IL TROMBONE JAZZ INTERVISTA a Marcello Rosa

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INDICE
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Editoriale
Concorso Città di Porcia: intervista a Vincenzo Paratore
Concorso Città di Porcia: intervista a Gianpaolo Doro
Un pò di storia: Storia della King (seconda parte)
L’Oracolo: coulisse leggera o pesante?
Il trombone antico: intervista a Mauro Morini
Lo spartito: Villanella di Orazio Vecchi
Il trombone in orchestra: Guglielmo Tell
Trombonica: Recensione CD “Zeitlos”
Il trombone Jazz: Intervista a Marcello Rosa
Marcello Rosa: recensione cd “A child is born”
Negozi di Musica: Grassi Renzo
Audizioni e concorsi
Sosteniamoci
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DISCLAIMER
Trombone Italia Magazine
Rivista no profit aperiodica realizzata dallo staff di
www.iltrombone.it. Tutto il materiale che troverete all’interno di queste pagine è di esclusiva proprietà degli autori e solitamente è originale e inedito.
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il proprio pensiero con la parola, lo scritto e ogni altro mezzo di diffusione.
EDITORIALE
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Il 2008 è appena iniziato ed un grande 2007 per il mondo trombonistico italiano si
è concluso.
Vincenzo Paratore vince il Primo Premio al Concorso Internazionale Città di Porcia, Massimo La Rosa vince il concorso per Principal Trombone alla Cleveland Orchestra, Gianluca Petrella vince il Premio “Eurodjango” e, mi scuso per
l’autocitazione, Daniele Morandini viene nominato Principal Trombone della Israel
Philharmonic Orchestra.
A lato di questi “dati” inconfutabili, girando un po’ per il mondo ed incontrando
illustrissimi colleghi mi sono ormai convinto che all’estero c’è molto più rispetto
verso il “made in Italy” trombonistico di quanto non ce ne sia in realtà in Italia.
Cito ad esempio un estratto dell’intervista che l’International Trombone Association ha fatto a Michel Becquet in occasione del conferimento dell’ITA AWARD
per il 2007, a Becquet stesso, e pubblicata nell’ultimo numero dell’ITA Journal del
2007:
“il livello internazionale è estremamente alto, e paesi come l’Italia… stanno producendo ottimi strumentisti”
Questa affermazione a mio giudizio, specie per chi l’ha fatta, ha un peso rilevante: i trombonisti italiani sono una realtà internazionale.
Un tale “status” impone però alcune riflessioni: è il sistema scolastico e formativo
italiano all’altezza della situazione? Potrà mai succedere che inizino dei flussi di
immigrazione e si fermino quelli di emigrazione per quanto riguarda gli studenti?
Stiamo facendo abbastanza per tenere “alto il Tricolore” e diffondere la nostra
cultura?
A parte di queste domanda la risposta che per prima mi viene in mente è che
intanto c’è bisogno di un’Associazione che ci rappresenti tutti come entità vera e
che possa promuovere non solo le attività italiane e dei trombonisti italiani, ma
che possa anche mettere in moto un “movimento riformista” che guidi in qualche maniera la realtà italiana verso una posizione di rilievo non solo a livello di singoli individui ma come espressione globale del nostro trombonismo a tutti i livelli.
I numeri, le persone ed i personaggi non mancano: armiamoci di amor proprio e
di amore per la Cultura con la “C” maiuscola e portiamo un po’ di Luce sul nome
dell’Italia, troppo spesso coperto dall’ombra.
Daniele Morandini
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Concorso Città di Porcia
INTERVISTA a
Vincezo Paratore
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re!
Complimenti, benvenuto e grazie per la tua disponibilità!
Come ci si sente dopo aver raggiunto questo traguardo? cambiati?
Cambiato no per niente! sinceramente devo ancora realizzare pienamente tutto ciò perchè per
sei mesi non ho fatto altro che studiare per il concorso. la prima cosa a cui ho pensato è stato
“che bello!!!ho raggiunto un grande livello”,che non è bello solo a Catania (dove vivo e lavoro)
ma ovunque io vada e questo mi riempie di immensa gioia!
Con quale spirito hai affrontato il concorso?
Con molta carica e con i piedi per terra e la cosa (per me) più importante a cui ho pensato è
stata quella di fare bella figura a prescindere dal risultato…non pensavo di vincere il concorso,
non perchè non credevo nelle mie capacità ma perché immaginavo che ci sarebbe stata gente più brava di me…sai sono molto critico con me stesso e molto ambizioso.
Quando hai iniziato a prepararti?hai seguito degli insegnanti?
Ovviamente a giugno quando è uscito il programma…in estate ho seguito due corsi di perfezionamento con due solisti internazionali…p.s. secondo me non si deve aspettare un concorso importante per fare dei corsi di perfezionamento ma cercare di seguirne quanto più possibili per avere una marcia in più rispetto agli altri e non mollare mai di studiare !!!!!!!!!
Hai usato un differente equipaggiamento da quello che solitamente usi in orchestra?
No.
Come concili il tuo essere solista con il lavoro di primo trombone?
Ma sai, essendo in due è “poco” più facile visto che per il teatro lavori solo al 50%... in tutta Italia è
così,non so fuori perchè non sono mai andato a suonare con un’orchestra estera.
Tu sei un esempio di made in Italy come anche Massimo La Rosa che saluto,e se andiamo indietro Candotto, Bandini, Conti, Profanter, Zoldan. Da tempo si parla del fatto che il nostro sistema di
educazione musicale non sia più all'altezza della concorrenza e salvo rari casi,è molto difficile
reggere il passo con l'estero: cosa ne pensi?
Più che made in Italy direi made in Sicily, per ricordare che questo è stato l’anno dei trombonisti siciliani;
Massimo La Rosa è stato il primo italiano a vincere
in America, Giuseppe Mendola ha vinto a Venezia e per chiudere in bellezza io ho vinto Porcia…!!!
in Italia abbiamo tanti bravi prof. di
trombone ma quello che ci penalizza è il solfeggio parlato…la musica si canta , non si
parla !!! quindi abbiamo un’ottima scuola di
trombone ma non di musica…
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E’ giunto secondo te il momento di dire che esiste uno stile italiano per il trombone oppure la realtà è troppo eterogenea?
Direi che lo stile italiano è sempre esistito, non è stato stabile come altri stili,che a differenza del
nostro si sono sempre più evoluti, e purtroppo non è quasi mai uscito dall’Italia mentre gli altri sono arrivati e hanno dettato legge ! quindi manca questo export, ma piano piano ci riusciremo
grazie a tutti i trombonisti che lavorano all’estero come te !!!
Da tempo ci si sta attrezzando per fondare l'associazione italiana dei trombonisti,la ritieni un'azione positiva? se si perché?
La ritengo positiva per il semplice fatto che è arrivato il momento in cui i trombonisti italiani abbiano un punto di riferimento e magari tramite l’associazione si potrebbero organizzare concerti con i
più grandi trombonisti, quartetti,quintetti, brass band, etc………
Chi sono i tuoi musicisti e nello specifico trombonisti di riferimento?
Mi piacciono allo stesso modo Michel Becquet e Jacques Mauger(prima come musicisti, poi come trombonisti) ma mi piacciono molto anche Joseph Alessi, Christian Lindberg (più come trombonisti) e il grande Maurice Andrè .
Tre consigli per preparare bene un concorso internazionale?
1) studiare “sempre” la tecnica del trombone, anche la più noiosa.
2) studiare tanti concerti e suonare il più possibile con un pianista e non aspettare per forza la
pubblicazione dei concorsi.
3) suonare quasi sempre in pubblico per acquisire più disinvoltura.
Così secondo me si forma il musicista(no il trombonista) perché nei concorsi internazionali si fanno
concerti non note lunghe !!!!!!!!!!
Grazie mille per essere stato con noi, un'ultima domanda a tema libero: (parla di qualcosa che ti
preme o che ti fa piacere dire).
Mi preme il fatto che in Italia si pensa troppo al trombone e poco alla musica. all’estero fanno la
differenza perché pensano il contrario e qui mi ricollego al solfeggio parlato.
Secondo me i conservatori dovrebbero organizzare almeno due volte l’anno dei master con i
grandi trombonisti.
Si pensa che in America tutti suonano con bocchini grandi, fanno solo note lunghe e suonano
solo fortissimo (non è così!) oppure che i francesi hanno tutti il suono piccolo e non capiscono
niente di trombone (mi pare sia l’esatto contrario!).
Invece mi fa piacere dire che il maestro Mauger è un grande musicista, trombonista e un ottimo
insegnante; mi ha dato tanto negli anni in cui ho studiato con lui (1996-2003 tra corsi, conservatorio superiore di Parigi e Accademia Nazionale S. Cecilia di Roma) e vorrei ringraziarlo pubblicamente!
P.s. un’ultima cosa : vorrei precisare che con qualsiasi maestro vai a studiare non devi mai copiare ma imparare; solo così riesci a formarti una tua personalità.
grazie daniele e complimenti anche a te per il ruolo che ricopri.
un abbraccio e in bocca al lupo per tutto!!!!!
Intervista di Daniele Morandini
Concorso Città di Porcia
INTERVISTA a
Gianpaolo Doro
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Il direttore artistico del
concorso
Come è nata l'idea del concorso?
Il Concorso Internazionale “Città di Porcia” nasce da un’idea del suo Direttore Artistico nonché
fondatore e cornista, prof. Giampaolo Doro. Lo scopo del Concorso, fin dai suoi esordi, è quello di
promuovere l’incontro tra giovani musicisti provenienti da scuole e tradizioni musicali diverse attraverso il confronto di stili interpretativi e tecniche strumentali differenti. Inoltre il Concorso ha sempre voluto essere un trampolino di lancio per giovani musicisti e un’occasione per far emergere
nuovi talenti e futuri solisti: non è un caso che tutti i vincitori delle passate edizioni abbiano raggiunto importanti posizioni in seno ad alcune delle più prestigiose orchestre europee.
Con quale ottica è stato possibile portare a questo livello il concorso?
Il Concorso nasce nel 1990 come mezzo di valorizzazione degli ottoni e nel 1996, dopo sei anni di
crescente e intensa attività, diviene membro della Federazione Mondiale dei Concorsi di Musica
di Ginevra, aggiudicandosi così un posto di primo piano a livello mondiale tra i concorsi di musica
riservati ai fiati. Questo prestigioso riconoscimento, sottolinea l’importanza e la qualità del “Città di
Porcia”, che grazie ai suoi elevati standard e alla volontà del suo ideatore si è imposto come
l’unica manifestazione italiana riservata esclusivamente agli ottoni e come uno dei Concorsi tra i
più qualificati al mondo. A confermare la particolarità di questo Concorso sono tre caratteristiche
fondamentali:
una Giuria molto qualificata, composta ogni anno da musicisti e docenti di fama internazionale, scelti tra i personaggi più rappresentativi delle diverse scuole musicali e nazionalità;
i Premi che ammontano ad un totale di € 18.000,00 Euro
e sono suddivisi come segue: primo premio
€ 8000,00; secondo premio € 4.500,00;
terzo premio € 3.000; A ciascun finalista non vincitore
viene assegnato un premio di € 750,00 e a tutti e
cinque i finalisti viene offerto bed&breakfast per gli
ultimi tre giorni del concorso. Inoltre da
quest’anno è stato introdotto anche il premio del
pubblico pari a € 1000,00 che viene assegnato
tramite votazione diretta dl pubblico presente
in sala durante la Finale con orchestra;
un Programma musicale impegnativo e selettivo che si articola in ben quattro prove.
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quali sono le persone che hanno in maggior parte contribuito a rendere il concorso quello che è?
Il Concorso deve il suo successo all’Associazione Amici della Musica “Salvador Gandino” che ne
è l’ente organizzatore, all’instancabile operosità del suo Direttore artistico e allo Staff, che negli
ultimi anni non ha conosciuto alcun turn over all’interno del suo organico. Inoltre il Concorso non
avrebbe potuto raggiungere i livelli di eccellenza, che oggi gli competono, senza il sostegno economico e il patrocinio di Enti pubblici e privati quali il Ministero dei Beni Culturali, la Regione Friuli
Venezia Giulia, la Provincia di Pordenone, il Comune di Porcia, la Fondazione Cassa di Risparmio
di Udine e Pordenone, la FriulAdria Crédit Agricole, il Comune di Pordenone e da quest’anno anche l’Ambasciata di Svezia. Non va inoltre dimenticato che un Concorso come il “Città di Porcia”
ha bisogno di molti spazi per il suo svolgimento e in questo senso è di grande importanza la disponibilità della Fiera Internazionale di Pordenone, che ogni anno garantisce alla manifestazione tutte le sale necessarie alle prove libere e obbligatorie. La Serata Finale con accompagnamento
dell’orchestra viene ospitata già da un paio d’anni nella splendida cornice del Nuovo Teatro Comunale “Giuseppe Verdi” di Pordenone, terminato nel 2005 e concepito con un’attenzione particolare per la musica, curando in particolar modo la sua acustica.
come è nata l'idea di alternare 4 strumenti?;
Al corno, strumento delle prime edizioni , si sono poi aggiunti la tromba e il trombone fino alla tuba, che è entrata a far parte del concorso nel 2004 completando la rosa degli ottoni, che si avvicendano a rotazione quadriennale. L’intenzione del Concorso era ed è ancora quella di dare
spazio agli ottoni e con esso uno stimolo ed un impulso alla scuola italiana, che negli ultimi 15/20
anni ha fatto crescere numerosi validi solisti, stimati e apprezzati al pari dei loro colleghi europei
ed extraeuropei.
quale dei 4 concorsi (strumenti), vi ha dato fino ad ora più soddisfazione?
Tutti e quattro gli strumenti a concorso hanno sempre dato grande soddisfazione
all’Organizzazione, ognuno in maniera differente o per il numero di iscritti e partecipanti, o per la
varietà della provenienza geografica, oppure in termini di qualità musicali dei partecipanti, o ancora per i riscontri positivi della stampa specializzata e i complimenti ricevuti sia dai membri della
Giuria che dagli stessi musicisti in gara.
quest'anno avevate una rappresentanza mondiale, dal sud africa, alla cina/giappone fino al sud
america, come fate ad organizzarvi per accogliere al meglio questi musicisti?;
Ogni anno il Concorso può vantare un’affluenza di concorrenti da ogni parte del mondo: tutti i
musicisti sono autonomi nell’organizzare il viaggio e il pernottamento durante il concorso ma vengono anche costantemente aiutati dall’organizzazione che fornisce loro tutte le informazioni necessarie. Nella brochure così come nel sito internet del Concorso i partecipanti, oltre al regolamento, al programma musicale e alla scheda d’iscrizione, possono trovare tutti i dati relativi agli
Hotel convenzionati con il Concorso “Città di Porcia”. Lo
Staff, inoltre, è sempre disponibile sia via e-mail sia per
telefono ad aiutare i musicisti a reperire la soluzione alloggiativa a loro più conveniente ed adeguata. Inoltre gli
Hotel convenzionati, dopo anni di esperienza e collaborazione, sono sempre molto disponibili nel capire le esigenze dei concorrenti, garantendo loro la possibilità di
studiare anche in albergo.
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sono tutti professionisti o ci sono in media anche studenti o neodiplomati?
Il Concorso “Città di Porcia” prevede esclusivamente un limite d’età per i partecipanti (30 anni
per corno, trombone e tromba e 35 anni per la tuba) mentre non pone restrizioni per quanto riguarda il titolo di studio. I concorrenti vengono valutati solo in base alle loro capacità esecutive,
pertanto possono partecipare sia professionisti già in carriera che neodiplomati ma anche giovani
dotati di particolare talento. Non a caso nel 1999 a vincere il primo premio fu il trombettista francese David Guerrier di soli quindici anni, mentre nell’edizione 2006 sempre dedicata alla tromba
ad aggiudicarsi il secondo premio è stato il quattordicenne spagnolo Ruben Gijon Simeò.
pensate che per il futuro, sara' possibile aprire una parte di concorso esclusivamente per
dilettanti/studenti ?
Nonostante l’ammirazione e la grande considerazione per tutti quei Concorsi che dedicano le
loro energie alla valorizzazione dei giovanissimi, risulta difficile pensare di aprire una parte del
Concorso ai dilettanti in genere perché il “Città di Porcia” è nato e si è sviluppato rivolgendosi in
modo particolare ad una fascia di strumentisti già proiettati verso una futura carriera solistica. Ai
partecipanti viene infatti richiesto di possedere qualità musicali e preparazione tecnica non comuni e il Concorso, da parte sua, offre ai musicisti competenza e professionalità di alto livello, rappresentate da una Giuria qualificata, importanti Premi e un Programma musicale impegnativo.
D’altro canto il “Città di Porcia” ha sempre pensato all’importanza per i dilettanti e gli studenti in
genere di potersi raffrontare con musicisti già formati ed è per questo che tutte le prove del Concorso sono aperte al pubblico.
Intervista di Mirko Dalle Mulle
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UN PO’ DI STORIA:
STORIA DELLA KING
Seconda
parte
Con l’inizio della guerra l’azienda fu impossibilitata a costruire molti strumenti sebbene il dipartimento assistenza rimanesse aperto, e la signora White lavorò duro per avere contratti con il governo. La forza lavoro era molto abile e particolarmente adatta a mettere insieme sassofoni con
molte parti che dovevano essere intonate in modo giusto. Con questo in mente, il governo affidò
alla King due grossi contratti. Il primo per assemblare unità radar (radio e antenne) per la Marina e
l’Esercito. Il secondo, visto la capacità dell’azienda di eseguire lavori complessi con l’argento,
riguardò l’assemblaggio delle parti in argento dei fusibili di prossimità. Ogni unità radar era formata da molti componenti e difficile da assemblare, e gli artigiani della King lavorarono molte ore
per incrementare la produzione.
Durante questo periodo, la signora White, Presidente della H. N. White, dovette rassicurare la rete
dei venditori che una donna Presidente avrebbe significato ancora che l’azienda stava focalizzando l’attenzione su buoni prodotti di grande qualità non appena la guerra sarebbe finita. La
maggior parte di venditori furono felici del cambiamento e continuarono il loro rapporto con la
King. Quando la guerra si avvicinò a conclusione, il lavoro lentamente riprese su una nuova linea
di strumenti da introdurre non appena questa fosse finita. La H. N. White completò una espansione di 250000 dollari che incrementò la produzione del 50%. Il totale di contratti dovuti alla guerra
portarono all’azienda in totale 5 milioni di dollari.
La figlia della signora White Cathryn (Kay) White Ludwig (sposata con William F. Ludwig Jr) divenne Vice Presidente e direttore della pubblicità nel 1945. Fu responsabile del mettere insieme il Catalogo White e della convocazione di migliaia di rivenditori l’anno. Uno dei primi cambiamenti
che fece fu di cambiare il logo “KING” con una corona e aggiungere l’incisione “World’s Finest”.
Questo cambiamento segnò l’entrata in ciò che alcuni credono i migliori anni dell’azienda. Qualche anno più tardi, il 21 settembre del ’47 diede alla luce una bambina chiamata Ellen.
Con la signora White al timone, l’azienda continuò a fare profitti e nel ’46 Edna introdusse ilprimo
programma di gratifiche, basato su una quota di produzione determinata su quella dell’anno precedente. Ella avrebbe speso molto del suo tempo nell’attività lavorativa e nell’intrattenere i clienti
nella sua abitazione al 2820 di Broxton Road di Shaker Heights (comprata nel ’48). Dedico comunque anche del tempo alla nipote Ellen.
L’artista più popolare della H. N. White durante gli anni ’40 e ’50 fu Tommy Dorsey, “il Gentiluomo Sentimentale dello Swing”, fu un maestro nel creare caldi sentimentali e superbi balli
e ritmi orecchiabili. Tommy visitò spesso Cleveland, e passò molto tempo alla produzione collaborando strettamente con gli artigiani. Con il contributo e la pubblicità di Dorsey i tromboni
King continuarono ad essere i migliori al mondo.
traduzione dal sito www.hnwhite.com
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Anche dopo la guerra la signora White fece ripartire la produzione solo degli strumenti più famosi e redditizi, che portò la gamma ad una trentina di modelli. Contemporaneamente la King
introdusse una nuova linea di sax chiamata Super 20. Fu commercializzato come un nuovo
sax ma in effetti fu un miglioramento del popolare Zephir Special che restò in produzione per
poco tempo. Il Super 20 fu un immediato successo di vendite e fu suonato da grandi musicisti
come Julian “Cannonball” Adderley e Charlie “The Bird” Parker.Più tardi nel ’46, furono introdotte anche le nuove trombe Super 20 con doppio canneggio e campana in argento suonate
da grandi musicisti quali Harry James e Ziggy Elman.
Nel 1953, con lo scoppio della guerra di Corea la H. N. White dovette affrontare di nuovo una
crisi di vendite. Edna, velocemente si aggiudicò un altro contratto governativo per la produzione di parti di radar. Allo stesso tempo le forze armate fecere un grosso ordine di strumenti
per banda mentre un’altra agenzia governativa rifiutava la produzione aggiuntiva di ottoni definendoli “…realmento non necessari”. Per soddisfare le esigenze delle forze armate e la produzione di strumenti la signora White incrementò le ora di lavoro settimanali da 46 a 56 ore. I
venditori comprarono così tanti strumenti memori della paura di ciò che era successo durante
la seconda guerra mondiale e le vendite crebbero del 30%. Per i due anni successivi la situazione non cambiò e la forza lavoro passò da 250 a 300 operai.
Alla fine del 1952 Cathryn divorziò dal marito riprendendo il cognome White e si dedicò a
tempo pieno al lavoro e alla famiglia. Le sue responsabilità crebbero inclusa la sostituzione
della madre quando questa era ammalata o in vacanza. Durante questi anni Cathryn lavorò
duramente per portare in ogni occasione artisti famosi a sponsorizzare il marchio King. Nel
’52 attraversò il paese per parlare con i venditori e lavorare in una convention musicale a Las
vegas. Il suo duro lavoro fu ricompensato quando convinse Harry James a fermarsi in fabbrica
e provare il nuovo modello di tromba Super 20. Harry voleva uno strumento che avesse le
valvole spostate qualche centimetro in avanti a causa delle sue braccia lunghe e mentre era a
Cleveland gli misero a disposizione un team di progettisti ed artigiani a lavorare sulle sue specifiche. Dal momento in cui Harry lasciò la fabbrica abbandonò la sua Selmer per una H. N.
White “Super 20 Silver Sonic” e siglòun accordo per pubblicizzare le trombe King. Le prime
Super 20 per Harry erano di produzione normale, ma dalla fine del 1952 Harry entrò in possesso del suo modello personalizzato. Questo cambiamento della tromba e della conseguente
pubblicizzazione fu dovuto in larga parte all’amicizia che si instaurò fra Harry James, Edna e
Cathryn.Nei successivi 13 anni, quando passava da Cleveland, Harry si sarebbe fermato allo
stabilimento King (per prendere una nuova tromba) e avrebbe passato delle ore a parlare con
“Mom White” (Edna) restando a cena da lei prima dei suoi concerti. Ogni volta che Harry era
in città, nei giorni di festa, cenava a casa di Edna.
Per tutto il 1950 la H. N. White fece degli sforzi per portare continui miglioramenti ai modelli.
La qualità era in ogni strumento e l’azienda garantiva i propri prodotti contro difetti di fabbricazione e di materiali per tutta la vita dello strumento.
Nel 1951-53 Fu lanciato sul mercato il nuovo trombone 3B che continuò il
successo e confermò la leadership sul mercato dei trombone e fece salire
ancora le vendite. Sempre nel 1950 il marchio “Silver Tone” o gli strumenti
con campana d’argento furono rinominati “Silversonic”.
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Agli inizi del 1962 si decise che il marchio America Standard sarebbe stato eliminato e sostituito da
Tempo. La linea di strumenti Tempo restò la stessa fornendo al cliente grandi strumenti ad un prezzo basso. L’azienda quindi aveva tre marchi: King, Cleveland e Tempo.
Intorno alla metà del 1964 divenne chiaro che la fabbrica era obsoleta. La King aveva costruito
strumenti nello stesso edificio per più di 50 anni ed era necessario un nuovo stabilimento. Nel 1964
Edna prese 50000 metri quadrati di terreno per il nuovo stabilimento a Eastlake in Ohio. Un altro
grande cambiamento avvenne nel settembre del 1964 quando Cathryn modificò il logo King con
la moderna corona ancora oggi in uso. Poi nel 1965 la salute di Edna peggiorò e d’accordo con
la figlia decisero di vendere l’azienda a Nate Dolan e soci. Nei pochi anni successivi Edna sarebbe andata al lavoro a Eastlake aiutando la costruzione del nuovo impianto che non le piacque
coem quello del 5225 Superior. Edna morì nel 1969 e Kay nel 2005. Gli eredi di Kay sono due nipoti
che vivono in Ohio.
traduzione di Vincenzo Ierace
L’ORACOLO:
Coulisse leggera o pesante?
La definizione “leggera” o “pesante”, riferita alla coulisse del trombone, è spesso
usata in maniera impropria. Per coulisse pesante si intende una coulisse i cui tubi sono generalmente formati con lo stesso ottone che costituisce il corpo dello strumento. Quindi si tratterebbe
di una coulisse “regolare”. Questa coulisse ha un’ampia risonanza, che assicura un timbro
“orchestrale” e grande allo strumento.
Per coulisse leggera, intendiamo una coulisse effettivamente più leggera, quindi con tubi più sottili
(es. le coulisse Courtois), oppure delle coulisse in nichelargento, che hanno delle qualità di risonanza diverse rispetto alla coulisse regolare: più “pronte”, ma con meno capacità di contribuire
alla tenuta del suono ad ampie dinamiche.
Le vere coulisse “pesanti”, sono quelle costruite con la curva finale appesantita, al fine di assicurare presenza e potenza anche nel registro basso.
Ovviamente, come in tutte le cose, una determinata coulisse offre in un senso e leva in un altro:
con la coulisse pesante si suona forte e teso, ma con una leggera si fa meno fatica e lo strumento
risulta più immediato.
Una combinazione molto apprezzata in orchestra, soprattutto di stampo
americano, è la coulisse regolare gialla con la campana gialla.
Nell’orchestra europea frequente è l’abbinamento tra la coulisse leggera
e la campana ramata.
Enrico Crippa
IL TROMBONE ANTICO
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Intervista a Mauro Morini
Mauro Morini. Diplomato al Conservatorio "F. Morlacchi" di Perugia con il M° Claudio Menci. Studi
successivi con Branimir Slokar, Eitan Bezalel, Peter Goodwin e, per la musica antica, con David
Bellugi, Bruce Dickey e Charles Toet.
Collabora da anni con alcune tra le maggiori formazioni specializzate nel repertorio medievale,
rinascimentale e barocco (Il Giardino Armonico, Ensemble Daedalus, La Reverdie, Capella Ducale Venetia, Ensemble Micrologus, Ensemble Concerto, Accademia Strumentale Italiana, Cappella
della Pietà dei Turchini, RSI di Lugano, Concerto Palatino, I Barocchisti, La Stagione Armonica,
Cantar Lontano, La Venexiana, Accademia Bizantina, Concerto Italiano, Orchestra Barocca di
Venezia, Cantica Symphonia, Kees Boeke Consort e Hilliard Ensemble...). In questa veste ha svolto
un'intensa attività artistica in prestigiose rassegne e festival internazionali in Italia, Francia, Svizzera,
Repubblica Ceca, Slovacchia, Germania, Slovenia, Spagna, Austria, Belgio, Grecia, Portogallo,
Israele, Egitto, Marocco, Olanda, Inghilterra, U.S.A…
Ha effettuato numerose registrazioni televisive e radiofoniche (RAI, RSI, Suddeutscher Rundfunk
Stuttgard, Radio France, TVKoper, Schweizer Radio DRS 2, RNE, UER, Supercable, Deutschlandradio Berlin, RaiSat, Bayerischer Rundfunk... ) e incisioni discografiche ( Quadrivium, Florence
International/Harmonia Mundi, Fonit-Cetra, Amadeus, Victorie Music, New tone/CGD, Dynamic,
Sonitus, Sarxs Records, Arcana, Bongiovanni, Arts, Tactus, Stradivarius, EMI Classic, Opus 111... )
che hanno riscosso ottime recensioni della stampa specializzata e importanti premi e riconoscimenti (5 Diapason, 5 Goldberg, Segnalazione al Premio del Disco Fondazione Cini di Venezia, 9
Répertoire, 10 Répertoire, ffff Télérama, Choc du Disque, Diapason d’or de l’année ecc …). E’
docente della cattedra di tromba e trombone al Conservatorio “F.Venezze” di Rovigo.
Quando hai scoperto gli strumenti antichi (sacqueboute e serpentone) e di conseguenza quale è
stato il percorso di studio?
Molti anni fa, ho avuto l'occasione di cominciare a suonare il cosiddetto trombone barocco
(termine secondo me improrio, parlerei piuttosto di strumenti "storici") in un gruppo di musica e
danza rinascimentale che si era formato vicino alla mia città. Non ne sapevo nulla ovviamente,
ma ero molto curioso, son sempre stato molto aperto e senza preclusioni di sorta in campo musicale. Ho cominciato così, ho comperato il primo strumento che ho trovato (un chiodo!) e mi son
trovato in un mondo completamente diverso rispetto a quello degli strumenti "moderni". Sia per il
tipo di repertorio, ma soprattutto per l'approccio, per le moltissime possibilità di combinazioni timbriche possibili con gli altri strumenti antichi, per la scoperta stessa di molti di questi strumenti e di
tutto un mondo a volte ignorato, altre addirittura denigrato, dalla cultura accademica ufficiale.
Mi ha di sicuro aiutato, tra le varie esperienze, l'aver fatto un pò di jazz in big band, il vedere le
cose scritte in un modo e doverle poi suonare in un altro, andando a ricercare gli stili, le articolazioni ecc ecc... Era all'incirca il 1990. Da li in poi è stato tutto un ricercare, con fatica ovviamente
perchè in Italia non c'era quasi nessuno che suonava questo strumento, non c'erano scuole in cui
si faceva "musica antica" (altro termine improprio...), e io già lavoravo.
Ho cominciato i primi lavori, un primo corso alla Chigiana con Bruce Dickey e Charles Toet che mi
ha poi invitato a Basilea dove teneva degli stage. E sono andato. E li ho scoperto un altro mondo.
12
Avrei voluto iscrivermi e frequentare la scuola in modo regolare, ma per motivi di famiglia non potevo certo lasciare il lavoro e mettermi a fare lo studente a tempo pieno, però per diverso tempo
ho seguito i corsi a Basilea, andando ogni tanto per una settimana. Il resto poi me lo son costruito
nel tempo, sul campo di battaglia, mantenendo sempre vivo lo spirito di curiosità e di ricerca.
In che modo pensi sia corretto studiare la tecnica ed il repertorio di questi strumenti?
Credo che innanzitutto sia fondamentale aver voglia di mettersi in discussione. Se questo punto è
prioritario, tutto il resto viene di conseguenza. Il rapportarsi con uno strumento piuttosto che con
un altro, con un repertorio piuttosto che con un altro, con la musica di un'epoca piuttosto che di
un'altra, presuppone che chi lo fa si ponga il problema. Per la maggior parte degli "ottoni" che si
formano seguendo i corsi tradizionali dei nostri Conservatori, questo è un mondo tutto da scoprire.
E da esplorare con parametri diversi. La tecnica acquisita con gli studi tradizionali dello strumento
moderno va bene, ma non è sufficiente, per quanto possa essere eccellente. Anzi a volte alcuni
aspetti possono risultare impropri, per cui va integrata per sviluppare altre capacità intepretative.
Un trombonista ha molto da imparare da chi suona il cornetto, il violino, la viola da gamba, e anche da chi suona una cornamusa, una bombarda...e da chi canta! La tecnica sta fondamentalmente non nel suonare le note, ma nel suonare la musica, molto spesso sta nel trattare lo strumento come se fosse un altro, o come se fosse una voce. E poi viene il resto. Suonare un pezzo rispettando il testo scritto sotto, cercando di fraseggiarlo e articolarlo come una voce, o anche pensandoci un testo sotto anche se il pezzo è solo strumentale, è molto diverso dal suonare solo le
note con i valori scritti, il piano e il forte, lo staccato e il legato. E' fondamentale. Le definizioni moderne di staccato - legato - staccato/legato non bastano. Bisogna lavorare sull'articolazione, un
pò come nel jazz, per far un esempio facilmente comprensibile da chiunque. Tecnica e musica
viaggiano assolutamente di pari passo, la tecnica deve servire a far musica secondo i canoni estetici del periodo o degli stili che si affrontano, altrimenti resta una specie di esercizio ginnico,
magari da virtuosi, ma fine a se stesso.
Pensi che sia conciliabile lo studio contemporaneo del trombone moderno e degli strumenti antichi?
Si. Credo di si. Ovviamente non all'inizio. Ad un certo livello, con una buona dose di elasticità, i
due possono convivere. Poi ovviamente ognuno sceglie se e cosa fare. La tecnica generale
(lavoro sull'emissione, suono, respirazione, flessibilità ecc ecc) va benissimo quella studiata per il
"moderno", ma poi il sacqueboute ha delle caratteristiche tutte sue, dovute sia alla fisica dello
strumento che al repertorio, per cui c'è da fare un gran lavoro sull'intonazione dato che spesso si
usano temperamenti diversi, e sul modo di suonare, sui fraseggi, sull'articolazione, sul modo di
pensare e tradurre in musica quello che la notazione non può rendere evidente. Come dicevo, è
un pò come passare dal classico al jazz, anche se ovviamente non con così gran divario: comunque, per semplificare, nel classico lo strumentista suona quello che sta scritto: quattro crome si
suonano tutte allo stesso modo, in Conservatorio si studia per anni per farle tutte uguali, tutte esattamente con la stessa pronuncia, la stessa quantità di
suono ecc, l'una l'esatta replica dell'altra. Giusto, per
carità, li va benissimo. Ed è funzionale a quanto uno
strumentista moderno dovrà poi fare, in orchestra e non
solo. Ma nella musica antica non è così, è piuttosto come nel jazz. Quattro crome nel jazz, pur essendo scritte
alla stessa maniera, si suonano tutte in modo diverso, e
in modi diversi a seconda degli stili!
13
Così con la musica antica, le note scritte sono solo una traccia grafica che va interpretata secondo i canoni estetici del periodo, lavorando quindi sulle articolazioni, il rapporto con il testo ecc
ecc. Bisogna cercare e crearsi un modo di suonare diverso. E' un lavoro che può quindi essere
fatto anche da uno strumentista moderno, purchè sia elastico. E a mio avviso farebbe molto bene a uno strumentista moderno, fare un pò di prassi esecutiva sul repertorio antico. Così come
suonare un pò di jazz, senza fare i solisti, va benissimo in big band, e questo è già più probabile
che accada ad un trombonista moderno. Di certo non si può suonare Gabrieli, Schutz o Monteverdi (per citare autori conosciuti da tutti, ma potremmo parlare di Riccio, Picchi, De Selma, Castello e tanti altri completamente sconosciuti agli strumentisti moderni) come si suona Bozza, Frank
Martin, Hindemit e così via, o come si suona Wagner o Mahler in orchestra!!
Puoi parlarci brevemente dei tuoi strumenti?
Ho un tenore Meinl modello Heinlein a 440, 430 e 415. Su questo strumento ho fatto costruire a
Bosc 2 campane, una rinascimentale/barocca a 466 e 440, e una classica a 430 (anche 440 e
415). Poi ho un basso di Monke in FA a 440, 430 e 415, un contralto di Callegari in FA anche questo
nei vari diapasono 440, 430, 415. Poi 2 trombe da tirarsi di Callegari, una in FA con storta in MIb e
una in RE con storta in DO. Il serpentone è un Monk, con molti anni sulle spalle, 6 fori senza chiavi.
Ho poi 2 nafir comperati in Marocco. Prima o poi vendo tutto, tranne i nafir, e sparisco definitivamente in un'isoletta in braghette corte...
Cosa consiglieresti ad un giovane che volesse intraprendere lo studio della musica antica?
Innanzitutto di essere motivato, curioso, disposto a mettersi in discussione se proviene da studi
"tradizionali". Ripeto e ci tengo a non essere frainteso: gli studi tradizonali accademici vanno benissimo, i nostri Conservatori hanno molti insegnanti di sicuro livello e garantiscono un'ottima preparazione dei propri allievi. Ma questo è un altro mondo, che richiede di entrarci dentro. Non basta solo comprarsi lo strumento. Se si cambia solo lo strumento ma si suona tutto allo stesso modo,
le cose non funzionano, la musica non c'è più! E' fondamentale rapportarsi con questo strumento
e tutto il repertorio che lo riguarda con uno spirito estremamente aperto, essendo disposti a cercare un modo di suonare diverso rispetto a quello che si ha con lo strumento moderno. Cosa che
non crea danni, ma tutt'altro, arricchisce anche chi poi continuerà solo la pratica dello strumento
moderno, o alternerà i due! E' un'operazione di maturità, di conoscenza, fondamentalmente è
culturale prima che tecnica. Per quanto riguarda le scuole, in Italia non esistono realtà specifiche
come all'estero. Ma alcuni Conservatori hanno sviluppato da qualche anno dei dipartimenti di
musica antica, e da un pò hanno attivato anche le classi di trombone, e di cornetto, ma...gli allievi dove sono? E ci sono alcuni ottimi trombonisti, in Italia, da anni e anni attivi nel settore musica
antica, che hanno competenze specifiche e potrebbero essere dei validi docenti. Spesso come
dicevo i trombonisti moderni si limitano a cambiare lo strumento, e/o poco più, senza desiderio di
approfondire le proprie conoscenze e mettersi a studiare. Chi però vuole studiare questo strumento in Italia, potrebbe contattare alcuni di questi musicisti, o iscriversi laddove sono attivati o attivabili questi corsi. Non necessariamente dobbiamo essere sempre costretti ad andare all'estero, alcuni dei nostri Conservatori stanno realizzando ottimi progetti nel settore della musica antica, così
come in quello del jazz, settori fino a pochi anni fa esclusi dall'offerta formativa. Io consiglio comunque un corso dentro una scuola piuttosto che delle lezioni private, perchè una scuola offre
possibilità poi di poter suonare insieme, cosa fondamentale per conoscere il repertorio, gli strumenti, le possibilità che ci sono e tutto il resto. Ma il punto fondamentale resta lo stesso: se si è motivati, le possibilità ci sono anche in Italia, e sono percorribili. Oltre a queste ci sono centri importanti fuori dal nostro Paese, in varie nazioni dell'Unione Europea, in cui la musica antica è studiata
da decenni, e che hanno rappresentato delle pietre miliari in tutto il lavoro di riscoperta e riproposizione del repertorio.
LO SPARTITO
Orazio Vecchi
14
Lo spirito libero
del Rinascimento
Il nome del modenese Orazio Vecchi, appartenente
alla generazione successiva a Leonardo, come è deplorevole prassi, è finito fra le
perle dimenticate di un passato che noi musicisti dovremmo avere la voglia di esplorare e riproporre, e che, invece, rimane beato appannaggio di pochi appassionati della musica rinascimentale.
Vecchi era nato a Modena nel 1550, prese i voti giovanissimo, e, ordinato sacerdote, ricoprì importanti incarichi, fra i quali quello di Maestro di Cappella del “pavarottiano” Duomo di Modena,
nonchè, assieme a Giovanni Gabrieli, la revisione del Graduale Romano, che poi venne pubblicato a Venezia alla fine del ‘500.
Ristabilitosi a Modena sul finire del secolo, all’attività sacra che gli spettava, e gli toccava, dal suo
ruolo sacerdotale, affiancò collaborazioni in ambienti più “mondani”, come la corte estense e la
camerata fiorentina.
Musicista “consapevole”, forse uno dei più lampanti esempi della coscienza rinascimentale, nel
1604 osò, nonostante fosse esplicitamente proibito dal “canone” ecclesiastico, impartire lezioni
alle monache, e, per questo atto, venne sospeso dall’incarico presso la basilica emiliana.
Il Vecchi non se ne ebbe a male, o, per lo meno, non la sua produzione artistica: in netto contrasto con la sua professione di musicista “da chiesa”, oltre alle normali composizioni sacre, obiettivamente non di grande rilievo, scrisse numerose opere profane, tra cui vari libri di canzonette e madrigali, un libro intitolato Dialoghi, con brani a sette e otto voci, e le autentiche meraviglie della
sua arte, la Selva di varia ricreazione (1590), il Convitto Musicale (1597) e Le veglie di Siena (1604),
preziosissime raccolte di musiche eterogenee, dove un finissimo stile contrappuntistico si coniuga
con sapienza con la caricatura e l’umorisimo.
Il capolavoro di Orazio Vecchi è l’opera “Amfiparnaso”, composta nel 1597 ed eseguita nei fasti
veneziani, definita dallo stesso autore “Comoedia Harmonica”.
Si tratta di un autentico antenato del melodramma: utilizzando stili differenti nel corso dell’intera
opera (madrigali, canzoni, balletto, villotta), Vecchi compone un’opera nello stile della Commedia dell’Arte.
Il testo, probabilmente scritto di suo pugno, consta di un prologo e tre atti, e presenta la singolarità di utilizzare la lingua “colta” durante il cantato dei personaggi “seri”, mentre le maschere cantano in dialetto. Anche nelle parti caricaturali il livello della polifonia mantiene sempre una qualità
elevatissima.
Rientrato nella città natale, vi terminerà i suoi giorni nel 1605. Le parole di Leonardo da Vinci,
“come dopo una giornata di lavoro è bello riposare, dopo una vita intensa è dolce morire”, sottolineano precisamente la vita meravigliosa e libera di questo musicista, uno tra i tanti fiori musicali
del nostro rinascimento, che spesso, inspiegabilmente, non arriviamo,se non in sporadici e
“illuminati” casi, a riscoprire.
Enrico Crippa
Di Orazio Vecchi pubblichiamo un madrigale a 4 voci, arrangiato per quattro tromboni e cortesemente donato alla nostra rivista da Antonio Sicoli, primo trombone presso l’ORT–Orchestra della
Toscana di Firenze e titolare della cattedra di trombone presso la Scuola di Musica di Fiesole (FI).
Canzonetta
Orazio Vecchi
adatt. A. Sicoli
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© A. Sicoli 2005
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IL TROMBONE IN
ORCHESTRA: GUGLIELMO TELL
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Il passo d’orchestra, tratto dall’ouverture del Guglielmo Tell di Gioachino Rossini, rappresenta sicuramente uno dei migliori esempi di
passo “tecnico” nel repertorio delle audizioni sia per il trombone tenore che basso.
L’ipotesi che, al tempo della composizione dell’opera, l’uso del
trombone a pistoni fosse pratica comune nelle orchestre italiane è
tutt’altro che remota, e potrebbe avere influenzato la scrittura dei
compositori di melodrammi, come Verdi, Puccini, Donizetti o lo stesso
Rossini.
Questa considerazione è a mio avviso fondamentale: Rossini avrebbe potuto intendere una scrittura per strumento a pistoni, ben conscio del genere di risultato che ne sarebbe scaturito, sia dal punto di
vista timbrico che per l’intonazione, considerata appunto la natura
dello strumento, rispetto a suoni soggetti ad un’intonazione forzatamente più approssimativa, come risulta (ahimè) dall’utilizzo del trombone a tiro.
Passiamo ora all’analisi del passo.
Per sei volte, una nota lunga (mi naturale e si naturale) si alterna ad una scala decisamente cromatica per poi culminare in quattro passaggi cromatici discendenti.
All’ingresso dei tromboni, l’orchestrazione è completa, al “tutti”, su un FF. Mentre i tromboni sostengono le note lunghe per due battute ed un ottavo, i legni eseguono scale cromatiche discendenti che vanno appunto a riallacciarsi ai cromatismi dei tromboni. Stessa cosa avviene dalla 25° battuta del passo sino alla 32°: tromboni e legni conducono alternatamene i cromatismi
sino alla conclusione della “tempesta”.
L’intonazione, il ritmo e la pulizia dell’articolazione, sono ovviamente aspetti che debbono caratterizzare tutti i passi d’orchestra, ma è innegabile che questi tre elementi fondamentali, in questo
passo, sono dominanti dall’inizio alla fine!
In alcune edizioni l’indicazione di tempo è
116, ma in generale definirei un buon range di esecuzione quello compreso tra 96 e
104.
Tutte le note lunghe hanno un accento: di
conseguenza è essenziale che il volume e
la pronuncia iniziale di questi 6 suoni siano
identici. In secondo luogo, anche se nessun diminuendo è indicato, proporrei di
diminuire durante tutta la prima battuta di
ogni nota lunga da FF a F e mantenere
tale dinamica nella seconda. L’uso del
vibrato sarebbe alquanto inappropriato.
18
Per quello che riguarda le scale, è molto importante che tutti i suoni siano sullo stesso livello sonoro
e di articolazione, evitando quindi che ci siano “spigoli” e note più forti di altre. Un’ulteriore difficoltà in questo passo sta nel frequente errore di porre un accento sulla nota dove c’è un cambio
di posizione “importante”.
Lo studio dei cromatismi piano, legato e lento deve accentuare la nostra attenzione proprio su
questo aspetto: lo spostamento repentino della coulisse non deve comportare un accento!
Il mio suggerimento per avere una visione più ampia possibile del passo è di studiare le scale molto lentamente, piano e legato, ossia all’opposto di quello che richiede la parte, proprio per raggiungere un nuovo e differente punto di vista.
E’ come scoprire l’altra faccia della moneta!
Quindi se un buon tempo di esecuzione è 104, studiamo le scale a 52, o a 104 e in 4/4.
Mantenendo, poi, un tempo sempre molto lento, passiamo a cambiare l’articolazione da legato
a staccato legato, staccato, marcato e marcatissimo, sempre in dinamica “piano” ed assicurandoci che la pronuncia di tutti i suoni sia identica. Dopodichè ripetiamo questo procedimento nel
forte sino ad arrivare ad una dinamica estrema.
Riposiamo 15 minuti e iniziamo a suonare il passo per intero in una dinamica comoda (classico mf)
ad un tempo comodo (84).
A questo punto la nostra attenzione, che abbiamo posto su singoli e ben determinati fattori tecnici, dovrebbe focalizzarsi sull’esecuzione, in quanto i problemi tecnici saranno stati assimilati separatamente uno ad uno.
Ritengo che isolare ogni singolo fattore per poi focalizzarlo al 100% ci conduca ad incentrare tutta
la nostra concentrazione solo ed esclusivamente sul risultato musicale e sul fraseggio, vero scopo
dello studio!
Daniele Morandini
TROMBONICA
Recensione CD “Zeitlos”
19
Titolo: Zeitlos
Edizione:
Mozarteum Records
Sito web di riferimento:
www.trombonica.com
"Zeitlos" costituisce il primo lavoro discografico del quartetto austriaco "Trombonica", la cui intervista è stata pubblicata sul precedente numero di questa rivista.
Sono presenti 20 tracce audio. La prima parte del cd è dedicata ad autori presenti stabilmente
nel repertorio concertistico, quali Dvorak, Bach e Bizet, mentre la seconda parte è riservata ad
autori contemporanei e a composizioni originali
per quartetto di tromboni.
Credo di poter affermare tranquillamente che le
qualità tecniche di questo quartetto siano indiscutibili: ottima qualità del suono in tutti i registri (da
notare come il "forte" sia sempre contenuto, personalmente apprezzo molto questa scelta), ampia
estensione, ottima tecnica virtuosistica e soprattutto una scelta del repertorio molto coraggiosa, indirizzata prevalentemente a compositori contemporanei e di musica originale per tromboni.
Questa scelta può rendere il cd un po' pesante
all'ascolto, specialmente ad orecchi non abituati
alla musica contemporanea, però consente di
conoscere ed apprezzare lavori sconosciuti alla
gran parte del pubblico e di valore artistico assai
elevato.
Personalmente ho apprezzato molto gli effetti sonori presenti in queste composizioni, seppur non
sia un amante di questo tipo di scrittura musicale.
Effetti sonori davvero interessanti e devo dire anche ben eseguiti e curati.
La composizione che reputo sia il più interessante sotto questo punto di vista è "4 sketche" di Robert Friedl, mentre i "3 chorale" di Werner Pirchner rappresentano una validissima alternativa ai
tradizionali corali del sommo Bach.
Il cd si conclude con un omaggio alla musica popolare austriaca, attraverso l'esecuzione di un
Volkslied molto suggestivo, a cui segue un piccolo angolo umoristico che però non voglio svelare.
E' possibile aquistare il cd presso scrivendo a :
Universität Mozarteum
Christian Hofer
Mirabellplatz 1
A-5020 Salzburg
oppure
Musikhaus Lechner
Christian Lechner
Gaisbergsiedlung 7
A-5500 Bischofshofen
oppure all'indirizzo mail riportato sul sito dei Trombonica.
Il cd costa 15 Euro piú le spese di spedizione.
Mirko Dalle Mulle
IL TROMBONE JAZZ
INTERVISTA a Marcello Rosa
20
realizzata il 10 novembre 2007
al Gregory’s Jazz Club di Roma.
Incontro Marcello Rosa al Gregory’s di Roma e mi concede questa intervista prima del concerto con i Jazz Heritage di Bepi D’Amato. Avevo preparato
una scaletta con una decina di domande pensando, visti i tempi stretti, di realizzarla in una
mezz’ora. L’intervista invece si trasforma in un racconto di storie e, fra una pizza e una birra, Marcello si rivela, piacevolmente, come una enciclopedia vivente della storia del jazz e dei trombonisti che l’hanno scritta. Va avanti per oltre un’ora e Bepi D’Amato me lo strappa letteralmente dalle mani per cominciare il concerto. Sarei rimasto ad ascoltarlo per tutta la serata. Mi lascia dandomi la disponibilità a proseguire in altri momenti la chiacchierata e regalandomi il suo ultimo disco “A Child Is Born”. E’ un musicista carismatico, per niente presuntuoso anche se molto diretto e
senza peli sulla lingua. Ecco le sue storie.
Ciao Marcello e grazie a nome di Trombone Italia Magazine
per aver accettato questo invito.
Grazie a voi
72 anni portati benissimo, da più di mezzo secolo ancora
sulla scena del jazz italiano, e non solo italiano; trombonista,
compositore, arrangiatore, conduttore di programmi televisivi. Come comincia questa lunga e prestigiosa carriera?
Musicista con la m minuscola, poi, se qualcuno pensa di no,
è meglio. Io ho cominciato a suonare il pianoforte all’età di
5 anni (mia madre era una buona pianista) è l’ho fatto abbastanza seriamente fino ai 12, quando ho avuto un rigetto
per lo strumento perché quell’insegnamento non mi eccitava. C’è stato quindi un periodo di interregno durante il quale
cominciai a vedere, nel 1946, i film americani con Tommy Dorsey, Glenn Miller e Xavier Cugat con
la sua orchestra latina che mi piaceva molto, e così cominciai a riavvicinarmi alla musica perché,
quello che sentivo e vedevo, mi dava delle sensazioni che non provavo con il genere studiato al
pianoforte (che avrei apprezzato successivamente). Tra l’altro mia madre mi fece prendere anche delle lezioni di chitarra da un insegnante che all’epoca era considerato il Segovia italiano,
Giambattista Noceti, ma anche in quel caso provai un forte disinteresse fin quando ebbi in regalo
un disco a 78 giri di Kid Ory che suonava su una delle due facciate Savoy Blues; quella musica mi
fece impazzire e da quel brano (non sapevo come fosse un trombone) capii che quello era il mio
suono. Su quel disco c’è un famoso solo di Ory, abbastanza elementare, pieno di glissati però entusiasmante e dissi così a mia madre di accompagnarmi in un negozio per vedere come era fatto
un trombone. Dopo un po’ di tempo mio padre me lo comprò e cominciai a studiare con un
grande musicista, Emilio Mazzini, artista prodigio all’epoca, che era stato prigioniero in Africa e
aveva conosciuto Tommy Dorsey che faceva i dischi per le truppe e che mi impostò molto bene,
feci tesoro di certe basi, anche se lui non voleva che andassi in giro a suonare sperando che diventassi un insegnante.
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E come hai deciso di cominciare a suonare il jazz?
Credo che la mia fortuna nel jazz dipenda dal fatto che ho avuto modo di ascoltare la storia del
jazz nel giro di un anno fatta da tre autentici protagonisti del trombone. Il primo concerto che ho
visto di un solista fu nel 1954, il Jazz At The Phylarmonic, il trombonisti era Bill Harrys, che a
quell’epoca era il massimo del moderno (ancora non c’erano Jay & Kai). Dopo qualche mese
vidi addirittura Trummy Young con Armstrong, per cui passai dal moderno al mainstream e, addirittura nel 1956-57 al Sistina di Roma venne Kid Ory che aveva 67 anni e mi chiedevo come facesse a suonare a quell’età. Era elegantissimo con l’orchestra in smoking e rappresentava il jazz tradizionale. Quindi nel giro di pochissimi anni ho assimilato il linguaggio jazzistico e a distinguere l’oro
dalla patacca in tre linguaggi che erano diversissimi tra loro. Da allora mi è piaciuto suonare il
trombone con quelle inflessioni che fanno parte di un codice espressivo che è il linguaggio del
jazz. E a prescindere dai risultati che sono riuscito ad ottenere, scarsi magari, sono stato apprezzato dagli altri musicisti per la pertinenza del linguaggio tanto che, nella mia attività ho avuto modo
di suonare sia con i vecchi esponenti che con i moderni come Slide Hampton, Bill Watrous, ecc. In
sostanza si può essere grandi oratori o dire solo due parole, ma ciò che conta è come le dici. Ho
suonato ciò che mi piaceva suonare, selezionando e andando ad ascoltare gli altri perché si impara sia da chi può dirti qualcosa che da chi non ti dice niente, ma ti rendi conto delle differenze.
Può sembrare lapalissiano ma purtroppo, soprattutto in Italia, non è così e si tende a mettere delle
etichette.
Hai parlato di grandi trombonisti. Come sono state queste esperienze con musicisti di un passato remoto ma
anche più recente?
Trummy Young non l’ho solo conosciuto ma c’è stata
un’amicizia durata 25 anni. E con lui incisi nel ’59 un disco insieme a Peanuts Hucko e Billy Kyle. Dopo 25 anni
venne Hucko con un suo gruppo al Festival Jazz di Sanremo e mi invitarono a salire sul palco a suonare con
loro When The Saints Go Marching In. Esiste anche una
registrazione di quel concerto ma la RAI tagliò questa
esibizione ufficialmente perché all’epoca conducevo
un programma in RAI e quindi non sarei dovuto comparire. Se devo sintetizzare la mia attività, ho sempre detto
“da Lionel Hampton a Slide Hampton”, perché nel ’67
andai in tournee con Lionel mentre Slide lo conobbi nel ’76 al Music Inn (dove lui aveva suonato
con il suo quartetto di tromboni) e suonai Three Out che aveva scritto per me Pieranunzi. Slide mi
ascoltò e mi fece suonare con lui per una settimana. Ero andato a sentirlo tutte le sere, la settimana precedente, scrissi i pezzi e suonai con un quintetto di tromboni dove lui era guest star. Organizzò le prove la domenica e dal lunedì al sabato suonammo. Con me c’era Dino Piana, Boccabella e Pellacani della RAI e Giancarlo Gazzani; l’unica condizione che Hampton impose fu quella di utilizzare la sua ritmica, facemmo le prove per l’intera domenica con il suo batterista non leggeva la musica. Ci disse di non preoccuparci e l’indomani aveva imparato tutti i pezzi e la sera
suonammo. Sempre al Music Inn e successivamente in altre occasioni suonai con Kai Winding che
era il mio idolo fra i moderni perché rispetto a JJ Johnson sentivo molta più affinità per il suo modo
di suonare, per un fatto di linguaggio e ancora oggi molte frasi mi accorgo di averle prese da Kai,
ferma restando l’ammirazione per JJ.
22
Nonostante queste esperienze ho letto però che ami suonare di più il jazz tradizionale.
No, questa è una cosa che risale a 46 anni fa quando suonavo con la Roman Dixieland Few Stars,
ma poi ho suonato con Earl Hines, Bill Coleman, Lionel Hampton, Kai Winding, Slide Hampton, Bill
Watrous, George Masso, Conte Candoli, possibile che il mio pedigree ancora oggi deve essere
legato al Dixieland? Infatti, i “tradizionalisti” mi hanno sempre mal sopportato perché avevo idee
moderne ed i “modernisti” anche, a causa di questa esperienza nel dixieland. C’è ancora oggi
questa moda di porre etichette e collocare un musicista sotto questo o quel genere. Però devo
dire che questa visione “totale” della musica mi ha permesso di suonare con tutti, dirigendo anche l’orchestra della RAI, e comunque il Dixieland mi piace tantissimo con quell’impasto di tromba, trombone e clarinetto che consente delle espressività interessanti ma non deve ridursi ad un
copiare ciò che ha suonato qualcun altro “altrimenti non è Dixie”. Suonare significa anche inventare qualcosa di proprio, dare la propria interpretazione
Questi erano i tempi d’oro del jazz, in Italia, oggi com’è la situazione?
Ricordo che nel ’63 dovetti impormi al Piper (dominato da Patty Pravo) per portare un’orchestra
di 14 elementi nella quale c’erano i migliori musicisti. Gli anni ’60 sono stati un periodo terrificante
per questa musica. Oggi forse è più facile creare gruppi musicali ed orchestre perché ci sono tanti giovani e si assiste ad un proliferare di scuole alternative che, riconosco, hanno avuto il grandissimo pregio di dare ai giovani la possibilità di vivere la musica in una maniera molto più divertente
(in inglese play è suonare ma anche giocare mentre i francesi dicono jouer), - quello che mi scocciava da ragazzino era l’ambiente accademico che mi metteva una tristezza infinita - e vedo
che questo fenomeno ha dato dei frutti eccezionali. Al Saint Louis dove insegno, ci sono 1500 allievi. E’ cambiata anche la mentalità e l’approccio a questo genere musicale, mentre prima era
fatta soprattutto sulla spinta dell’entusiasmo della novità; oggi i Direttori di queste scuole sono attenti ai diversi generi e praticamente tutti sono inseriti nei programmi scolastici, aiutati anche dalla
facilità nel reperire strumenti, spartiti e metodi (prima dovevi ascoltare il disco e trascrivere tutto). Il
problema è: tanti allievi che sanno leggere musica e suonare in gruppo, ma il solista? A copiare
possono essere bravi tutti, ma quanti sanno inventare o interpretare? Perché il jazz è soprattutto
questo, a volte basta cambiare una nota o la pronuncia per ottenere un lavoro originale, altrimenti è una ripetizione pedissequa di ciò che hanno fatto già altri.
Qui si innesta il discorso dell’improvvisazione e dell’interpretazione, si può insegnare o è una dote
individuale?
No, però puoi farlo capire, e ci vuole anche tanta passione per “insegnare” queste cose, in compenso, rispetto a 40 anni fa, c’è tanto “materiale umano” su cui lavorare.
E per quanto riguarda i trombonisti?
Per anni il trombone è stato lo strumento peggio suonato, dal punto di vista jazzistico. Adesso con
mio grave disappunto ci sono una serie di trombonisti italiani giovanissimi di buon livello. Ad esempio Petrella: l’ho conosciuto alcuni anni fa perché ero molto amico del padre che ha la mia età.
Una volta andai a Bari ospite della Jazz Studio Orchestra di Paolo Lepore (direttore del conservatorio di Taranto, dove insegnavo), formazione di buon livello professionale; la sezione era formata
da quattro tromboni e fra questi c’era anche un ragazzino. Petrella mi disse che era il figlio e mi
chiese se potevo fargli fare un solo, acconsentii e rimasi impressionato. Il motivo era che questo
ragazzo aveva “mangiato” jazz dalla nascita. In seguito abbiamo suonato diverse volte insieme,
per esempio al Trombone Poker di Villa Celimontana con Roberto Rossi (un genio assoluto), Luca
Begonia e Putrella.
23
Poi lui fu “fagocitato” da Rava e con lui si è fatto un nome di rilievo nel panorama jazzistico anche se, secondo me, sta attraversando un momento di involuzione anche se continua ad avere
delle potenzialità impressionanti. Roberto Rossi è uno strumentista incredibile. A Roma, di alto livello, c’è Mario Corvini (io suonavo con il padre) e Massimo Pirone che suona il trombone basso in
maniera terrificante nella PMJO (Parco della Musica Jazz Orchestra), mi ha impressionato una volta in Svezia con me, Dino Piana, Rudy Migliardi e Pellacani. Migliardi è un altro grandissimo del
trombone con il quale dovrei fare una mini tournée prossimamente, è un didatta eccezionale e in
una intervista su Musica Jazz disse una cosa che per me fu un grandissimo onore: “Marcello Rosa
non è un solista però scrive molto bene”; infatti lui usava i miei arrangiamenti per insegnare a Siena Jazz perché conosco bene pregi e possibilità di questo strumento. Tra l’altro io non mi son mai
messo a studiare sullo strumento, è una cosa che mi annoia; invece mi piace scrivere, immaginare cose che, forse, nessuno suonerà mai.
Prima si accennava al jazz in televisione. Ormai oggi è rarissimo vedere un concerto in TV salvo
forse in orari impossibili qualche filmato d’epoca. Questo ha comportato anche nel tempo una
perdita di interesse per questa musica soprattutto fra i giovani ed un “sconfinamento” solo in pochi locali specializzati. Come vedi questa situazione?
E’ strano, forse oggi di jazz si parla anche troppo. Una volta si diceva, “il jazz non passerà mai di
moda perché non è stato mai di moda” invece adesso è di moda e se ne parla dappertutto. In
Italia ci sono più festival che in qualsiasi altro paese del mondo ad uso soltanto di una ristrettissima
cerchia di “privilegiati” e mi riferisco ai musicisti e non al pubblico. Son sempre gli stessi e sono diventati dei prodotti che devono sottostare alle leggi del mercato e dei manager; ad esempio uno come Bollani, da quando hanno inaugurato l’Auditorium del Parco della Musica, due anni fa,
ci ha suonato sei volte, tanto che lui stesso ha detto in una intervista “in Italia per me il jazz va bene”.
Adesso si suona il jazz dappertutto e ad altissimo livello. E’ vero che forse manca il personaggio
trainante mentre prima, per circa un secolo, ogni dieci anni c’era una novità, una corrente, uno
stile (se vogliamo tornare alle etichette). Adesso è un po’ tutto globalizzato anche se l’evoluzione
ha portato ad un livello maggiore, sfruttiamo questo livello perché c’è la maturità per fare cose
importanti.
chi dovrebbe farlo?
chi ha sensibilità e potere. Solo che chi ha potere non ha sensibilità e chi è sensibile non ha il potere.
la domanda quindi è scontata, si può vivere di jazz oggi, o era più facile anni fa? Non sei pentito
di non aver fatto l’architetto?
no, non sono pentito e ho dimostrato, da quando ho cominciato, che si può fare. Tanto anni fa
forse era più facile perché eravamo pochi anche se non avrei mai immaginato all’epoca che la
musica sarebbe stata fonte di sostentamento. Però presi questa decisione consapevole del rischio
e del fatto che chi sarebbe venuto ad ascoltarmi sarebbe stato altrettanto consapevole di ciò
che suonavo. Non sono un professionista jazzista ma un jazzista professionista, con tutti i limiti
che posso avere.
24
dopo tanti anni e con tutte le esperienze fatte, perché continui a suonare?
perché ancora mi entusiasmo, mi aggiorno, vado ad ascoltare gli altri, cose che spesso, se mancano, sono uno dei limiti allo sviluppo del jazz italiano. E’ lo stesso ambiente che mette dei paletti
al suo sviluppo quando continua a riproporre standard senza originalità e jam session (che riesco
ad accettare solo da qualche americano che non ho avuto modo di ascoltare su altre cose).
All’ottanta per cento è così. La vera improvvisazione nasce dalla routine, quando tutto è bene
oliato, puoi avere il momento di genio, sembra un controsenso ma è la routine che ti dà la sicurezza e ti mette in condizioni di crearti quello spazio per fare qualcosa di originale…se ci riesci.
ho visto una foto di qualche anno fa scattata al tuo sessantesimo compleanno. C’erano davanti a
te sei candeline ognuna infilata in un bocchino da trombone capovolto, i bocchini ti erano stato
regalati da Winding, Rosolino, Young, Johnson, Hampton. Ne sono arrivati altri negli ultimi dodici
anni? E chi dovrebbe regalarteli?
no, non ne sono arrivati altri e non c’è più nessuno di loro. Quelli che me li hanno regalati erano
delle vere e proprie leggende, quando li ascoltavo cercavo di capire cosa facevano. Oggi invece, quando ascolto qualcuno, al novanta per cento so già cosa farà con lo strumento. Ho acquisito tanta esperienza dal loro ascolto e dal suonare con loro.
per concludere una domanda sullo strumento. Cosa ti senti di dire ad un giovane che vuole avvicinarsi al trombone?
chi vuole cominciare deve per prima cosa “sentire” che quello è il suo strumento, deve provarlo e
vedere quali sensazioni gli dà. Come raccontavo all’inizio, da bambino e fino a 12 anni, suonavo
il pianoforte e la chitarra, ma ero insoddisfatto. Quando ho ascoltato la “voce” di un trombone su
un vecchio disco me ne sono innamorato ed ho detto questo è il mio strumento pur non avendolo mai visto fisicamente. Sentire “intimamente” la musica che diventa parte della tua vita. Poi viene tutto il resto, l’ascolto della musica, dei grandi interpreti, l’esperienza, il suonare con gli altri e il
suonare ciò che ti piace, la musica che senti e che ti appartiene.
Finisce qui questa intervista che somiglia più ad un racconto e che si snoda per oltre mezzo secolo nella evoluzione di quella “strana” musica chiamata jazz. Ringrazio Marcello Rosa per la sua
disponibilità e cordialità e per le tante utili informazioni fornite (alcune da individuare fra le righe di
quello che ha detto). Adesso vado a godermi il suo concerto e, spero, ad imparare qualcos’ altro
sul trombone.
Vincenzo Ierace
25
Marcello Rosa - Recensione CD
“A Child is Born”
Marcello Rosa - A Child is Born (Philology 2007)
L’ultima fatica discografica di Marcello Rosa ci propone 15 brani fra standard ed originali. E’ un
disco che delinea il percorso artistico maturato in oltre 50 anni di jazz, dall’infanzia, testimoniata
dalla sua foto di copertina attraverso l’adolescenza con la scoperta del jazz fino alla maturità;
periodi felici e pieni di soddisfazioni, come scrive lo stesso Rosa nelle note del booklet che “alle
soglie dell’immaturità” decide di rilassarsi e realizza questo bel CD. E’ il mainstream con influenze
ellingtoniane e collaborazioni importanti , da
Gravish a Bosso a Cuscito. Se qualcuno ha
mai avuto modo di chiacchierare con Rosa
avrà capito che oltre ad essere una fonte
inesauribile di storie legate a questo genere
musicale, è anche persona ironica e dissacrante ma, a dispetto dei suoi 72 anni, ancora molto creativa e con tanta voglia di suonare (si ascolti The Very Thought Of You dove Rosa suona le parti di 1°, 2°, 3°, 4° trombone più la tromba) e, tali aspetti del suo carattere, li ritroviamo nelle esecuzioni. Per ogni
brano è riportato un suo commento che
“tradisce” l’ispirazione o una storia nascosta
dietro al titolo, e così vengono fuori i nomi di
Allred e Gordon, Rosolino e Masso, Fontana
e Whigham, Tony Scott al quale è dedicato
un brano con Cuscito al sax tenore e Rosa al
pianoforte. Ma non c’è solo il periodo
“immaturo” in questo disco, dopo i primi 11
brani sono state inserite 4 “chicche” ripescate da “cose vecchie ma non invecchiate” tratte da dischi fuori commercio incisi fra il 1973 e il 1985 e nei quali troviamo Pieranunzi, Scoppa, Urso (Alessio), Schiaffini, Munari e altri. Per uno di questi brani (Three Out), composto da Pieranunzi per Rosa, è riportata nel booklet la trascrizione del solo. Buone incisioni, ascolto godibile e
interessanti note nel fascicoletto allegato che oltre a quanto già descritto contiene anche un po’
di foto e le riproduzioni delle locandine di manifestazioni musicali alle quali Rosa ha partecipato
con musicisti che hanno segnato la storia del jazz e del trombone in particolare e che risvegliano
un po’ di nostalgia per il vecchio vinile ma, soprattutto, per quei concerti dove non era impossibile mettere insieme dieci trombonisti (e che trombonisti!) in un concerto. Buon ascolto.
Vincenzo Ierace
NEGOZI DI MUSICA
GRASSI RENZO
Strumenti musicali - Trento
26
Da questo numero, lo staff vuole offrire ai propri
lettori, una panoramica sulla storia e i servizi offerti
dai negozi musicali italiani che da decenni offrono
le loro merci ai trombonisti e musicisti della nostra
terra.
Partiamo quindi con Grassi Strumenti Musicali, emporio musicale con sede a Trento, un piccolo negozio che contiene un pezzo di storia importante di
quella regione.
Tutto è nato dalla grande passione per la musica e
in particolare per gli strumenti musicali del Sig.
Grassi Renzo che da oltre 40 anni opera nel settore.
Dal 1973 siamo al servizio della musica e dei musicisti con un negozio e un laboratorio specializzato nelle riparazioni e nell'assistenza tecnica.
Abbiamo scelto di specializzarci nel settore degli strumenti acustici e in particolare in tutta la gamma degli strumenti a fiato ( clarinetti, oboe, fagotti, flauti, saxofoni, ottoni ecc. ), degli strumenti
ad arco, nelle percussioni d'orchestra e nello strumentario Orff per la didattica e la musicoterapia
inoltre, abbiamo una sezione di libri e metodi per tutti gli strumenti oltre a una vasta gamma di
accessori.
Pensiamo che la specializzazione possa fornire maggiore comprensione a quindi maggiori risposte
alle problematiche dello strumento e/o del musicista e da sempre il nostro obbiettivo è quello di
fornire il giusto consiglio e la giusta assistenza a tutti i nostri clienti siano essi neofiti, studenti, gruppi
bandistici o professionisti.
La lunga esperienza ci permette di selezionare i migliori strumenti e le migliori marche che il mercato offre come: Buffet Crampon, Selmer, Yamaha, Besson, Bach, Holton, B&S, Keilwerth, Conn,
Yanagisawa, Pearl, Gewa, Hofner, Vandoren, Otto Link, Rico, Roy Benson, Adams, Majestic, Studio
49 e tante altre ... ma con una particolare attenzione al prezzo che sia sempre alle migliori quotazioni di mercato.
Esperienza, serietà, specializzazione, prezzi competitivi, assortimento, assistenza e ricerca costante delle
novità sono il nostro valore aggiunto.
Morena Grassi
Responsabile Grassi Strumenti Musicali
Via Matteotti 2 - 38100 Trento
Concorsi ed audizioni
27
1. SELEZIONI
L’Orchestra Sinfonica di Savona bandisce
le audizioni per i seguenti ruoli orchestrali:
....
Primo trombone
Secondo trombone con obbligo della fila
Terzo trombone con obbligo del trombone
basso
Bassotuba
2. REQUISITI
Requisiti per partecipare all’audizione sono:
- età non inferiore ai 18 anni compiuti al momento della presentazione della domanda di ammissione;
- godimento dei diritti civili e politici;
- idoneità fisica all’impiego.
Detti requisiti devono essere posseduti al momento della presentazione della domanda di ammissione.
Sono altresì ammessi tutti i cittadini italiani e comunitari e gli stranieri in possesso di regolare permesso di soggiorno.
3. DOMANDA DI AMMISSIONE
La partecipazione all’audizione è subordinata all’invio della domanda di ammissione
all’audizione (e del
pagamento della quota di iscrizione di cui al § 3.3), in carta libera da far pervenire entro e non
oltre l’1 febbraio 2008 (farà fede il timbro postale)
Primo trombone
- E. Bozza, Ballade op. 62 per trombone tenore e pianoforte;
- C. Kopprasch, dagli Studi, Studio n. 57, seconda parte;
- Prova di lettura a prima vista di un brano scelto dalla Commissione Giudicatrice.
Secondo trombone con obbligo della fila
- S. Sulek, Sonata “Vox Gabrieli”, per trombone e pianoforte;
- C. Kopprasch, dagli Studi, Studio n. 55, seconda parte, Largo;
- Prova di lettura a prima vista di un brano scelto dalla Commissione Giudicatrice.
Terzo trombone con obbligo del trombone basso
- P. Petit, Fantasie per trombone basso e pianoforte;
- A. Lafosse, dagli Etudes pour trombone basse, Etude p. 280;
- Prova di lettura a prima vista di un brano scelto dalla Commissione Giudicatrice.
Bassotuba
- Un Concerto a scelta del candidato;
- Uno Studio a scelta del candidato;
- Prova di lettura a prima vista di un brano scelto dalla Commissione Giudicatrice.
IL calendario prove verra' fornito dalla segreteria!
Tutte le info scaricando il seguente documento:
http://www.orchestrasavona.it/audizioni_2008.pdf
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Audizioni per Orchestra Giovanile
"Luigi Cherubini"
AUDIZIONI 2008-2011
Le domande di ammissione debbono essere spedite entro il 15 febbraio 2008 a mezzo raccomandata semplice.
La Fondazione Orchestra Giovanile "Luigi Cherubini" indice le audizioni per la copertura di tutti i
ruoli d'Orchestra
La Fondazione Orchestra Giovanile "Luigi Cherubini", fondazione di diritto privato senza scopi di
lucro, ha come obiettivo statutario la promozione e la realizzazione di un percorso di alta formazione lavorativa, quale momento di specializzazione, crescita e sperimentazione per giovani musicisti d'orchestra.
Tale percorso di formazione avviene mediante l'esecuzione e la produzione di manifestazioni musicali concertistiche e di opera lirica impegnando giovani musicisti all'uopo selezionati. La preparazione e l'esecuzione di tali programmi musicali avviene in massima parte sotto la guida del M°
Riccardo Muti, direttore musicale dell'Orchestra e suo ispiratore.
I candidati ammessi a far parte dell'Orchestra verranno impegnati in periodi alternati di formazione e di lavoro e collaboreranno all'attività dell'Orchestra mediante contratti a progetto assoggettati alla contribuzione previdenziale del settore.
REQUISITI DEI CANDIDATI
I requisiti per essere ammessi all'Audizione sono i seguenti:
- età 18-27 anni
Alla data di scadenza della domanda (15 febbraio 2008) i candidati dovranno essere di età non
inferiore ai 18 anni e non superiore ai 27 anni
- diploma strumento
I candidati devono essere in possesso del diploma nello strumento per il quale si concorre conseguito presso un Conservatorio di Stato o Istituto Musicale Pareggiato, o certificazione equivalente
per i titoli conseguiti non in Italia
- cittadini Unione Europea
INFO
Eventuali chiarimenti od informazioni potranno essere richieste alla sede della Fondazione preferibilmente tramite l'indirizzo mail [email protected] od anche al numero 0523 492254.
Domanda di Ammissione:
http://www.orchestracherubini.it/binary/orchestra_cherubini/audizioni/
domanda_di_ammissione.1199446303.doc
Bando di Concorso:
http://www.orchestracherubini.it/binary/orchestra_cherubini/audizioni/
Audizioni2008_2011.1198147784.pdf
Passi d'orchestra (scaricabili in PDF) trombone e tuba
http://www.orchestracherubini.it/binary/orchestra_cherubini/audizioni/trombone.1198069468.pdf
http://www.orchestracherubini.it/binary/orchestra_cherubini/audizioni/Tuba.1200053119.pdf
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Magazine"
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tutto sull'impegno del suo ideatore e di alcune
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è sotto copyright se non in alcune piccole parti dove sono citati i riferimenti dell'autore.
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•
facendo circolare i volantini elettronici,
•
utilizzando gli altri strumenti messi a disposizione per agire on line,
•
avanzando proposte o facendo segnalazioni nel forum,
•
segnalando notizie interessanti,
•
segnalando o inviando documenti interessanti in formato elettronico,
•
aiutandoci a condurre ricerche su internet per preparare dossier di approfondimento su
temi specifici
•
registrandoti al Forum, in modo da incrementare il numero di persone che possiamo
raggiungere con informazioni, notizie, attività (l'unione fa la forza).
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Il sito ti offre da subito gli strumenti per agire, ma se vuoi comunicarci la tua disponibilità,
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Purtroppo anche il sito ha delle spese vive, come il rinnovo del dominio, lo spazio web, la banda utilizzata e molto altro!
Per garantire un servizio ottimale, ho stipulato un contratto "ad hoc" i cui costi sono molto più
alti di molti hosting che si trovano in rete, contratto che mi garantisce un servizio continuato
con il supporto adeguato, anche se lo spazio web è limitato!
Non ho ambizioni di guadagnarmi da vivere con questo sito, anche se mi piacerebbe poterlo
fare. Lo gestisco per passione, non per denaro.
Hanno collaborato
Mi accontenterei comunque di ripagarmi almeno le spese vive.
alla realizzazione di
Come già segnalato altrove in questo sito, il servizio che viene svolto e'
questo numero:
totalmente gratuito: schemi e forum sono a tua completa disposizione e
Valerio Civano
non devi sentirti obbligato a ricambiare in alcun modo. E' un'attivita' che
Enrico Crippa
svolgo con passione, e che permette di avere un numero crescente di
Mirko Dalle Mulle
amici ed estimatori. Ma se vuoi dare un segno tangibile del tuo apprezzaVincenzo Ierace
mento, contribuendo alle spese vive di manutenzione del sito, ecco come
Andrea Lovo
puoi fare.
Daniele Morandini
•
Tramite Ricarica Postepay o bonifico bancario
Antonio Sicoli
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Tramite PAYPAL:
Sibelius
Grazie a tutti di cuore per l'attenzione!! Lo Staff
tromba &il trombone
la
MASTERCLASS · CONCERTI · CONCORSO
visual marcojunod | metroaosta.it
Fondazione Istituto Musicale
della Valle d’Aosta
Fondation Institut Musical
de la Vallée d’Aoste
P.tta Gualzetti, 4 – 23100 Sondrio – 0342.211653
www.animando.com - [email protected]
Biblioteca
comunale
di Hône
C O N C O R S O
I N T E R N A Z I O N A L E
15 febbraio ‘08
| ore 17.30
A O S T A
Sede dell’Isituto Musicale
Eliminatoria
≥ Esecuzione di passi
d’orchestra a scelta
della commissione
Monde; Ravel, Bolero;
Schoenberg, Un sopravvissuto
di Varsavia; Shostakovich,
Suite “il naso”, Sinfonia n. 11;
Strawinsky, Suite Pulcinella;
Tomasi, Fanfares liturgiques.
P E R
T R O M B O N E
16 febbraio ‘08
Giuria
| ore 21.00
Andrea Bandini, presidente
Daniele Morandini,
Giuliano Rizzotto,
Stefano Viola
A O S T A
Salone Ducale del Municipio
Finale
(Copia dei passi d’orchestra sarà fornita
in seguito a richiesta da effettuarsi tramite
e-mail o alla segreteria della scuola)
≥ Esecuzione di un
concerto con il pianoforte
Passi d’ Orchestra scelti
dalla commissione tra:
Berlioz, Symphonie funèbre
et triomphale; Hindemith,
Concerto per ottoni e archi;
Mahler, Sinfonia n.3;
Milhaud, La Creation du
≥ Esecuzione di un
movimento di un concerto
Esecuzione di uno o più
concerti accompagnati
da pianoforte della durata
massima di minuti 20 (venti)
≥ L’ Istituto Musicale Pareggiato
della Valle d’Aosta indice
ed organizza il Primo Concorso
Internazionale per Trombone
≥ Il concorso è riservato
a tutti i giovani nati
dopo il 01/01/1977
≥ Alla domanda di
partecipazione, in carta semplice,
dovranno essere allegati un breve
curriculum e la ricevuta
di versamento di Euro 20
(venti) con vaglia postale alla
Fondazione Istituto Musicale
della Valle d’Aosta via San
Giocondo 8 11100 Aosta
(causale Iscrizione Concorso
Trombone).
≥ La tassa di iscrizione non è
rimborsabile, fatta eccezione
per il mancato svolgimento del
concorso.
≥ La valutazione dei candidati
sarà espressa in trentesimi
attraverso la media dei voti
assegnati da ciascun
componente della giuria.
Questo vale per entrambe le
Un movimento di concerto
o un brano della durata
massima di min 10 (dieci).
≥ 1° premio
borsa di studio di € 500
e buono acquisto
Ed.musicali Animando
≥ 2° premio
borsa di studio di € 300
Roberta Menegotto
pianoforte
≥ 3° premio
borsa di studio di € 200
prove eliminatoria e finale.
≥ Le domande di iscrizione
dovranno essere inviate con
raccomandata entro e non oltre
l’ 8/02/2008 (vale timbro postale)
al seguente indirizzo: Fondazione
Istituto Musicale della Valle
d’Aosta via San Giocondo 8
11100 Aosta.
≥ Al Presidente della Giuria
è assegnato il compito di
coordinare i lavori indicando
i criteri di valutazione; il giudizio
della Giuria è inappellabile.
≥ Il Direttore Artistico assisterà,
senza diritto di voto, ai lavori
della Giuria.
≥ Tutte le fasi del Concorso
sono pubbliche. L’eventuale
registrazione radiofonica e/o
televisiva delle prove non
comporterà agli interessati il
riconoscimento di alcun diritto o
compenso.
≥ L’ iscrizione al Concorso
sottintende l’accettazione
completa ed incondizionata
del presente regolamento.
L ’ O F F E R T A
M U S I C A L E
OFFRIRE UN PERCORSO DI STUDIO QUALIFICATO ANCHE ATTRAVERSO INCONTRI PERIODICI CON PROFESSIONISTI AFFERMATI
DIFFONDERE LA CONOSCENZA DEL REPERTORIO NEL TERRITORIO VALDOSTANO CON CONCERTI PUBBLICI DECENTRATI
VALORIZZARE I GIOVANI ESECUTORI E QUALIFICARE L’OFFERTA COMPLESSIVA MEDIANTE L’ORGANIZZAZIONE DI UN CONCORSO
PER TROMBONE BASATO SULL’ESECUZIONE DI CONCERTI E PASSI D’ORCHESTRA.
L’Istituto Musicale
Pareggiato della Valle
d’Aosta, fin dall’anno
2000, propone stage di
musica d’insieme per ottoni
tenuti da docenti esterni,
su iniziativa di Stefano
Viola. A partire dall’anno
accademico 2006/2007 si
sono organizzate masterclass
per trombone che si sono
svolte il 18, 19 marzo 2007
(docente ospite Edvar
Torsten, primo trombone
Teatro alla Scala di Milano);
il 20, 21, 22 aprile (docente
ospite Andrea Bandini,
primo trombone Orchestre
de la Suisse Romande e
docente al Conservatorio
Superiore di Ginevra); il 5,
6 maggio (docente ospite
Giuliano Rizzotto, primo
trombone Orchestra Verdi
di Milano); l’ 1, 2, 3 giugno
(docente ospite Vincent
Lepape, primo trombone
Teatro Regio di Torino) e
una masterclass di musica di
insieme per ottoni (docente
ospite David Short) dal 17
al 21 giugno. Ogni stage ha
visto aumentare il numero
dei partecipanti, mediamente
15, in maggioranza allievi
esterni provenienti da
varie regioni italiane e
dalla Francia. Durante le
giornate di masterclass si
sono alternati momenti
collettivi (tecnica, musica
da camera) e momenti di
lezioni individuali. Oltre ai
docenti ospiti, ha partecipato
il Quartetto di Aosta
(Francesco Parini, Giuliano
Rizzotto, Rémy Vayr Piova,
Stefano Viola) che ha offerto
supporto e tutoraggio agli
allievi. Al termine di ogni
stage si è tenuto un concerto.
3·4·5 gennaio ‘08
6·7·8 marzo ‘08
6·20 aprile ‘08
10·11·12 maggio ‘08
D O N N A S
H Ô N E
C H A M B A V E
S T . O Y E N
| Sede Istituto Musicale
ore 9.30 - 12.30 · 14.30 - 17.30
| Salone Comunale,
sede della Filarmonica Alpina
ore 9.30 - 12.30 · 14.30 - 17.30
| Atelier di Cristian Bosc
ore 9.30 - 12.30 · 14.00 - 18.00
| Chateau Verdun
ore 9.30 - 12.30 · 14.00 - 18.00
STORIA E TECNOLOGIA
DEGLI STRUMENTI
AD OTTONE
PRASSI ESECUTIVA
E REPERTORIO,
MUSICA DA CAMERA
PER OTTONI
M A S T E R C L A S S
NUOVI IMPULSI
PER OTTONI
IL TROMBONE BASSO
Impostazione, warm-up,
lavoro individuale
e di gruppo nei diversi stili
Respirazione, tecnica, passi
d’orchestra e concerti per
trombone basso
Lito Fontana
trombone
Giuseppe Grandi
trombone basso Teatro
alla Scala di Milano
16·17 febbraio ‘08
Storia degli strumenti ad ottone,
prove pratiche di riparazione,
analisi dei problemi delle varie
componenti.
LA TECNICA MODERNA
PER LA TROMBA
A O S T A
| Sede Istituto Musicale
ore 9.30 -12.30 · 14.00 - 18.00
Respirazione, tecnica, studi
LA TROMBA
E IL TROMBONE
IN ORCHESTRA
Analisi e studio del repertorio
orchestrale e di gruppo
per tromba e trombone
nei diversi stili
Cristian Bosc
costruttore di strumenti ad ottone
C O N C E R T I
19 aprile ‘08
5 gennaio ‘08
16 febbraio ‘08
B A R D
P . S T . M A R T I N
A O S T A
| Auditorium
| Salone Ducale Municipio
Lito Fontana trombonista
Marco Braito tromba
Daniele Morandini trombone
Roberta Menegotto pianoforte
WORKSHOP DI ANALISI
ED ESECUZIONE
DEL REPERTORIO
Daniele Morandini
primo trombone Israel
Philarmonic di Tel Aviv
Vincent Lepape
primo trombone
Teatro Regio di Torino
Stefano Viola
docente IMP
Gianluigi Petrarulo
tromba
ore 14.00 - 19.00
| Forte di Bard
Salone “Archi Candidi”
Marco Braito
prima tromba Orchestra
Sinfonica Nazionale Rai
Ivano Buat
prima tromba
Teatro Regio di Torino
Analisi ed esecuzione del repertorio solistico per trombone dal
periodo barocco ai giorni nostri
Christian Lindberg
trombonista,solista internazionale
Allievi IMP del biennio
AFAM di trombone
I
S
C
R
I
O R E
2 1 . 0 0
ORCHESTRE D’HARMONIE
DU VAL D’AOSTE
Lino Blanchod direttore
FINALISTI CONCORSO
7 marzo ’08
10 maggio ’08
H Ô N E
R O I S A N
| Salone Comunale, ore 21.00
| Chiesa parrocchiale
Gianluigi Petrarulo trombone
Giuseppe Grandi trombone basso
Ivano Buat, Davide Sanson tromba
Vincent Lepape, Stefano Viola, trombone
QUARTETTO DI AOSTA
ALLIEVI MASTERCLASS
Z
I
O
N
I
nome ............................................................................
cognome ........................................................................
indirizzo ....................................................................... città ................................ tel ..........................................
studente presso ....................................................................................................................................................................
∙ iscrizione alla masterclass ∙ L. Fontana
∙ workshop Lindberg
∙ D. Morandini, M. Braito
∙ G. Grandi, G. Petrarulo
∙ iscrizione al concorso
Inviare la scheda di iscrizione a Istituto Musicale Pareggiato della Valle d’Aosta, via S. Giocondo, 8 - 11100 Aosta
tel 0165.43995 - 41450 fax. 0165. 236901 | coordinatore Stefano Viola cell. 349.3669986
oppure inviare e-mail all’indirizzo [email protected]
Costi degli stage: € 80 allievi effettivi, € 30 uditori, € 20 workshop con Lindberg
∙ V. Lepape