi Pêcheurs de Perles a
Berlino, mentre Meg è Annalisa Stroppa, reduce dal trionfo personale riscosso come Suzuki nella
Madama Butterfly diretta da Riccardo Chailly, e Nannetta ha la voce di Giulia Semenzato, che alla
Scala ha già cantato nel Lucio Silla di Mozart nel 2015 e tornerà come Zerlina nel Don Giovanni.
DOVE, COME E A QUANTO- Falstaff
giovedì 2 febbraio 2017 ore 20
domenica 5 febbraio 2017 ore 20
martedì 7 febbraio 2017 ore 20
venerdì 10 febbraio 2017 ore 20
mercoledì 15 febbraio 2017 ore 20
venerdì 17 febbraio 2017 ore 20
domenica 19 febbraio 2017 ore 15
martedì 21 febbraio 2017 ore 20
A partire dai 14 euro
Il Don Carlo torna alla Scala
Il Don Carlo di Giuseppe Verdi torna in scena alla Scala di Milano. L’opera debutterà il 17 gennaio e
sarà riproposta in replica fino a 12 febbraio. Dirige Myung-Whun Chung. In scena per il Don Carlo
Francesco Meli, Krassimira Stoyanova, Ekaterina Semenchuk, Simone Piazzola e Orlin Anastassov.
Lo spettacolo è quello firmato da Peter Stein per la regia e da Ferdinand Wögerbauer per le scene
andato in scena nel 2013 al Festival di Salisburgo. La versione in cinque atti, la prima ad approdare
alla Scala nel 1868, manca dalla Scala da quarant’anni, ovvero dall’edizione diretta da Claudio
Abbado con la regia di Luca Ronconi per l’inaugurazione della Stagione 1977/1978.
L’opera nasce per il rientro di Verdi a Parigi. Il compositore nel 1865 mancava dalla Ville Lumiere da
10 anni, quando aveva presentato all’Opéra Les Vêpres siciliennes quando, per il suo ritorno, su
invito del direttore dell’Opéra Jules Perrin,sceglie il dramma di Schiller Don Carlos e progetta
un’opera dall’architettura grandiosa, che lo impegna in lunghi mesi di composizione (nel corso dei
quali si spegne il librettista Méry; la stesura del libretto viene completata da Camille Du Locle) e in
un esasperante periodo di prove. La prima è prevista per metà dicembre 1866 ma slitta
continuamente. Il 24 febbraio, alla prima prova in cui l’opera viene eseguita per intero, si osserva
che la durata totale, 3 ore e 47 minuti, impone drastici tagli se si vuole terminare la serata entro la
mezzanotte e permettere al pubblico di raggiungere le ferrovie suburbane. La prima ha luogo l’11
marzo, sul podio George Hainl, con accoglienza favorevole ma non trionfale: il nuovo stile di Verdi
suscita sulle prime più disorientamento che entusiasmo. Il compositore lascia Parigi autorizzando
l’Opéra ad apportare i tagli “reputati opportuni”. E i tagli, sempre più arbitrari, caratterizzeranno il
cammino dell’opera in Europa. Verdi vi rimette mano di persona nel 1872, per il Teatro di San Carlo.
Nel complesso il compositore è sempre più insoddisfatto dalla prassi dei tagli arbitrari apportati dai
teatri, ma anche cosciente della necessità di un ripensamento complessivo. Nel 1880 l’opera di
Vienna chiede a Ricordi di mettere in scena Don Carlos, e Verdi fa rispondere che sono necessarie
“alcune modificazioni”. Accorciare è necessario, anche perché “in questa città i portieri chiudono i
portoni delle case alle 10 – scrive Verdi – dal momento che mi si devono tagliare le gambe ho
preferito affilare io il coltello”. Nel complesso Verdi elimina circa metà dell’opera originaria, a
partire dall’atto di Fontainebleau, rimusicando e correggendo: ne emerge un dramma nuovo, più
sintetico e agile, in cui il fattore politico e la figura di Filippo prevalgono su quello
psicologico/sentimentale e i personaggi di Carlo ed Elisabetta. Cessate le trattative con Vienna, il
nuovo Don Carlo in quattro atti va in scena alla Scala il 10 gennaio 1884. Negli anni seguenti Verdi
non cessa di ripensare a Don Carlo e alla funzionalità drammaturgica del primo atto: una nuova
versione, che accoglie le modifiche introdotte per la Scala ma ripristina l’atto di Fontainebleau
(omettendo però i ballabili), va in scena a Modena il 26 dicembre 1886. È quella che sarà riproposta
alla Scal.
Il Rigoletto secondo Opera Young al
Teatro Litta
L’opera lirica è un grande patrimonio culturale che va salvaguardato e tramandato. Opera Young è
un nuovo progetto fatto da giovani e rivolto a tutti gli appassionati e a chi si vuole avvicinare ad un
mondo di grandi passioni e per questo molto moderno. Tutti giovani sul palcoscenico, in buca e
dietro le quinte per proporre quattro tra i più famosi titoli del melodramma.
Si comincia con Rigoletto, una delle più celebri opere di Giuseppe Verdi e tutto il repertorio
italiano. Il maestro Marco Beretta, direttore musicale e preparatore dell’intero cast dell’opera,
vuole dare una lettura il più possibile fedele alla scrittura verdiana e nello stesso tempo legata alla
migliore tradizione esecutiva in una visione interpretativa più attuale. In questa versione, agile e
originale nella messa in scena, il regista Alberto Oliva propone una riflessione sulla politica e sulle
dinamiche del potere. Il buffone di corte è un mestiere con le sue regole e le sue caratteristiche,
anche fisiche. La gobba è un abito da lavoro, un costume così condizionante da diventare anche un
modo di essere, al punto da distorcere la verità fino a farne una forma perversa di satira
autolesionista. La corte del Duca è un bordello di donne oggetto, tutte intercambiabili, leggere ed
evanescenti come abiti da sera – di cui è piena la scena – vacue e vuote come un grande guardaroba
che non appartiene a nessuno. Se l’abito non fa il monaco, di certo fa il politico. E così Rigoletto vive
una doppia vita, ha una doppia personalità: quando dismette l’abito da cortigiano gobbo, diventa un
padre iperprotettivo e paranoico, ma anche capace di un amore incondizionato e sublime per a sua
unica figlia. Con l’amore di redime, ma è destinato a pagar cara la leggerezza de suo lavoro portato
all’eccesso di zelo. Maschere, abiti, doppie facce e ambiguità sono le caratteristiche dominanti nelle
dinamiche del potere, grazie alle quali si sale e si scende, dalla polvere alle stelle e viceversa. Non
manca anche il gioco dei doppi, con i personaggi che si specchiano gli uni negli altri, Gilda e
Maddalena, Rigoletto e Sparafucile, ma anche incastri e sovrapposizioni, esaltati musicalmente dal
celebre, magnifico e inarrivabile quartetto divenuto proverbiale.
Lo spettacolo si mantiene del tutto fedele all’opera di Giuseppe Verdi, con un impianto scenico molto
semplice, costumi contemporanei che esaltano l’universalità della storia e il ripetersi delle stesse
congiunture, perché la politica è fatta dagli uomini, che hanno sempre gli stessi istinti, le medesime
pulsioni che mettono in pratica con analoghe strategie, intrighi, inganni e maledette coincidenze. Il
conflitto che maggiormente dilania le scelte dei politici è quello tra il senso del dovere e il
sentimento. Rigoletto paga lo zelo che lo contraddistingue nello svolgere il suo ruolo di buffone
sbruffone (quando non è di sua figlia che si parla), ma allo stesso modo è fatale l’errore del suo
doppio Sparafucile, che per affetto risparmia una vita e ne condanna un’altra, innocente.
TEATRO LITTA
11 dicembre ore 16.30
RIGOLETTO
di Giuseppe Verdi
PROGETTO OPERA YOUNG
di ADADS
direttore Marco Beretta
regia Alberto Oliva
coro e orchestra Opera Young
trucco e acconciature APTA Accademia Professionale di Trucco Artistico Società Umanitaria Milano
costumi di Artescenica di Reggio Emilia
luci Marco Meola
assistente alla regia Arianna Aragno
PER INFORMAZIONI:
www.adads.it
www.mtmteatro.it
BIGLIETTERIA
Teatro Litta – Corso Magenta 24, Milano
02 86454545
[email protected]
PREZZI
biglietto intero: 25 euro
biglietto ridotto (over 60, under 25): 20 euro
ORARIO SPETTACOLO: domenica 11 dicembre ore 16.30
Prima delle prime: alla Scala si parla di
Madama Butterfly
Mancano ormai pochi giorni all’attesissima prima di “Madama Butterfly” al Teatro alla Scala di
Milano. L’opera viene proposta nella sua prima versione, quella che nel 1904 debuttò alla Scala e,
nonostante un cast di rilievo e la cura dell’allestimento, fu un flop colossale. Riccardo Chailly, con
l’ausilio di Gabriele Dotto, ha compiuto un attento lavoro per ripristinare l’orchestrazione del primo
manoscritto, proseguendo così nel percorso di rilettura critica delle opere pucciniane, per dare “una
possibilità in più di ascolto, confronto e conoscenza” dell’opera che procurò il più grande dolore
artistico a Puccini.
Domani, venerdì 2 dicembre, alle ore 18, nel Ridotto dei palchi “A. Toscanini” del Teatro alla
Scala, Enrico Girardi, docente di Storia della musica all’Università Cattolica di Milano e critico
musicale del “Corriere della sera”, parla di Madama Butterfly, nell’incontro “Quale Butterfly” con
ascolti e video.
“Grande dolore in piccole anime”: questo è quanto Puccini cercava per le sue opere. Lo suggerisce
una sua lettera a Gabriele D’Annunzio “Ora sai quello che mi ci vuole: amore–dolore. Grande
dolore in piccole anime”. Chissà cosa rispose il poeta. Comunque Puccini aveva già raccontato le
dolenti vicende di Mimì e Manon quando in un teatro londinese scopriva nel luglio 1900 un’altra
piccola “anima”, assistendo a Madama Butterfly, una tragedia di David Belasco. Poco dopo nel
1901, con la collaborazione per la stesura del libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica, iniziava la
composizione che solamente nel dicembre 1903 poteva dirsi completa in ogni sua parte. A dilatare i
tempi della realizzazione aveva forse contribuito una ricerca minuziosa di documenti legati
all’Oriente: la precisione ambientale era un’esigenza imprescindibile di Puccini. In questa fase,
preziosi furono gli aiuti di una attrice giapponese, Sada Yacco, e dell’ambasciatrice nipponica,
profonde conoscitrici di usi e costumi orientali.
Tuttavia Madama Butterfly nel 1904 non entusiasmò. Si ritiene che attorno all’opera fosse stato
costruito ad arte un clima d’ostilità o che forse il pubblico fosse rimasto sorpreso di fronte a
un’opera innovativa che guardava agli sviluppi più recenti del teatro musicale europeo. Puccini così
scrisse a un amico: “Con animo triste ma forte ti dico che fu un vero linciaggio… ma la mia Butterfly
rimane qual è, l’opera più sentita e suggestiva che io abbia mai concepito”. L’insuccesso indusse
autore ed editore a ritirare lo spartito per sottoporlo a una revisione con il risultato che la nuova
versione di Madama Butterfly in tre atti fu accolta con entusiasmo al Teatro Grande di Brescia,
appena tre mesi dopo, il 28 maggio. Tuttavia Puccini tornò continuamente sull’opera, “Non si decise
mai per una versione in particolare ed è difficile individuare la sua ultima volontà”.
Ora tocca al pubblico milanese cancellare, dopo più di 100 anni, quell’antica ferita.
Primo appuntamento del ciclo
“Prima delle prime”
Stagione 2016/2017
Amici della Scala – Teatro alla Scala
Madama Butterfly
di Giacomo Puccini
libretto di Luigi Illica e Giuseppe Giacosa
Teatro alla Scala – Ridotto dei palchi “A. Toscanini”
Venerdì 2 dicembre 2016 ore 18
Ingresso libero fino a esaurimento dei posti
Arena di Verona: una settimana da non
perdere
Ancora pochi giorni per potersi godere la magia dell’Arena di Verona: musica senza tempo su un
palcoscenico dove la storia diventa leggenda. Quest’anno L’Opera Festival, il 94°, si conclude il 28
agosto dopo una stagione di successi. Ma l’ultima settimana, questa, è un susseguirsi di fuochi di
artificio: sul palcoscenico dell’Arena infatti si alterneranno le maggiori produzioni di questa
stagione, Carmen, Aida, Il Trovatore e Turandot, dando a tutti, turisti, melomani o semplicemente
appassionati la possibilità di prendere posto sulle gradinate e godersi lo spettacolo.
Difficile trovarsi a dover scegliere un solo spettacolo con una simile scelta. Potendo, ci si dovrebbe
fermare a Verona l’intera settimana per poter andare ogni sera in Arena a vedere un’opera diversa.
Se poi la scelta dovesse necessariamente restringersi, sarebbe comunque consigliabile concedersi
almeno una due giorni. E, a questo punto, perché non celebrare il 94° Festival con le due opere che
hanno dato l’inizio a questa stagione, Carmen e Aida che, non a caso, sono riproposte a chiusura del
Festival in Arena, il 27 e il 28 agosto. Si tratta delle due opere, almeno finora, più rappresentate in
Arena nei primi 102 anni di storia (e 94 stagioni liriche): conosciute e amate dal vasto pubblico (non
occorre essere esperti per conoscere e apprezzare libretti e musica) e particolarmente adatte grazie
a imponenti scenografie e al vasto utilizzo di scene corali ad essere rappresentate sul palco
dell’Arena.
In particolare carme beneficia del monumentale allestimento realizzato da Franco Zeffirelli per
l’opera di Bizet che si sposa alla perfezione con i grandi spazi dell’Arena di Verona. Costumi
sontuosi, cambi di scena sorprendenti e un’ambientazione così ricca di dettagli che ricrea in maniera
esemplare i vari ambienti nei quali si svolge l’opera (la piazza di Siviglia, la taverna di Lillas Pastia,
l’accampamento dei contrabbandieri, la Plaza de Toros nel giorno della corrida), fanno rivivere in
Arena la stessa Siviglia ottocentesca. Indimenticabile poi anche la coreografia flamenca di El
Camborio ripresa da Lucia Real. Se poi tutto questo non bastasse, è la stessa storia vissuta da
Carmen, così moderna, ad esercitare una forte attrazione nei confronti dello spettatore. Carmen
infatti rappresenta la donna libera che rifugge ogni legame tradizionale per vivere appieno
un’esistenza emancipata ricca di passioni. Carmen è fiera, indipendente, seduttrice, sprezzante delle
convenzioni e dei sentimenti; sa di essere l’oggetto del desiderio degli uomini e ne manovra i
sentimenti a suo piacimento. In un paese intriso di moralità cattolica (ben rappresentato dalla devota
Micaela, tra i protagonisti della vicenda) Carmen è laica e ribelle e non teme di andare incontro alla
morte con la convinzione che anche se si concede a chi dice di amare, realmente non sarà mai di
nessuno.
Quanto a Aida il capolavoro verdiano è presentato nell’allestimento di Gianfranco de Bosio ideato nel
1982 – e replicato per 18 stagioni – che rievoca l’edizione storica del 1913 di Ettore Fagiuoli. Le
coreografie portano la firma di Susanna Egri. Aida costituisce il titolo areniano per eccellenza; dal
1913 è stata proposta in 59 diverse edizioni per un totale di 650 recite. L’opera verdiana è n vero e
proprio colossal: un successo senza tempo che, grazie all’alchimia tra la musica di Giuseppe Verdi, il
libretto di Antonio Ghislanzoni e il grande palcoscenico all’aperto più grande al mondo, crea da oltre
cento anni una magia senza tempo ricca di esoticità. Proprio ad Aida infatti è legata in maniera
indissolubile la nascita del Festival Lirico che ha trasformato l’Arena di Verona nel teatro all’aperto
più noto al mondo.
La grande opera è di scena all'Arena di
Verona
Dal 24 giugno al 28 agosto 2016 riparte la grande lirica all’Arena di Verona. L’appuntamento
estivo, tra i più attesi e amati dal pubblico e dai melomani, anche quest’anno punta su grandi titoli.
Cinque, infatti, sono le opere in cartellone per il 94° Opera Festival, cinque titoli che commuovono,
struggono e fanno sognare gli spettatori ogni volta che vanno in scena.
Si comincia il 24 giugno con un grande classico dell’Arena: Carmen di Georges Bizet, proposta
nell’allestimento cinematografico di Franco Zeffirelli. Seguirà, poi, Aida di Giuseppe Verdi, altro
titolo areniano per eccellenza, presentato nell’allestimento di Gianfranco de Bosio che rievoca
l’edizione storica del 1913 di Ettore Fagiuoli. Il 2 luglio debutta La Traviata mentre il 23 luglio
torna in scena Turandot di Giacomo Puccini nello spettacolare allestimento di Franco Zeffirelli.
Chiude la stagione Il Trovatore di Verdi, nel monumentale allestmento firmato da Zeffirelli.
Il 18 luglio si conferma l’appuntamento con l’attesissimo evento Roberto Bolle and Friends
dedicato alla danza. Lo spettacolo riaccende i riflettori del balletto in Arena in una magica serata in
cui l’Étoile regalerà al pubblico grandi emozioni affiancato da partner d’eccezione provenienti dalle
più grandi scuole internazionali.
Biglietteria – Via Dietro Anfiteatro 6/B, 37121 Verona
tel. (+39) 045 59.65.17 – fax (+39) 045 801.3287 – e-mail [email protected]
Call center (+39) 045 800.51.51 – www.arena.it – Punti di prevendita Geticket
Da smartphone e tablet con l’App dell’Arena di Verona per Android e Apple iOS
Arena di Verona: ancora poco e si alza il
sipario
Lo spettacolo sta per iniziare. Fervono i preparativi per la 93ma edizione del Festival lirico 2015
all’Arena di Verona su cui si alzerà il sipario il prossimo 19 giugno per poi proseguire fino al 6
settembre con 54 serate di spettacolo.
In programma 6 titoli d’Opera – Nabucco, Aida, Tosca, Don Giovanni, Il Barbiere di Siviglia e
Roméo et Juliette – 2 imperdibili Gala – Roberto Bolle and Friends e Carmen Gala Concert – e il
grande ritorno di Carmina Burana.
Il Festival, nell’anno di Expo Milano 2015, propone i titoli lirici più amati ed agli allestimenti più
spettacolari e applauditi degli ultimi anni di oltre un secolo di storia areniana. Inoltre, assistere a
uno spettacolo all’Arena di Verona è anche l’occasione perfetta per andare alla scoperta di una delle
città più belle d’Italia, Verona.
Alla Prima del 19 giugno l’Arena di Verona presenta Nabucco di Giuseppe Verdi nella messa in
scena di Gianfranco de Bosio: un palcoscenico perfetto per un’opera che coinvolge complessi
artistici numerosi e imponenti scenografie. Segue un’altra opera verdiana: Aida, simbolo dell’Arena
nonché titolo più rappresentato con un record di oltre seicento recite, in scena nel grandioso
allestimento di Franco Zeffirelli. È poi la volta di Tosca di Giacomo Puccini, con una
rappresentazione sontuosa curata da Hugo de Ana, seguita dal capolavoro di Wolfgang Amadeus
Mozart, Don Giovanni, che vede ancora Franco Zeffirelli come regista e scenografo. Il palcoscenico
del celebre anfiteatro veronese si trasformerà quindi nel giardino ideato da Hugo de Ana per Il
Barbiere di Siviglia di Gioachino Rossini, caratterizzato dalle gigantesche rose simbolo di AMO
Arena Museo Opera, il Museo della Fondazione Arena di Verona. Infine, il teatro all’aperto più
grande del mondo ospiterà un moderno teatro shakespeariano ispirato al londinese Globe, allestito
per l’immancabile opera Roméo et Juliette di Charles Gounod, rappresentazione della storia
d’amore più tormentata di sempre che ha reso Verona famosa in tutto il mondo.
Arricchiscono il cartellone 2015 tre serate speciali: il 22 luglio Roberto Bolle and Friends,
l’appuntamento con la danza internazionale che vede l’étoile Roberto Bolle esibirsi assieme agli
artisti provenienti dalle migliori compagnie mondiali; il 24 luglio Carmen Gala Concert, che
rende omaggio al capolavoro di Georges Bizet a 140 anni dalla sua prima rappresentazione
all’Opéra-Comique di Parigi nel 1875, e infine il 25 agosto i Carmina Burana di Carl Orff, pronti a
replicare lo straordinario successo del debutto in Arena della passata stagione.
Per tutti coloro che assisteranno agli spettacoli areniani, si consiglia inoltre la visita di AMO Arena
Museo Opera, il Museo della Fondazione Arena di Verona collocato nella splendida cornice di
Palazzo Forti e dedicato alla creatività e all’eccellenza dell’opera lirica italiana, che ha come
obiettivo quello di far conoscere la perfetta macchina creativa che sta alla base della nascita delle
celebri opere rappresentate.
Oltre alle collezioni permanenti ed alle mostre temporanee, dal 22 maggio al 27 settembre 2015
AMO ospiterà l’imperdibile mostra Dario Fo dipinge Maria Callas, con oltre 70 opere in esposizione
che il Premio Nobel italiano ha dedicato alla Divina dell’Opera.
Per informazioni www.arena.it
Turandot alla Scala per EXPO
Riccardo Chailly esordisce sul podio del Teatro alla Scala in veste di Direttore Principale dirigendo
Turandot di Giacomo Puccini in occasione di Expo Milano 2015. Turandot inaugura la
programmazione scaligera per Expo: sei mesi in cui il teatro sarà aperto per 122 serate d’opera, 62
di balletto e 90 concerti. Turandot sarà in scena a maggio: 1, 5, 8, 12, 15, 17, 20, 23.
Nina Stemme è Turandot, Aleksandrs Antonenko il principe Calaf, Maria Agresta Liù, Alexander
Tsymbalyuk Timur. Il finale scelto per l’opera incompiuta di Puccini è quello di Luciano Berio, che
viene eseguito per la prima volta in forma scenica alla Scala. Berio lo compose nel 2001 riprendendo
per la prima volta 23 dei complessivi 30 schizzi lasciati da Puccini; la prima assoluta fu diretta da
Riccardo Chailly nel 2002 al Festival delle Canarie.
L’opera
I dubbi di Puccini e il finale di Alfano per l’opera degli enigmi
Giacomo Puccini muore a Bruxelles il 29 novembre 1924, lasciando incompiuta la sua ultima opera,
Turandot, segnata da uno sforzo di rinnovamento stilistico che pone l’autore accanto ai principali
compositori europei del suo tempo. Nel dicembre 1923, la partitura sembra quasi finita: compiuta la
scena tragica della morte di Liù, manca solo il duetto finale in cui la principessa si abbandona
finalmente all’amore. Ma il passaggio dal lutto per Liù allo “sgelamento” della principessa, all’ardore
amoroso di Calaf e a un rapido lieto fine si rivela uno scoglio estremamente arduo dal punto di vista
drammaturgico e musicale. Puccini, colpito da un tumore alla gola, continua a scrivere producendo
23 fogli che contengono 30 frammenti musicali. Ci lavora fino all’ultimo, portandoli con sé anche a
Bruxelles dove si reca per un ultimo consulto medico.
Dopo la morte del Maestro, l’editore Ricordi decide, su pressione di Arturo Toscanini, di affidare il
completamento dell’opera sulla base delle bozze disponibili a Franco Alfano, già autore dell’opera di
ambientazione orientale Sakuntala. Toscanini tuttavia non è per nulla soddisfatto della prima
versione del finale propostagli da Alfano in cui sono ripresi, insieme a diversi temi degli atti
precedenti, solo 3 dei frammenti di Puccini e gli impone di scriverne una seconda, più stringata, in
cui i frammenti pucciniani diventano 4. La prima rappresentazione di Turandot ha luogo al Teatro
alla Scala il 25 aprile 1926. Dirige Arturo Toscanini che, dopo la morte di Liù, depone la bacchetta e
rivolge al pubblico la frase “Qui termina la rappresentazione perché a questo punto il Maestro è
morto”. Da allora il secondo finale di Alfano è rimasto in repertorio, ma senza convincere del tutto
per i limiti di scrittura dovuti anche alla rapidità di realizzazione, ma soprattutto perché il tono
trionfale della nuova conclusione contrasta con le parole vergate dal compositore negli schizzi: “e
poi Tristano”.
Il Tristano e Isotta di Wagner, costantemente presente in una partitura che appartiene a un
orizzonte stilistico nuovo rispetto alla produzione precedente di Puccini, si conclude in pianissimo,
con un’estasi amorosa che è anche estasi di morte: tutto il contrario del coro trionfante cui Alfano fa
cantare le parole (assenti dal libretto originale) “ride e canta l’infinita nostra felicità”.
Un’indicazione preziosa sulle intenzioni di Puccini viene dal critico musicale Leonardo Pinzauti che
in una lettera a Luciano Berio riporta la testimonianza di Salvatore Orlando, proveniente da una
famiglia di armatori livornesi amici del compositore. Il giovane Orlando frequentava la villa di
Puccini a Torre del Lago e ricorda che nel 1923 il Maestro gli fece ascoltare l’ultima scena al
pianoforte spiegandogli che si trattava di un finale “come quello di Tristano”. Le ultime battute
erano pianissimo.
Il finale di Luciano Berio
Nel 2000 il Festival delle Canarie commissiona un nuovo completamento dell’opera a Luciano Berio.
Berio si dedica innanzitutto allo studio dei frammenti originali e opera una serie di tagli al libretto
eliminando molti dei passaggi per cui non esistono idee musicali di Puccini. A differenza di Alfano,
Berio si ripropone di utilizzare il più possibile gli schizzi, inclusi quelli strumentali in cui Puccini
sembra discostarsi in modo radicale dal suo stile precedente, e ne inserisce 23 su 30 (delle
complessive 307 battute del finale 133 sono di mano di Puccini, 174 di mano di Berio) combinandoli
con una serie di rimandi a temi già presenti nel resto dell’opera, a cominciare dal “Nessun dorma”
utilizzato anche da Alfano. Si accentua così nel finale il pluralismo di stili che è caratteristica
dell’intera opera e ne fa un punto di svolta rispetto alla precedente produzione pucciniana.
Per il punto culminante, lo “sgelamento”, Berio si rifà alle indicazioni di Puccini: “Nel duetto si può
arrivare a un pathos grande. E per giungere a questo io dico che Calaf deve baciare Turandot e
mostrare il suo amore alla fredda donna. Dopo baciata con un bacio che dura qualche secondo (…) le
dice il suo nome sulla bocca” (lettera a Adami, novembre 1921). Si rende necessario un momento di
“intimità amorosa” abbastanza prolungato da rendere drammaticamente credibile il cedimento della
principessa: Berio lo realizza con un interludio strumentale apertamente debitore del cromatismo di
Wagner, cui già aveva fatto riferimento Puccini prima dell’aria di Liù (è interessante osservare come
anche Alfano nella prima versione del suo finale avesse proposto un interludio in questo punto).
L’accordo del Tristano ricorre in diversi momenti dell’opera, a cominciare delle prime note del I atto,
gettando un’ombra di ambiguità e di morte sulla vicenda amorosa.
Nel finale di Berio il lutto per la morte di Liù non è dimenticato e termina in pianissimo su
un’atmosfera di sospensione e incertezza: “si conclude con una domanda – dichiarava Berio – e il
pubblico si ritrova a chiedersi che cosa ha visto e come sia possibile completare in qualche modo la
soluzione dell’enigma che è Turandot”. Il risultato è una pagina in cui Berio non finge di essere
Puccini ma restituisce all’ascoltatore quasi tutta la musica effettivamente scritta dal compositore, le
sue intenzioni estetiche e drammaturgiche e anche la problematicità di un’opera che, terminata nel
1924, riflette a pieno titolo le tensioni e le aperture del ‘900 musicale.
Lo spettacolo
Il finale di Berio vede la luce in forma di concerto il 25 gennaio 2002 al Festival de Gran Canaria,
con il Concertgebouw diretto da Riccardo Chailly. Il 1° giugno il nuovo finale viene presentato in
forma scenica alla Nederlandse Opera, sempre con Chailly e il Concertgebouw e la regia di Nikolaus
Lehnhoff. Luciano Berio è presente, segue le prove: insieme a lui Lehnhoff decide di lasciare in
scena il corpo di Liù durante il duetto dello “sgelamento”, come un’ombra luttuosa che si stende
sull’estasi degli amanti. L’allestimento di Lehnhoff resta quello preferito da Berio, che sarebbe
scomparso nel maggio 2003, e giunge ora alla Scala in una nuova produzione ripensata dal regista.
Nella parte di Turandot torna alla Scala il soprano svedese Nina Stemme, una delle grandi voci
wagneriane del nostro tempo che ha già affrontato diversi ruoli pucciniani, incluso questo a
Stoccolma nel 2013. Nina Stemme è stata ascoltata al Piermarini in un recital e nel Gala per Plácido
Domingo diretto da Daniel Barenboim nel 2009 e, sempre con Barenboim, come Brünnhilde in Die
Walküre il 7 dicembre 2010 e in Siegfried nel 2012 oltre che nel Fidelio in forma di concerto diretto
da Franz Welser- Möst nel 2010.
Il principe Calaf è Aleksandrs Antonenko, tenore lettone affermatosi in ruoli come Otello, che ha
cantato con Riccardo Muti al Festival di Salisburgo nel 2008 e a Chicago nel 2013, Samson,
Radamès e Dick Johnson. Alla Scala è stato Cavaradossi in Tosca nel 2011 con Omer Meir Wellber e
nel 2012 con Nicola Luisotti, e Ismaele in Nabucco ancora con Luisotti nel 2013. Maria Agresta
canta la parte di Liù. Il suo debutto nella sala del Piermarini avviene nelle vesti di Elvira nel Don
Giovanni diretto da Barenboim nel 2011: seguono La bohème con Daniele Rustioni nel 2012,
Requiem di Verdi a Berlino con Barenboim e Oberto conte di San Bonifacio con Frizza nel 2013 e Il
trovatore con Daniele Rustioni nel 2014.
